Tesis defendidas

El sentido de esta investigación Como me he ocupado de este tema a lo largo del tiempo, me ha interesado identificar la posibilidad de una tópica, pero también demostrar como la literatura del Parnaso es el espejo de una época, además de una ¿visio Auctoris¿. Me interesa estudiar en qué modo el mundo ¿entra¿ en Parnaso, y con qué coordenadas. Las de la estética, en el Parnaso manierista de Caporali. Los paradigmas de la estética y de la ética del mundo de Partenope, en Cortese y Basile, o en la reflexión melancólica del Viaje de Cervantes, Parnasos del siglo XVII y barrocos, animados ¿pensamos en la imagen de la demacrada mula del Viaje cervantino¿ por la amenaza de la consunción, del «horror vacui». Y luego la cristalización de estética ética política en los Parnasos de Imperiale y Quevedo. En los dos autores de esta tesis mía, diferentes incluso para el género elegido, surge un dato: Boccalini la prosa, muy densa y a menudo complicadísima; Quevedo, en aquellos ágile pero igualmente ¿arduos¿ Sonetos, espléndidos: la importancia del enredo entre historia y ética, al que la estética presta la voz. Y, entrelazando fechas, datos y caminos, el interés de los dos personajes por los protagonistas del teatro del mundo: ministros, sobre todo, que viven idealmente en el Sol de Apolo, ¿trabajando¿ detrás de él, porque brille. ¿Fue verdadera luz? Aquí están, las pinceladas anamórficas de los dos, de Boccalini y Quevedo están allí para arrojar luces y sombras, pero sobre todo perspectivas. De ahí la idea, también parnásica, de poner de relieve reseñas, galerías, analizando los Ragguagli y Sonetos en los que España esté representada no en general. Gran parte del Parnaso de Boccalini se refiere a Ragguagli relativos al concepto, que no se abordará en esta ocasión, de la ¿Razón de Estado¿. No es éste el focus de mi tesis, sino los Ragguagli relativos a los personajes ilustres del escenario histórico político coevo de Boccalini: hombres políticos españoles y sus Soberanos. A veces se trata de los mismos a los que Quevedo presta atención; a menudo no. Pero queremos mostrar, si no una visión común, muchos espacios de apertura en uno u otro caso. Metodología de la investigación Esta investigación está concebida como un recorrido a través de los dos núcleos más importantes de la polémica antiespañola de Boccalini: la guerra en Flandes y la contra los infieles, que condensa en Lepanto el icono más conocido (Parte Primera en las Secciones 1 y 2). Dentro de cada sección el primer capítulo es introductorio; el segundo es el análisis del texto. En la Segunda Parte, dedicada a protagonistas específicos, Reyes y ministros, se pierde tal bipartición y las personalidades en cuestión se examinan aún a partir del texto, pero con otras inferencias. El objetivo último de la investigación fue la apuesta de identificar una tópica común que parta, para Boccalini y Quevedo, de la centralidad de la historia, pero también de la ineludible ética. La reflexión sobre las guerras y luchas sostenidas por España contra los infieles, en los Ragguagli y en las dos Muse quevedianas objeto del presente trabajo es un preciso speculum desde donde mirar la idea misma de la legitimidad del Estado y el poder, o su consagración «tout cour». El Parnaso no coincide con la historia, sino en la forma en que Boccalini y Quevedo la leen y nos la entregan. A la sombra de Apolo nos ponemos nosotros, con aquellos ministros y dignitarios que salen de estas páginas con sus soberanos. Se ha hecho una elección obvia: tipos de los restos sagrados. Para eternizarlos. En el bien y en el mal. Y, confiamos, en dar una respuesta muy parcial pero apasionada.

Genesi eta idazketa prozesuaren kontzeptuetatik abiatuz, Gabriel Arestiren, Joseba Sarrionandiaren Ramon Saizarbitoriaren eta Bernardo Atxagaren idazlanen oinarrian dauden poetikak, sorkuntza hausnarketak eta joera estetikoak azaleratu nahi izatea da ikerlan honen helburu nagusia. Kritika genetikoak idazketa-irakurketa eta berridazketa-berrirakurketa prozesua ikertzea du xede. Idazketa prozesua bera litzateke ikerketa korronte honen muina, ¿ikergaia ez da testu ekoitzia izango, testuaren ekoizpena baizik¿ (Grésillon 1985). Hots, kritika-bide honek obra bat garatzeko beharrezkoa izan den sorkuntza-prozesua ikertu eta azaleratu nahi du, idazketa garapeneko urratsak aztertuz eta interpretatuz. Ikerketa burutu ahal izateko, hautaturiko idazleen argitaraturiko lanak eta aurre-testuak izan ditugu aztergai. Aurre-testua, ¿behin betikotzat jotzen den testuaren aurreko lekukotzen nolabaiteko berreraiketa litzateke, metodo zehatz baten bidez kritikariak ezarrita, jarraikortasunez irakurri ahal izateko objektu bihurturik¿ (Bellemin-Nöel 1977). Aukeraturiko euskal idazleen corpusa dela eta, Arestiren kasuan Mundu munduan nobelaren idazketa aztertu da, Oilarganeko etxola batean aurre-testuarekin eta egilearen gainerako antzerki-lanekin eta ipuinekin erkatuz. Arestiren gutunak eta bestelako idazkiak ere ikertu dira. Sarrionandiaren kasuan, berrargitalpenetan txertaturiko etengabeko berridazketak eta aldaerak ikertuko dira, bai poesiaren arloan eta baita ipuingintza aintzat hartuta ere. Bestalde, Ramon Saizarbitoriaren nobelagintzaren bilakaera eta garapena ikertu da Egunero hasten delako-ren azterketaren argitan. Lehenengoz 1969an argitaratutako eta berriki, 2007an berridatzi eta berrargitaratutako lanaren azterketa genetiko zehatzak, aurre-testuen ikerketa sakonaren bidez, berridazketa horren baitan egon den prozesu sortzailea azaleratu du. Azkenik, Atxagaren ibilbide literarioari erreparatu eta idazlearen sorkuntza prozesuetan berridazketek izan duten garrantzia nabarmenduko dugu, argitaraturiko lanak zein aurre-testuak ikertuz.

Esta tesis estudia desde el análisis de la ecocrítica, mito-crítica y los estudios culturales la relevancia que el mundo alpino, incluyendo las cuevas encontradas en este, tuvieron en la vida tanto real como en la creada en las obras literarias de J.R.R. Tolkien. Para ello, el primer y el segundo capítulo se centran en el estudio de obras literarias previas al escritor para ver en qué aspecto pudieron influenciarle a la hora de crear las montañas y las cuevas en su Legendarium así como de analizar la vida de este, donde se cuenta con un importante viaje a los Alpes suizos en el que el autor se vería atrapado en un episodio que más tarde reflejaría en sus obras y sería de gran importancia a la hora de describir la naturaleza salvaje, en especial las montañas y sus oscuras cuevas. Los capítulos 3,4 y 5 se centran en el análisis de las obras The Silmarillion, The Hobbit y The Lord of the Rings. En estos capítulos, se ha estudiado el papel de la montaña y los mundos subterráneos, las diferencias y similitudes que hay entre obras, la simbología que estos elementos naturales adoptan a lo largo de las novelas y cómo diferentes factores afectan en el significado de estas, estudiando tanto el aspecto de estas así como la relación con personajes pertenecientes a diferentes razas y culturas con la intención de sacar una conclusión acerca de la manera de retratar el mundo alpino que J.R.R. Tolkien tenía.

El presente trabajo tiene como fin profundizar en el estudio de la obra privada y pública de Pilar de Zubiaurre, intelectual vasca de la Edad de plata de las letras españolas, compañera de la Generación del 27, y exiliada al término de la guerra civil, en 1939. La tesis parte del análisis de su diario personal para mostrar la interseccionalidad literaria que existe entre la auto/biografía, el testimonio y la historia. El estudio se basa en el marco teórico sobre la literatura del yo y los estudios realizados en torno al testigo y el testimonio. Su diario personal, escrito en su mayoría durante la Guerra Civil española, se examina y se compara con la prensa de aquella época para contrastar los sucesos que se narran y para determinar el valor histórico de textos literarios y la pertinencia de su discurso. Se analiza su diario como ejemplo de testimonio de acontecimientos centrales para la historia oficial, como una visión que ha sido censurada dentro de los marcos oficiales. El análisis parte de sus escritos personales para proyectarse sobre la realidad social de su momento histórico y así mostrar las diferentes voces de la historia.

Esta tesis se propone analizar desde una perspectiva comparatista el texto teórico de Denis Diderot, Paradoxe sur le comédien (finalizado en 1777, publicado en 1830) y la obra de teatro del español Rodolf Sirera El verí del teatre (1978). Ambos autores pretenden renovar el panorama teatral de su época y, en el caso de Denis Diderot, esta propuesta se alimenta de sus ideas estéticas y filosóficas (materialismo, sensibilidad, modelo ideal, pantomima). El fructuoso debate sobre la interpretación del actor que inspira Paradoxe sur le comédien se materializa en la obra de Rodolf Sirera, que diluye la frontera entre realidad y ficción al mismo tiempo que problematiza la relación entre el actor, el personaje y el papel. Estas fisuras evidentes en El verí del teatre evidencian su filiación con un segundo hipotexto: la obra de teatro británica Sleuth de Anthony Shaffer (1970). La transgresión de las normas conlleva la violación de los límites éticos, lo que acentúa el carácter siniestro y grotesco de estas obras. La interacción entre la vida y la ficción conduce a una reflexión sobre la función ética del teatro en la sociedad, proyecto que traduce la visión utópica de la escena compartida por Denis Diderot y Rodolf Sirera, entendida como bien público y lugar de educación ciudadana. Por último, las numerosas adaptaciones de la obra de Diderot establecen un diálogo contante y lúdico entre las literaturas europeas que se desarrolla con las traducciones y, sobre todo, con la creciente transmedialidad propia de la era digital. Estas recreaciones conforman una red transcultural de la obra de Diderot y se nos presentan como un juego, con toda la polisemia del término: conflicto entre realidad y ficción, calidad interpretativa del actor o recreación y reescritura.

Mi principal objetivo con esta tesis es estudiar el poder político y social de la música para trabajar en favor de la igualdad. Para ello trato de buscar características dominantes que tengan relación con el feminismo en las letras escritas por la cantante y compositora norteamericana Kathleen Hanna, en las bandas Bikini Kill, Julie Ruin y Le Tigre. A su vez, trato de distinguir el lugar que ocupa su obra en el movimiento Riot Grrrl, (del que es representante), la escena punk y, también en la tercera ola del feminismo. Para completar estas metas, llevo a cabo un análisis crítico del discurso con perspectiva feminista (ACDF) de un corpus de texto formado por una selección de letras de canciones. Para contextualizar mi estudio, en la sección 2 hago una distinción entre sexo y género, dos categorías que adquieren mucho significado dentro del análisis. En la sección 3, centro la atención en el contexto teórico feminista. En la sección 4 analizo algunas de las principales razones de la invisibilización de las mujeres en la música. Las secciones 5 y 6 tratan sobre el movimiento punk y Riot Grrrl y, el debate que rodea a las letras de canciones y su calidad literaria. En la sección 7 divido mi estudio en unidades temáticas que se pueden encontrar tanto en la historia del feminismo como en la selección de las letras y completo su análisis lingüístico y discursivo. En el último capítulo, presento las conclusiones del estudio.

I came across Annie Proulx¿s books as a reader, long before even considering ever carrying out any scholarly work on her. Her readings always took me back to a place about which I thought I knew a lot yet I did not: the American West. It was not until a few years after my first reading of Postcards that I ventured into exploring her work, environment and ideas as a writer in a deeper way. There I discovered her approach to place, her attention to the local, language and the weather, as well as her understanding of the West as a region, motivation and credo. All that helped me reassess my traditional assumptions of the West ¿which I had visited on quite a few occasions¿.

Los escolios son las colecciones de comentarios a autores griegos y latinos que se nos han conservado en los márgenes de los manuscritos medievales. No obstante, la doctrina de los escolios, tal y como demuestra el nombre de autoridades que aparecen citadas en ellos, es mucho más antigua, retrotrayéndose hasta los siglos IV-III a. C., y alcanzando, al menos, hasta el s. III d. C. Los escolios se nos presentan como una amalgama de datos variados y carentes de sistematización. Además, dado que el espacio marginal en el que se condensa la exégesis es reducido, la información que transmiten suele aparecer en forma de resumen y, por tanto, a menudo, resulta incompleta y difícil de leer. Con todo, los escolios son el resultado de un método filológico-exegético aplicado durante siglos al comentario de los textos clásicos, de manera que representan un testimonio magnífico para conocer la aplicación práctica de la teoría literaria que los fundamentan. Este es el tema de nuestra tesis doctoral: la descripción de la antigua teoría y crítica literarias perceptible en los escolios de Aristófanes. De esta forma, una parte importante del trabajo consiste en la lectura, clasificación y traducción del material relevante, descubriendo, aislando y estudiando los términos técnicos que van apareciendo junto con otras cuestiones más amplias que no pueden ser abordadas desde una mera perspectiva terminológica (unidad poética, la consistencia de los personajes, etc.). El estudio se lleva a cabo al amparo de las doctrinas consignadas en los tratados más importantes que sobre teoría y crítica literarias se escribieron en la Antigüedad. Me refiero, claro está, a la Poética de Aristóteles, al Ars Poetica de Horacio, al Sobre lo sublime del Pseudo-Longino y a los varios tratados de crítica literaria de Dionisio de Halicarnaso, entre otros. La comparación de la lectura de las doctrinas que aparecen en estos textos, que son los fundamentales para conocer el fenómeno literario en la Antigüedad, con la doctrina contenida en los escolios de Aristófanes nos permite describir la base sobre la que se hace la crítica de las comedias aristofánicas, así como el poso de teoría que se aplica a la exégesis de un género literario específico como es la Comedia Antigua. De hecho, la metodología empleada permite reconstruir una verdadera poética aristofánica.

La investigación académica disponible sobre Sons and Lovers, una de las novelas más representativas de D. H. Lawrence y, por extensión, de la literatura inglesa del siglo XX, revela que el texto ha sido analizado e interpretado a menudo como paradigma narrativo de la teoría edípica de Freud (Kuttner 1916; Betsky 1953; Gekoski 1980; Black 1992; Chourasia 2019). Sin embargo, la aplicación de esta doctrina psicoanalítica sobre Sons and Lovers suscita importantes inconsistencias hermenéuticas. Desde nuestro estudio interdisciplinario, lo que nosotros planteamos es la necesidad de aplicar, por oposición al modelo edípico tradicional, un modelo interpretativo empático y psicodinámico de carácter innovador en la crítica de Lawrence. A partir de un análisis psicológico previo del contexto conyugal y familiar de los Morel, donde observamos las tendencias narcisistas primarias de la figura materna (Gertrude), así como su naturaleza posesiva y opresiva tanto en su matrimonio con Walter como en su maternidad, determinamos que los procesos interactivos cotidianos que modulan el psiquismo infantil de Paul en la dinámica maternofilial derivan en él en una sobreestimulación de la empatía emocional. Nuestra convicción alrespecto, apelando a criterios psicoanalíticos, cognitivos y experimentales, es que Paul identifica y asimila desde sus primeros meses de vida las experiencias emocionales negativas de la madre (culpabilidad, incertidumbre, ansiedad depresiva). Esta singular configuración psíquica del protagonista se manifestará posteriormente en una perturbación vincular con el sexo femenino (Miriam Leivers y Clara Dawes), a través de unos rasgos psicopatológicos de índole persecutoria y disociativa.

Euskal Ipuingintza Garaikidearen Historia ikerketa-lan honetan euskal ipuingintza modernoaren historia deskribatu nahi izan dugu, bere lehenengo lan fundazionaletik gaurko harmarkadeetara arte. Horrezaz gain, ipuinaren definizioetan murgildu gara, beste genero narratiboekiko antzekotasunak eta mugak nabarmendu ditugu, ipuingintzak euskal literaturan zein beronen historian zein paper jokatu duen agertu dugu. Oro har, euskal ipuingintza garaikidearen definizioaz, sorreraz, bilakaeraz, emaitzaz, eta ikerketez luze bezain zabal jardun dugu. Hartara euskal ipuingintza garaikidearen aitzindarien ipuingintza, 70eko ipuingintza, 80ko ipuingintza eta 90eko eta milurteko ipuingintza aztertu ditugu. Era berean, lan honen birtartez, euskal ipuingintza garaikideak, batetik, gaurko euskal literatura sistema sortzen eta, bestetik, gure literaturak pairatzen zuen ¿desfase¿ historikoa gainditzen lagundu duela frogatutzat eman dugu.

In the simplest of terms this dissertation draws on the work of Pierre Bourdieu to study Thomas Pynchon¿s novel Againts the Day, to do so involves study of the US literary field, the history of positions that Pynchon has occupied, and the resultant trajectory that can be derived from that. This method analyzes the sociogenesis of the author¿s habitus and thus the practice that produces the literary product being studied.

En esta tesis realizamos un estudio sobre la obra de Charles Robert Maturin, en concreto sobre Melmoth the Wanderer, una novela relevante que marca el final de una época y el comienzo de otra en la literatura gótica. Para ello, hacemos un breve recorrido por la literatura gótica hasta la publicación de la obra, a la vez que se la vincula al contexto de la literatura irlandesa, a la que pertenece el autor. Para los capítulos introductorios sobre la literatura gótica y la biografía de Maturin, que buscan situar la obra y contextualizar nuestro análisis principal, se usan diversas fuentes bibliográficas. La metodología que utilizamos para el análisis de la figura del héroe dentro de Melmoth the Wanderer se centra en la mitocrítica, sobre todo en los trabajos de Northrop Frye, David Leeming, o René Girard, entre otros. El trabajo se estructura finalmente con una introducción general y una conclusión final que arroja más luz sobre el análisis del héroe en la novela mencionada.

Esta tesis propone la redefinición del canon literario a través del paisaje. En los siguientes capítulos presento cuatro autoras desde el feminismo y las teorías ecofeministas: Dorothy Wordsworth, Francisca Ruiz de Larrea, Isabella Bird y Nan Shepherd, cuya inquietud por participar de manera activa en el panorama literario de la época las indujo a explorar nuevas vías de intervención relacionadas con la naturaleza: diarios, diarios de viaje, cartas, y escritos de difícil categorización. Los Diarios de Alfoxden y Grasmere (1798 y 1803), Los Diarios del Viaje a Bornos y Ubrique (1824) y a Arcos de la Frontera y Bornos (1826), La Vida de una Mujer en las Montañas Rocosas (1879), y La Montaña Viva (1977) constituyen el corpus de mi investigación. De la centralidad de la preocupación por la naturaleza, y el cuidado del paisaje en los cuatro discursos au féminin previamente citados, se desprende que el concepto de "el Reino del Padre" ha quedado ampliamente superado dando paso a un nuevo espacio de lo femenino en el que la naturaleza humana y no humana se presentan como ejemplo de comunidad global que convive en armonía. Dada la actualidad de su mensaje en el contexto de crisis ecológica y sanitaria mundial, sugiero que las obras objeto de análisis de este trabajo reciban la atención que merecen, puesto que de ellas podría emanar la fórmula magistral para combatir con garantías la presente contienda y aquellas que hayan de venir.

Los tres tomos de Verdes valles, colinas rojas constituyen, no sólo la obra cumbre de Ramiro Pinilla, sino el núcleo creativo hacia donde fluye toda su obra previa y de donde deriva su obra posterior. El fundamento estético de la obra de Pinilla se halla en la estética de la destrucción del idilio, en su triple faceta, la tierra natal, el amor y el trabajo agrícola. El universo del escritor vizcaíno parte de la plasmación del cronotopo idílico para mostrar, a lo largo de sus páginas, su proceso paulatino de desintegración estética. Los tres rasgos característicos señalados por Bajtín (relación especial del tiempo y el espacio, sublimación de la cotidianeidad y conexión entre la vida y la naturaleza) tienen una traslación destructiva en el proceso que narra la novela. Ésta se inicia, consecuentemente, en pleno arranque de la industrialización vizcaína, lo que provoca la irrefrenable aparición de unas estructuras socioeconómicas y estéticas incompatibles con el estadio anterior. La modernidad no permite que el espacio de la tierra natal pueda permanecer aislado y su tiempo estancado, de modo que el ser humano está condenado a perder su conexión vital con los ritmos ancestrales de su naturaleza conocida. Ese proceso histórico cuenta con unos elementos que han protagonizado la continuidad de esa evolución: las figuras de la imaginación, unas imágenes que representan valores esenciales en la evolución de la humanidad y que han sido analizadas a partir de un acercamiento inevitablemente sincrético.

La comedia Los Tellos de Meneses y su continuación, Valor, fortuna y lealtad de Los Tellos de Meneses, constituyen uno de los pocos ejemplos de dípticos dramáticos compuestos por Lope de Vega y dos de los acercamientos más interesantes a la materia histórico-genealógica realizados por el Fénix en sus últimos años. A pesar de ello, estas dos piezas nunca han sido objeto de un estudio textual, una edición crítica ni un examen literario detallado que abarque las dos comedias. Este trabajo pretende suplir estas carencias en el conocimiento que tenemos del díptico de los Meneses y abordar estos dos objetivos (estudio literario y edición crítica de las dos comedias) en cuatro apartados. El primero de ellos, bajo el título de «Prólogo» se dedica al estudio literario del díptico y propone un acercamiento breve a cuestiones fundamentales relativas a las dos comedias (datación y autoría, circunstancias de composición, fuentes, género, etc.). El segundo bloque se dedica al estudio textual («Problemas textuales») de ambas piezas. El tercer bloque está compuesto por la edición crítica de las dos comedias, con el aparato crítico situado a pie de página. Dicho aparato recoge las lecturas de todos los testimonios antiguos y de todas las ediciones modernas. El último bloque se dedica a la anotación filológica de las dos comedias, cuya extensión recomendaba que dispusiera de su propio apartado. A continuación de las notas filológicas se pueden consultar los aparatos correspondientes a las variantes lingüísticas, nota onomástica y apéndice de erratas de las dos comedias. Ponen fin al trabajo un apartado que incluye la traducción al inglés de una parte del Prólogo, en cumplimiento con los requisitos necesarios para la obtención del doctorado internacional en la Universidad del País Vasco (UPV/EHU), y la bibliografía citada.

En las últimas décadas, la literatura policíaca se ha convertido en algo mucho más potente y revelador que el registro textual de una aventura novelesca. Su gancho comercial ¿ligado a su incuestionable capacidad para captar la atención del lector¿ y su habilidad para reflejar la reconocible problemática política, social y económica de un período determinado de la historia la han convertido en el principal vehículo para catapultar, desde las trincheras de la creación literaria, un grito airado contra un orden sistémico. Aunque Rafael Bernal ya había publicado en el año 1969 una novela en la que la trama detectivesca y la temática social se entrelazan a lo largo del relato ¿El complot mongol¿, el año 1976 ha pasado a considerarse el del nacimiento del neopolicial mexicano tras la publicación de dos novelas referentes encuadradas dentro del Postboom literario latinoamericano: En el lugar de los hechos, de Rafael Ramírez Heredia y Días de combate de Paco Ignacio Taibo II. Toda la producción de Taibo II reúne dos rasgos comunes: el compromiso político y social y la denuncia contraria al establishment. Bien desde los parámetros del ensayo, bien desde los márgenes de la crónica histórica o del relato biográfico, el autor mexicano siempre termina apuntando a las élites gobernantes mexicanas con el objetivo de destapar su ejercicio autoritario y corrupto en el poder. Desde las aludidas represiones gubernamentales de octubre de 1968 y junio de 1971, al terremoto de 1985 o el fraude electoral de 1988 (ambos en Regreso a la misma ciudad y bajo la lluvia), Taibo II nos ofrece a lo largo de la saga policíaca protagonizada por el detective Belascoarán Shayne un repaso por los sexenios de cinco presidentes de México: Gustavo Díaz Ordaz (1964-1970), Luis Echeverría Álvarez (1970-1976), José López Portillo (1976-1982), Miguel de la Madrid (1982-1988) y Carlos Salinas de Gortari (1988-1994). Siempre con el contexto de inestabilidad económica como telón de fondo, el autor recoge a la perfección en sus novelas esa atmósfera de crisis y precariedad que se cernió sobre el país tras los años del denominado desarrollismo. La saga le toma la temperatura a la calle y se hace eco del apoltronamiento perpetuo de la clase política priísta en el poder, a través de la corrupción y el control absoluto de todas las piezas y engranajes del sistema: desde el sindicalismo charro (Cosa fácil) al ámbito de la educación superior (Algunas nubes). Tomando de igual modo partido por el estamento social más desfavorecido, fenómenos como el narcotráfico (Sueños de frontera), la inseguridad ciudadana ¿cuando no derivada de este, resultante de la falta de credibilidad de los estamentos jurídico y policial¿, la manipulación mediática (Cosa fácil), la represión estudiantil (Algunas nubes y No habrá final feliz) o el proxenetismo de menores, conectado con la cultura del padrote (Amorosos fantasmas), se suceden por las páginas de la saga Belascoarán Shayne. Problemas sociales de México, estos ofrecen una perspectiva desoladora del país, a la vez que revelan las carencias y los fallos derivados de la inoperancia de todo un orden sistémico. En conclusión, todos estos motivos convierten a esta serie policíaca en el trabajo literario más ambicioso e interesante de Paco Ignacio Taibo II. Objeto de numerosas ediciones y traducido a varios idiomas, el realismo crudo que desprende y su capacidad para la crítica político-social lo convierten en un artefacto provocador, perturbador e incendiario. Una literatura que contiene, en resumen, el alarido ensordecedor de toda una generación desencantada que reclamaba el desalojo inmediato del poder del Partido Revolucionario Institucional y la regeneración por completo de la actividad política, social y económica de México.

La presente tesis es el resultado de la investigación sobre los principales elementos que integran la obra del escritor colombiano José Manuel Crespo con la finalidad de destacar su trascendencia en el ámbito de la literatura colombiana y, por tanto, universal. El estudio tiene como punto de partida la lectura de las obras y publicaciones escritas realizadas por el autor, de las cuales se seleccionan cinco relacionadas con el género narrativo: la autobiografía Largo ha sido este día (1987), el relato literario Ánimo contra el miedo (1988), la novela La promesa y el reino (1984), y las dos novelas urbanas: Qué será de Paola Silvi (1981) y Considéralo un sueño (1998). La metodología está basada en los aportes de diversos teóricos e investigadores literarios, los múltiples aspectos que delimitan la interpretación de las obras de estudio, así como la revisión de los fundamentos que hacen parte de las categorías sintáctica, semántica y pragmática (personaje, espacio, tiempo, narrador, el papel del lector), además de la relación que presenta dicha obra con las características de la `Novela lírica¿, la `Novela urbana¿, y la presencia e influencia de la `Memoria individual y colectiva¿ en el discurso narrativo del autor; asimismo, la presentación de dieciséis anexos que complementan los diversos elementos investigados, la utilización de entrevistas realizadas al escritor y la elaboración de tablas que incluyen información sobre los principios significativos que se comparten en todas las obras. Las conclusiones evidencian características que le identifican como el escritor del recuerdo y la nostalgia por la utilización de un discurso que siempre va al tiempo pasado, con el destacado uso de un lenguaje lírico y subjetivo que integra cierto estilo original en su proceso escritural en el cual estructura nuevas definiciones y expone elementos significativos como: la presentación de los personajes principales, secundarios y referenciales que se comparten en las obras de estudio; la reincidencia en los lugares y espacios que las complementan; los ejes temáticos que se entrelazan en todas ellas y algunos otros rasgos identificativos de su narrativa. Todo lo cual lleva a descubrir aspectos que abren paso a futuras investigaciones sobre su obra.

La investigación comienza en la Editio princeps del Decamerón y sigue hasta los desarrollos posteriores en territorio francés e ibérico, con la identificación y el examen de pasajes particularmente singularizados por la terminología musical. La pesquisa sobre los "lugares sonoros" permite captar su valencia simbólica, y sobre todo transitar a lo largo y ancho del tiempo, en grandes diacronías, y hace que sea posible "invadir" el terreno de otras disciplinas mediante cotejos históricos, organológicos, iconográficos, sociológicos. Las múltiples funciones desempeñadas por el canto, la música y la danza en la obra maestra de Boccaccio no otorgan plena justicia a un tejido literario también tramado con ritmo y con implicación emocional en su dimensión pragmática; cada palabra, cada sonido evocado por Boccaccio en la variedad del registro y de entonación de la narración, llevan al lector a sus propias vivencias y generan en él nuevas emociones intensas y profundas, que favorecen la "re-construcción" del sentido literario. Además, la confluencia de "melos" y "verbum" en Boccaccio parece producirse magníficamente en los madrigales del siglo XVI copuestos a partir de algunas estrofas de sus baladas. Petrarca contribuye a la difusión del "Decamerón" más allá de las fronteras con la traducción-reelaboración de la novela de Griselda en latín. Traducida ésta al catalán en 1388 por Bernat Metge, este texto se introduce en la traducción catalana anónima de 1429 del Decamerón. Las perculiaridades de esta versión de Sant Cugat del Vallés subrayan y confirman la estrecha relación de la obra con la música: el autor anónima reemplaza las baladas por algunas canciones catalanas populares entre su propio público, que son sin duda poemas de transmisión oral cantados por un solista y un coro.

Los grandes éxodos migratorios humanos producidos desde las tres islas que conforman el espacio geo-cultural correspondiente al Caribe hispano insular (Cuba, Puerto Rico y República Dominicana) hacia la costa este de los Estados Unidos en el segundo decalustro del siglo XX han dado lugar a un fenómeno sociológico cuya respuesta cultural se ha materializado en una literatura que testimonia las experiencias de los sujetos migrantes en su nuevo medio receptor y las relaciones de verticalidad establecidas entre la cultura hegemónica en este y la caribeña subalterna. De esta manera, los contextos exílicos y diaspóricos que han conformado territorializaciones en un gran número de ciudades estadounidenses, junto con la lucha por los derechos civiles y políticos del grupo migrante y la difusión sincrónica de esta al tejido lector y académico, han originado un proceso de naturaleza sociológica cuya literatura se ha convertido en un producto textual típicamente hispano-caribeño y distintivo en el conjunto de las literaturas hispanoamericanas escritas en Estados Unidos. La Tesis se propone así analizar las aristas de la aparición de dicho fenómeno en su complejidad a la par que, a posteriori, estudia tres autores hispano-caribeños migrados como muestra de los desplazamientos: Pedro Juan Soto, Reinaldo Arenas y Julia Álvarez.

Jean Etxepareren (1877-1935) bigarren liburua (Beribilez) aztertzen da tesian. Ikerketaren jomuga dira autorearen helduaroko ideologia eta haren Euskal Herriaren iruditeria, bidaia-kontakizun honetan, hegoaldeko Euskal Herrian zehar autoz egina. Metodologia semiotikoa (Philippe Hamon) eta imagologikoa (Daniel-Henri Pageaux) erabili dira. Gure hipotesia nagusia da azken urteetan gaizo zegoen mediku honek hilburuko intelektuala utzi ziela gogaide euskaltzaleei bidaia-kontakizun ¿barne-handi¿ honetan. Jaso dugu kritikak zer esan duen orain arte, eta hura osotzera gatoz. Jean Etxepareren formazio intelektuala aztertu dugu, eta ikusi dugu Ipar Euskal Herrian garai hartan nagusia zen ildo tradizionalarekin talka egiten zuela. Estaduaren eta Elizaren arteko tirabiren garaian Etxeparek bide librepentsalaria hautatu zuen, filosofia alemanera emana baitzen. Pentsamendu estetikoaren esparruan, euskal paisaiaren beraren ikuspegia ekonomizista samarra da, nekazal lurren estimua mistizismo poetiko batekin uztartzen duela. Loiolako Santutegian ikusten duen erlijiotasun barroko luxu zalea kritikatzen du; ikusten da heziketa eta bereizmen artistikoa duen intelektual burges txiki baten aurrean gaudela.. Bestalde, jakitate burges txiki horren osagarri, mediku hau trebea da hainbat plazer txiki gozatzen: mahaikoa, ardoak, dantzak, eta erotismoa. Ohiko aszetismo konfesionaletik aldentzen da neurritasunarekin, gorputzari ezohiko lekua emanez testuan. Etikaren alorrean, Donostiako hiri-hazkundea kritikatzen du: goi burgesiaren materialismo eta endekapenaren kontra espiritualtasun laikoa aldarrikatzen du. Bigarren Mundu Gerra izango zela profetizatzen du, gizakiak elkarrenganako begirunerik gabe ikusten baitzituen. Positibista zen heinean, edozein sineste irrazional ere kritikatzen du. Azkenik, adierazten du helduaroan filosofia greko neurritsura lerratu dela, gaztaroko oldarra sosegatu zaiola. Euskal Herriari buruz, mugako bi aldeen arteko elkartasuna bultzatu nahi du historiako pasarteak modu diplomatikoan berrinterpretatuta. Hegoaldearekiko jarrera filia eitekoa da. Ondorio gisa, esan dezakegu idazleak liburu mamitsua paratu zuela, bere pentsamoldea tentu handiz modalizatuta, ez baitzuen nahi bigarren liburua ere arbuiatua izatea lehena bezala (Buruxkak, 1910).

1936ko Gerrak euskal gizartean utzitako arrastoa handia izan da. Literaturak ere hartu dull hizpide gertakari historiko hura, eta euskal eleberrigintzak beraren inguruan ibilbide propioall e¿n duela ere esan liteke. Horregatik, gure ikerlanak lau helburu izan ditu: eleberriek gerrarekiko agertutako interesa hura gogoratzeko sorturiko ekimen politiko-sozialekin bat garatu den ikustea, gerraren irudikapenak zein ikuspegitatik eraiki diren aztertzea, euskal eleberrigintzari ekarpenik e¿n dion egiaztatzea eta eleberrietako gerraren funtzio narratiboa zehaztea. 1936ko Gerrari buruzko euskal nobelagintzak azpigenero gisa izan duen bilakaera aztertzeko, marko teorikoan Memoria Ikerketen zenbait kontzepturen inguruko eztabaidakll ekarri ditugu, eta horietako batzuk gure testuingurura egokitu ditugu. Horrez gain, gizarteanll 36ko Gerraren oroitzapen prozesu publikoak zeren arabera eta noiz ¿ortu diren azaldu dugu, euskal eleberrien ibilbideak harekin bat e¿n duen konparatzeko. Nobelen azterketarako, Memoria Ikerketen ekarpenaz gain, narratologia kulturala ere baliatu dugu, eta euskal eleberriaren historiari jarraikiz, 36ko Gerraz diharduten obrak kronologikoki aztertu ditugu. Emaitzek erakusten dute euskal eleberriak dinamika sozio-politikoei zertxobait aurreratu zitzaizkiela, eta ¿ortu dituzten diskurtsoak, oro har, euskal nazionalismoaren ildokoak izan direla, nahiz eta 90eko hamarkadatik aurrerako nobelak joera horrekiko kritiko azaltzenll diren; bestalde, ikus daiteke e¿n diotela ekarpenik euskal eleberrigintzari, nahiz eta orokorrean haren ibilbideko korronte literarioei jarraitzen dieten nobelak diren. Azkenik, jabetu gara ezen, 36ko Gerraren kontaketaren funtzioa irizpidetzat hartuz, sailkapen tipologiko berri bat egin daitekeela, eta gerraz diharduten nobelak hiru multzo handitan bereizi daitezkeela: funtzio deskriptiboa duten nobelak, funtzio aldarrikatzailekoak eta funtzio literarioa dutenak. Izendapen hutsa izatetik haratago, bakoitzak ezaugarri jakinll batzuk ditu, eta corpuseko nobelak ez ezik, beste batzuk ere sailkapen horretan kokatzeko aukera izan du.

La presente tesis es un análisis de una serie de conocidos libros o series de libros de vampiros de escritoras de Estados Unidos de temática romántica (Entrevista con el vampiro, Lost Souls, Southern Vampire Mysteries y Chicagoland Vampires) escritos desde los años 70 hasta el presente. La tesis está enfocada desde la perspectiva de estudios culturales y la de estudios de género y, para llevar a cabo el análisis me he centrado en los personajes femeninos que aparecen en estos libros, sus acciones y las relaciones que establecen entre ellas o con personajes masculinos. Por un lado, he resumido las conclusiones a las que expertos y académicos han llegado en anteriores estudios y las he corroborado o rebatido con mis propias conclusiones, espaldadas con ejemplos sacados de las novelas a análisis. Por el otro lado, basándome en datos históricos sobre los problemas a los que las mujeres en Estados Unidos se enfrentaban en cada década y las luchas feministas del periodo, trato de esclarecer si son un fiel reflejo de la sociedad y maneras de pensar del momento (o de una parte de las mismas) o no. Las conclusiones finales son una comparación entre los personajes femeninos de todas las novelas, de manera cronológica, de modo que queden en relieve las áreas en las que han evolucionado, en las que no se han producido avances y las que han sufrido una involución.

La presente tesis procede al estudio pormenorizado del desarrollo de la política, la gestión y el consumo cultural de las Artes Escénicas a través del estudio de caso del Arriola Antzokia de Elorrio, teatro municipal de categoría B según la clasificación de Sarea, la Red Vasca de Teatros, durante sus 27 años de trayectoria. El Arriola Antzokia se erige como un modelo de estudio interesante tanto por su recorrido, paralelo al de la propia gestión autonómica, como por su gestión, fuertemente basada en la participación ciudadana, el volumen y la calidad de su programación y la política cultural de la asociación que lo gestiona. Se presenta el estudio comparativo con otro centro de la región, igualmente significativo, el Centro Cultural San Agustín de Durango. Se analiza igualmente la relación existente entre el desempeño cultural del Arriola Antzokia con los preceptos de organismos nacionales y supranacionales en lo concerniente al desarrollo sostenible en el ámbito cultural. Se plantea el estudio del contexto en el que se han desarrollado las diferentes políticas culturales a nivel de la Comunidad Autónoma de Euskadi, se exponen definiciones pertinentes, se procede al estudio de indicadores culturales, así como se exponen y aplican métodos de análisis de los que destacamos el análisis FODA y el método CCIP de Stufflebeam a través del estudio de caso de Stake; y se concluye mostrando la pertinencia de la política y gestión cultural participativa del Arriola Antzokia como modelo representativo de sostenibilidad cultural extrapolable, bajo ciertas condiciones, a otros establecimientos, al tiempo que se propone un método para el estudio, seguimiento y mejora de las políticas culturales acorde a la dimensión de los Teatros Municipales de la Comunidad Autónoma Vasca.

De acuerdo con las conclusiones a las cuales llega esta tesis doctoral, la literatura infantil y juvenil tiene el poder de reivindicar los derechos de los colectivos más vulnerables. En el caso de las obras aquí analizadas, dicha reivindicación se centra en los derechos de las niñas y adolescentes. De hecho, este trabajo de investigación parte de la idea de que, a pesar de provenir de épocas y países distintos, todas las autoras de las obras de literatura infantil y juvenil escogidas ¿esto es, Frances Hodgson Burnett, Elena Fortún, Christine Nöstlinger, Mirjam Pressler, Ana María Matute, Mariasun Landa, Asun Balzola y Jacqueline Wilson¿, recrean a través de sus protagonistas infantiles la discriminación que padecieron durante su infancia y su adolescencia por ser mujeres y menores de edad y ponen en valor los recursos que emplearon para combatirla. La LIJ es el medio ideal para conectar con un joven público lector que también padece tal trato y para mostrarle que sus derechos merecen ser respetados y reivindicados. Los capítulos correspondientes a cada autora se centran en la discriminación de la infancia por parte del mundo adulto y en la subordinación de las mujeres, enfocando la fantasía, la literatura, la empatía y la amistad como recursos con los que hacer frente a dicha discriminación.

Hablar de cine vasco trae consigo inevitablemente la pregunta de si es algo diferente al cine español. De hecho, muchos, fuera de España o mejor dicho del País Vasco, ignoran la existencia de un cine vasco que pueda tener características independientes del cine del resto de España o lo consideran un fenómeno de nicho investigado por unos pocos y sin especial interés. En realidad, sin embargo, si en Italia la difusión y conocimiento del cine vasco por parte del público está ligada a unos pocos directores como Alex de la Iglesia o Julio Medem y la visión de sus películas no conduce a una conciencia de un cine vasco que puedan tener características estéticas diferentes a las del cine español, en España está muy extendida la percepción de una autonomía estética vasca respecto a lo que se produce en el resto de la península. La autodeterminación del pueblo vasco y el proyecto político independentista encuentran un apoyo significativo en un proyecto cultural generalizado que tiene en cuenta el cine como medio de comunicación inmediato, incluso antes del reconocimiento o mejor, como se verá más adelante, de la 'construcción' de una literatura. Independientemente de si la definición de cine vasco se refiere a algo producido en territorio vasco o algo en lengua vasca, la 'vasquidad' es reconocible como un elemento fundamental de carácter cultural. El objetivo de esta tesis es rastrear la formación de una conciencia cultural cinematográfica vasca y su evolución, o resultado, especialmente en los últimos diez años y, considerando un punto de vista 'externo', no vasco, de reconocibilidad de la misma.

Como resultado del Spatial Turn que comienza a cobrar fuerza hacia finales del siglo XX, el espacio físico ha ganado una mayor relevancia en tanto que ya no se concibe como el escenario pasivo sobre el que se articula la acción temporal, si no como una parte activa que constituye al mismo tiempo una condición y un resultado de la vida social e institucional. En este contexto, el análisis de la construcción y articulación del espacio en la literatura puede proporcionar una perspectiva clave con la que acercarse a los textos literarios y a las problemáticas sociales. El objetivo de esta investigación será el de elaborar un estudio a través de una metodología que comprenda las articulaciones espaciales como parte integral de los procesos hegemónicos en una selección de contextos del mundo secundario más elaborado de la obra literaria de George R. R. Martin; en el que se desarrolla la saga A Song of Ice and Fire (1996-). La investigación se apoyará sobre todo en el concepto Gramsciano de hegemonía así como en algunas de las revisiones del mismo, y en las obras de figuras clave en el ámbito de los estudios espaciales tales como Bertrand Westphal o Henri Lefebvre¿entre otras¿que exploran las relaciones de poder y sus reproducciones en el espacio.

En este doctorado internacional se elabora una tesis que traduce cuatro comedias de Marivaux al español y elaborar una edición crítica, que sale a la luz gracias a ADE Teatro; presenta además un análisis pormenorizado de los entresijos lingüísticos y de las dificultades de traducción al español de estas cuatro obras del siglo XVIII. Todo ello contextualizado en una visión de Marivaux como analista de cuestiones de género en su tiempo. Se trata pues de realizar un trabajo completo de carácter comparatista y traductológico en torno a cuatro comedias de Marivaux. Por ello, esta tesis se centra de igual modo en el análisis social que hace Marivaux de las gentes de su época, así como en las actitudes que estos llevan a cabo en función de sus intenciones y clases sociales (lo que se conoce como travestismo social); en este sentido se pretende demostrar la perennidad de la pertinencia de la obra del dramaturgo. Asimismo, y como consecuencia de todo lo anterior, esta tesis trata la figura de la mujer en la obra marivaldiana y descifra qué competencias o capacidades le asignaba el autor en la obra y cómo se desenvolvía para expresar, o no, una concepción feminista para la época. Todo ello dentro de una perspectiva metodológica de Gender Studies. En último lugar, esta tesis da a conocer la obra de Marivaux en el mundo hispano y profundiza en el tratamiento de una filosofía social que todavía está de actualidad y que, por falta de estudios en nuestra lengua, no recibe la atención que debería acordársele. Plan de la Tesis: 1. Introducción/Introduction 1. Las traducciones al castellano de la obra marivaldiana/Les traductions en castillan de l¿oeuvre marivaudienne 2. Justificación del corpus/Justification du corpus 3. Metodología/Méthodologie 2. Traducción de las cuatro comedias: Felicia, La esposa fiel, La alcahueta y La confusión/Traduction des quatre comédies: Félicie, La femme fidèle, La commère et La méprise 1. Félicie Felicia 2. La femme fidèle 3. La esposa fiel 4. La commère 5. La alcahueta 6. La méprise 7. La confusión 3. Estudio de los recursos traductológicos, comedia por comedia, y reagrupación en cuadros/Étude des recours traductologiques, comédie par comédie, et regroupement en tableaux 1. Procedimientos traductológicos en todas las obras y cuadros comparativos de análisis traductológico/Procédés traductologiques dans toutes les ¿uvres analysées et tableaux comparatifs des analyses traductologiques 4. Análisis genérico-literario de cuatro comedias de Marivaux/Analyse générico- littéraire de quatre comédies de Marivaux 1. Marivaux un filósofo social y feminista/Marivaux un philosophe social et féministe 2. La mujer en las comedias de Marivaux La femme dans lez comédies de Marivaux 5. Análisis del universo marivaldiano: del travestismo social al travestismo sexual/Analyse de l¿univers marivaudien : du travestisme social au travestisme sexuel 1. La crítica social de Marivaux/La critique sociale de Marivaux 2. El travestismo/Le travestissement 3. El travestismo social/Le travestissement social 4. Travestismo lingüístico/Travestissement langagier 5. El travestismo sexual o la confusión de géneros/Le travestisme sexuel ou la confusion de genres 6. La traducción como travestismo y la universalidad del teatro de Marivaux/La traduction comme travestissement et l¿universalité du théâtre de Marivaux 6. Conclusiones/Conclusions 7. Bibliografía Bibliographie 1. Fuentes primarias/Sources primaires 2. Fuentes secundarias/Sources secondaires 8. Anexos/Annexes 1. Anexo 1/Annexe 1 2. Anexo 2/Annexe 2 3. Anexo 3/Annexe 3

A lo largo de su existencia, la literatura de género fantástico ha buscado encontrar explicaciones y proponer alternativas al modo en el que la sociedad humana ha vivido en distintas épocas. En el caso de los tres autores que se analizan en el presente estudio se puede ver que una fuerte crítica hacia el progreso y sus consecuencias negativas, estimulada por los contextos sociales e históricos de los autores, forma un pilar central en sus obras. Así, este estudio buscará trazar la evolución de dicha crítica en este género literario a lo largo de tres siglos diferentes y en dos naciones distintas como son el Reino Unido y los Estados Unidos de América. Para ello, se considerarán The House of the Wolfings de Morris, The Silmarillion y The Lord of the Rings de Tolkien y el ciclo Earthsea de Le Guin. En el caso de Morris y Tolkien el análisis de su contexto nos servirá para determinar la razón de ser de esa intranquilidad producida por la manera en la que el progreso estaba destruyendo el mundo como lo conocían. En cuanto a Le Guin, metodologías como la ecocrítica, con autores como Jonathan Bate, Michel Sérres o David Abrams, y los estudios poscoloniales, siguiendo las ideas de, entre otros, Homi Bhaba, Franz Fanon o Edward Said, nos permitirán ver cómo su crítica del progreso, muy condicionada por su experiencia en California, se articula en torno a la relación humanidad-naturaleza y los problemas identitarios que un individuo puede sufrir por causa del progreso.

La presente tesis doctoral tiene el objetivo de trazar la evolución de la perspectiva ecológica de J. R. R. Tolkien por medio del análisis de los árboles y bosques desde El hobbit a El señor de los anillos. Tras revisar los episodios biográficos e influencias que pudieron afectar a la representación de los árboles y espacios boscosos en El hobbit y El señor de los anillos, se define el marco teórico de la ecocrítica, que se emplea para llevar a cabo el análisis. Después se dividen los espacios boscosos en tres grupos de acuerdo con su tamaño (A [grandes], B [medianos] y C [pequeños]) y se separa a los árboles individuales por otro lado (D) para otorgar así a cada unidad un código alfanumérico con el fin de etiquetar a aquellos sin nombre, facilitando su estudio de esa manera. Los apéndices (A, B, C y D) contienen información adicional de cada uno de estos espacios boscosos o árboles individuales y son complementados por un mapa de su distribución en el apéndice E. Una vez finalizadas las explicaciones pertinentes sobre el contexto, la metodología y especificaciones técnicas e información suplementaria, el estudio comienza con los árboles y bosques en El hobbit, estudiando su valor narrativo, simbolismo e importancia para la economía de la Tierra Media. Esto nos permite comparar y contrastarlos más tarde con los de El señor de los anillos analizando también el valor narrativo, simbolismo e importancia para la economía. Esta exploración revela que el desarrollo de la visión medioambiental de Tolkien se manifiesta de manera más clara en la transición desde El hobbit a El señor de los anillos y que el cambio queda mejor reflejado en los árboles que en ningún otro elemento en las dos obras.

La tesis doctoral Memoria y escritura en Jorge Semprún pretende poner el foco en la obra concentracionaria de dicho autor desde tres parámetros diferentes: la autobiografía y la autoficción desde las teorías de Gusdorf, la resiliencia tomando en consideración la obra de Cyrulnik y la narratividad partiendo de las premisas de Ricoeur. Los tres autores críticos así como las seis obras de Semprún objeto de este estudio clarifican lo que de específico tiene la narrativa postraumática consecuencia de la Segunda Guerra Mundial. Por ser un escritor en lengua francesa, Jorge Semprún es objeto de estudio de las letras francesas.

Esta tesis analiza la representación de la Guerra Civil española desde el punto de vista de la memoria cultural en un corpus de novelas publicadas en España entre 2001 y 2010. El objetivo primordial de la investigación consiste en estudiar las propuestas memorialísticas que cada una de ellas presenta con el fin de intentar comprender las razones por las que este tema se mantiene vigente. Los cinco novelistas a los que pertenecen las novelas analizadas son Javier Cercas, Dulce Chacón, Alberto Méndez, Isaac Rosa y Almudena Grandes. Desde la perspectiva de los Estudios Culturales de la Memoria, pero incluyendo aportaciones de distintas disciplinas, se estudia la concepción acerca de la Guerra Civil que presentan estas novelas y su aportación a la cultura de la memoria española. Para ello, el análisis de cada una de ellas está centrado en un tema o cuestión relevante, entre los que destacan el heroísmo, la represión sexuada, el empleo de la parodia y la importancia de la recepción, la capacidad memorialística de la literatura o la reivindicación del ámbito íntimo como espacio de resistencia frente a la violencia. Todos ellos determinan tanto la contribución que los y las autoras realizan a la tendencia narrativa de la memoria como a la cultura del recuerdo de la primera década del siglo XXI.

Esta tesis tiene como objetivo el análisis de la poesía escrita por el poeta Gabriel Celaya entre los años 1936 y 1947. Actualmente existen muy pocos estudios centrados en esta primera etapa del escritor, que tiene no obstante gran trascendencia en su obra posterior. Durante este período Gabriel Celaya escribe un total de ocho libros de poemas: Movimientos elementales [1947], Objetos poéticos [1948], El principio sin fin [1949], Protopoesía [en el seno de Deriva, 1950], Avisos de Juan de Leceta [en Deriva, 1950], Las cosas como son [1949] y Se parece al amor [1949]. Tras el estudio de estas raíces poéticas, la tesis se centra en el análisis de las obras arriba citadas, separándolas en otros dos períodos, cuyo momento axial será el año 1944. La estructura de la tesis cobra así una forma tripartita, cada una de las partes regulada por una fecha de indudable importancia: 1936 y el estallido de la guerra española, evento que, como al resto de la nación, afectará a Celaya de manera profunda; 1944 y el cambio de actitud de nuestro poeta hacia un compromiso de corte existencial, que se reflejará o es reflejo de una actitud general en el ámbito poético del momento ¿Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre¿; y 1947, año que constituye la simbólica reencarnación de Gabriel Celaya, que se abre al mundo literario y público de forma íntegra: funda una editorial, Norte, comienza a colaborar en diversos periódicos y revistas literarias, establece contacto con otros artistas, inicia su relación con su inseparable Amparo Gastón y, ante todo, empieza una serie de publicaciones que ininterrumpidamente seguirá hasta su muerte en 1991.

Se inicia la formulación del marco teórico revisando y repensando el concepto de sistema literario de Even-Zohar, así como de la Teoría de los Polisistemas del mismo profesor, para aplicarlo a la literatura vasca contemporánea. Completándola, para esta labor, con otras corrientes sociológicas de la literatura. Por ello, se identifican cambios en la diferenciación de los factores que conforman el sistema, así como en las vías de canonización de los autores contemporáneos y en la circulación de los textos literarios actuales. Se sugiere que se ha dado un aumento del peso de algunos factores del sistema dentro del sistema literario vasco en el inicio de este nuevo siglo: se mantiene la concepción de la canonización literaria por medio de la institución, si tenemos en cuenta esta como crítica, medios de comunicación cultural o editoriales, a modo de gatekeepers que controlan el acceso a la distinción dentro del sistema, al igual que la importancia del mercado de los consumidores aumenta, en tanto en cuanto, estos interactúan en varios sistemas e introducen cambios socio-semióticos en los repertorios literarios. En el tercer apartado de la tesis, se realiza un análisis de caso de un escritor vasco, Harkaitz Cano, por su interés como caso especial en su dilatada carrera literaria (aportamos justificación mediante datos comprobables de ello), al igual que por su interpretación de la actividad literaria: se muestra consciente de formar parte de un sistema literario y también de la necesidad de realizar un proyecto autorial. Finalmente, se abren vías de análisis para seguir estudiando la evolución literaria contemporánea, pues, la desvalorización de la literatura en el ámbito social posibilita un estudio cultural que ponga el foco en la literatura postautónoma y en la mercantilización de esta.

En esta tesis doctoral se lleva a cabo el estudio y la edición crítica de dos comedias de Jacinto Cordeiro, dramaturgo portugués del siglo XVII que escribió teatro en castellano siguiendo la fórmula de la comedia nueva española. Las dos comedias que se editan son Con partes nunca hay ventura y El malinclinado, publicadas en la Segunda parte de comedias del alférez Jacinto Cordero, en Lisboa, en 1634. El trabajo se estructura en varios bloques. Tras la presentación del tema y el estado de la cuestión, el primer bloque, denominado Estudio introductorio, se dedica al estudio del autor y la datación de las obras editadas, a la exposición de las circunstancias en las que las compuso ¿se dibuja para ello el panorama teatral de Lisboa en las primeras décadas del siglo XVII¿, y al análisis de su género, temas y relación con otras comedias de Cordeiro. En un segundo bloque se presenta el Estudio textual, en el que se traza la historia editorial del tomo de la Segunda parte y se estudian los problemas textuales de ambas comedias. En este bloque también se integran otros apartados propios de la edición crítica de comedias áureas (en ellos se exponen los lusismos presentes en estas dos obras de Cordeiro, los resúmenes de las comedias y la sinopsis de las versificaciones) y se incluyen los textos críticos. El tercer y el cuarto bloque están constituidos, respectivamente, por el aparato crítico y el aparato de notas filológicas. El quinto bloque reúne las variantes lingüísticas, las notas onomásticas y los apéndices de erratas. El sexto bloque es la traducción al inglés de parte del Estudio introductorio y, finalmente, en el séptimo bloque se recoge la bibliografía citada.

En la presente tesis doctoral planteo que la poesía de Angelina Gatell (Barcelona 1926- Madrid 2017) se divide en dos etapas: la primera de poesía social y la segunda de poesía de la memoria histórica o personal. Abro el estudio presentando dos capítulos biográficos donde se muestran también de las labores de Angelina Gatell como actriz, narradora, traductora y dobladora para TVE, someramente; así como de sus colaboraciones poéticas en diferentes revistas, tanto artísticas como críticas, de manera más detalla. Más adelante, en el capítulo tercero, paso a presentar la poesía de la primera etapa, así como una poética general de Angelina Gatell inscrita bajo un panorama general de cómo se desarrolló la poesía social del medio siglo a través de sus manifestaciones clave. En lo tocante a su poética, sostengo que existe una evolución desde el tremendismo existencial del primer libro publicado en 1955, Poema del soldado, hasta la recuperación de cierto grado de existencialismo mezclado con un hastío existencial innegable en el libro publicado en 1969, Las claudicaciones. El poemario intermedio, publicado en 1963 y titulado Esa oscura palabra supondría entonces el culmen de una poesía crítico-protestataria que permite enclavar toda la poesía de esta primera etapa de la autora bajo el marbete de poesía social. También propongo en último término que ese libro de 1969 es la bisagra entre ambas etapas puesto que el silencio editorial de 32 años es puramente ficticio en lo tocante al ejercicio de escritura de la poeta, que nunca se detuvo tal y como se puede ver a través de las recopilaciones de poemas de sus libros antológicos de su segunda etapa. En ese tercer capítulo también trato de delimitar su comienzo poético alrededor del final de la década de los 40 y enclavar esa prehistoria poética dentro del marbete de amoroso-sentimental, a través de poemas publicados en revistas e inéditos en libro. Finalmente, describo cómo hay una parte de su poesía centrada en la feminidad que discurre en paralelo con el resto, pero en raras ocasiones se deja ver de forma explícita ya que, por lo pronto, no existe ningún poemario publicado al respecto y sólo hay muestras de un título inédito, Mujer en la esquina, en la antología que en 1954 preparó Carmen Conde entorno a nombres de mujeres poetas: Poesía femenina española viviente. En este terreno el trabajo de María Payeras Grau, Espejos de palabra. La voz secreta de la mujer en la poesía española de posguerra (1939-1959), de 2009, ha sido uno de los principales fundamentos teóricos. Respecto a la segunda etapa poética de Angelina Gatell, en el capítulo cuarto presento los cinco libros publicados en la editorial Bartleby, además de uno bilingüe, de edición póstuma, que se editó en Visor: La voz perdida (2017). Con el análisis de esos libros, dos de ellos antológicos, pretendo mostrar cómo efectivamente esa segunda etapa está estrechamente ligada al inicio con el libro de 1969, Las claudicaciones, y discurre después en sintonía con ese paraguas abarcador que es el de la memoria histórica como concepto amplio. Incluyo finalmente un quinto capítulo específicamente dedicado al canon y su construcción en relación con las poetas sociales del medio siglo. Partiendo de su exclusión en las antologías de promoción del periodo, trato de averiguar el porqué, valiéndome fundamentalmente para ello del texto crítico que Carmen Conde incluyó como prólogo a su antología de 1971: Poesía femenina española (1950-1960). Este capítulo quinto está en diálogo con el apartado generalista que se ocupaba de la poesía comprometida del medio siglo en el capítulo tres, ya que las antologías que se evalúan son esencialmente los mismos textos que se empleaban entonces para recoger los juicios críticos respecto de la poesía comúnmente denominada social. Termino evaluando las posibilidades de la construcción de un canon equilibrado, a través de la revisión de textos antológicos y críticos contemporáneos que han discurrido en ese sentido. Los dos fundamentales son Ilimitada Voz. Antología de poetas españolas 1940-2002 (2003) de José María Balcells y Poesía soy yo. Poetas en español del siglo XX (1886-1960) (2016) de Raquel Lanseros y Ana Merino.

Partiendo de un enfoque ecocrítico, es decir, estudiando las relaciones entre los seres humanos y la naturaleza, el objetivo de la tesis es el análisis de cuatro obras literarias dedicadas en gran medida al ecologismo radical. Debido a que este movimiento en defensa del medio ambiente es relativamente nuevo y a que su presencia en el ámbito literario es muy pequeña, la tesis comienza con una contextualización histórica y geográfica que explica el proceso de explotación medioambiental en Estados Unidos y la respuesta por parte de los ecologistas para proteger la naturaleza. Una vez hecha la contextualización apropiada comienza el análisis de las siguientes cuatro obras: The Monkey Wrench Gang, Hayduke Lives! (ambas escritas por Edward Abbey), Jokerman 8 (escrita por Richard Melo) y The Secret World of Terijian (de autor/a anónimo/a). Los objetivos durante el análisis son tres, aunque el tercero es el más importante y los dos primeros, a pesar de ser valiosos de por sí, sirven para facilitar la comprensión y el cumplimiento del tercer objetivo. Inicialmente, se han analizado las descripciones de la naturaleza y las relaciones que se desarrollan entre los humano y ésta, incluyendo aspectos como la libertad o la espiritualidad. En segundo lugar, se ha prestado atención a la representación de la explotación medioambiental y a la destrucción de la naturaleza por parte de fuerzas industriales y capitalistas, como otra forma de interactuar con el entorno. Debido a que en la actualidad la situación medioambiental es crítica, el ecologismo radical representado en las obras se presenta como una respuesta a dicha destrucción y como una forma de desarrollar relaciones positivas con la naturaleza. Así, el tercer objetivo de la tesis ha sido analizar todo lo concerniente al ecologismo radical en las cuatro obras, incluyendo los métodos de acción, el pensamiento o su impacto positivo en el medio ambiente. Mediante el cumplimiento de estos objetivos se ha pretendido llegar a una comprensión de la situación medioambiental real y del movimiento social que lucha por su protección. Aunque las obras analizadas sean ficción, su relación con la realidad es muy estrecha y, por lo tanto, el análisis no se ha realizado en términos puramente literarios, sino que ha resultado útil para comprender una situación real en una época en la que la naturaleza y la unión entre los humanos y ésta están seriamente amenazadas.

Tras exponer como un método de investigación tradicional se queda en la superficialidad a la hora de lidiar con la esencia del teatro, esta tesis ofrece una novedosa investigación teórico-práctica basada en la metodología de los estudios performativos. Aunque ha habido estudios previos tanto de El Rey Lear como del arte de la dirección escénica estos se han planteado bien desde el plano académico o bien desde una perspectiva práctica. Los estudios performativos me permiten ahondar en las entrañas de lo que supone al director de teatro contemporáneo llevar El Rey Lear a escena aunando el rigor de lo académico con la vitalidad del trabajo práctico en escena. En la tesis se analiza el trabajo de diversos directores que, o bien fracasaron, o bien lograron que sus producciones de El Rey Lear funcionaran en un contexto contemporáneo. Asimismo, ofrece un exhaustivo trabajo de investigación práctica desde la perspectiva de dirección, reflexionando sobre los hallazgos como directora trabajando en el texto con una compañía de actores británicos. Todo ello conduce a compartir cuales son los mayores retos que surgen al traer esta tragedia de Shakespeare a la sociedad contemporánea y qué recursos escénicos se encuentran para afrontar dichos retos.

Tesi honek euskal eleberrigintzaren irakurketa feminista bat proposatzen du, flâneusearen figura garaikidea ardatz izanik. Horretarako, espazioaren ikuspegitik aztertzen du euskal nobelagintza eta, zehazki, euskal eleberrigintza garaikidean hiria nola irudikatu den ikertzen da, iruditeria urbano hegemonikotik aldentzen diren zenbait eleberri ikuspegi feministatik irakurrita. Bost nobelak osatzen dute corpusa: Egunero hasten delako (1969), Zergatik panpox (1979), Ugerra eta kedarra (2003), Jenisjoplin (2017) eta Neguko argiak (2018). Marko teorikoa osatzeko, narratologiatik proposatu diren espazioaren lanketak (Álvarez, 2003), Spatial Turn-aren inguruan garatutako begirada espazial kritikoak (Westphal, 2011; Tally, 2013) eta hiri modernoaren irudikapenari buruzko lanak (Matas, 2010; Pike, 1981; Lehan, 1998) baliatu dira. Hala ere, diziplinartekotasunean oinarritutako ikerketa honek teoria feministan izan du oinarririk sendoena, eta haren bidez landu dira hautaturiko eleberriak interpretatzeko ideia gakoak: batetik, espazio publiko eta pribatuaren arteko bereizketaren diskurtsoari feminismotik egindako kritikak (Pateman, 1996; Murillo, 1996; Federici, 2010) eta bestetik hiriari buruzko irakurketa feministak (Dura¿n, 1998; Muxi¿, 2018; Col·lectiu Punt 6, 2019) zein flâneusearen ezaugarritzeak (Wolff, 1985; Wilson, 1992; Iglesia, 2019; Kern, 2021).

Esta tesis doctoral analiza las representaciones de la migración y la salud mental en las siguientes obras literarias: The Distance Between Us (2012) de Reyna Grande, In the Country We Love (2016) de Diane Guerrero y My Underground American Dream (2016) y The Undocumented Americans (2020), escritas por Julissa Arce y Karla Cornejo Villavicencio respectivamente. Concretamente, se estudia el impacto de la migración como experiencia y en el contexto específico de las mujeres latinas pertenecientes a familias de estatus legal mixto residentes en EEUU. Este proyecto investiga diversos tipos de sufrimiento psicológico y emocional a nivel colectivo e individual y la relación entre dicho malestar y varios parámetros sociales y factores estructurales. Además, se analiza el impacto de la migración en la identidad, así como en las actitudes de las personas migrantes hacia sus países de origen y residencia. También se observa el impacto del contexto legal y sociopolítico estadounidense en la población latina y su visión del sueño americano. Por último, este trabajo evalúa la importancia de los textos seleccionadas debido a su componente autobiográfico y su temática, puesto que numerosas historias sobre salud mental, migración y la comunidad latina a menudo han sido ignoradas y narradas en tercera persona.

La investigación aborda la integración del enfoque de género y la inclusión en el ámbito de la enseñanza universitaria del italiano como lengua extranjera, teniendo en cuenta el contexto europeo y el estudiantado de anglófono, hispanófono, germanófono y francófono. A través de un análisis exhaustivo de las políticas lingüísticas inclusivas y las iniciativas en cada uno de estos idiomas, se examinan las dificultades inherentes a la implementación de prácticas pedagógicas orientadas a fomentar la igualdad de género y la inclusión en el proceso de enseñanza y aprendizaje.

El objetivo de este proyecto de tesis es comparar la representación de la mujer en dos tradiciones poéticas inglesas y épocas históricas diferentes. Por un lado, se analizará la representación de la mujer en la poesía Romántica inglesa y, por otro lado, este mismo tema en la poesía inglesa contemporánea producida por autores negros. Durante siglos, la mujer ha despertado un profundo interés como objeto de la poesía. Esta representación tiende a tomar dos formas: ángel o monstruo. En cualquiera de los dos casos, estos personajes suelen estar definidos por su belleza, que tiene diferentes funciones en cada obra. Esta tesis analiza poemas de ambas épocas desde una perspectiva de estudios de género y estudios culturales y observa la evolución en la representación de estos personajes en los dos momentos históricos.

El objetivo de este trabajo de investigación es investigar la funcionalidad del tema literario de los sueños en Sueños y Discursos de Francisco de Quevedo, obra satírico-moral del Siglo de Oro que apareció impresa en 1627. Se pretende resaltar la influencia que el código del sueño tiene en el texto y en el mensaje que pretende transmitir. A los efectos de un estudio comparativo entre la literatura italiana y española, se decidió realizar el análisis mediante la comparación con el Estratto de Sogni por Innocenzio Maranaviti, una de las primeras traducciones italianas de los Sueños, que data de la segunda mitad del siglo XVII. La elección de establecer una comparación constante entre los dos textos ha sido determinada por los siguientes objetivos: en primer lugar, el objetivo de examinar y reflexionar sobre las relaciones entre el original y la reelaboración, en términos de afinidad y disonancia, convergencia y divergencia; en segundo lugar, el deseo de poner en primer plano en los estudios literarios una transposición al italiano, que representa un elemento esencial en la recepción europea de la obra de Quevedo; en tercer lugar, surgió la necesidad de resaltar e iluminar el valor y la dignidad literaria del Estratto de Sogni como una obra en sí misma, rica en elementos de resonancia y originalidad, así como de interesantes lugares de 'expansión' del texto español, ciertamente dignos de ser estudiados en su especificidad y llevados a la atención de la crítica literaria. A partir de estos objetivos, el trabajo de investigación realizado a lo largo de los tres años me permitió desarrollar el núcleo fundamental de la tesis, representado da un comentario sobre el expediente onírico como función narrativa en clave comparativa entre ambas obras, los Sueños y el Estratto, con una atención particular sobre algunos sueños (El Sueño del Juicio final, El Alguacil endemoniado, El Sueño del Infierno y las respectivas traducciones de Maranaviti Del Giuditio Finale, Dello Sbirro indemoniato y Dell¿Inferno). A través de este trabajo, he intentado demostrar la importancia que el tema de los sueños puede tener dentro de una obra y, al mismo tiempo, resaltar la existencia de una base de pensamiento común sobre el sueño mismo: él, de hecho, representa una experiencia humana universal a la que la literatura de todos los tiempos ha reconocido la dignidad de una forma expresiva, un lenguaje verbal/icónico, una estructura narrativa e imaginativa, que el hombre siempre usó para traducir las preocupaciones y pensamientos que lo atenazan sobre el pasado, el presente y el futuro. Estas concepciones adquirieron un valor aún más emblemático gracias a la comparación entre los lugares oníricos examinados en los dos textos: precisamente dialogando entre el original y la reescritura, fue posible observar las metamorfosis que sufre un tema literario como el sueño entre autores diferentes, con soluciones muchas veces distantes entre sí y precisamente por eso dignas de valor e interés; soluciones que demuestran el carácter dinámico de un tema en un sentido general y, por tanto, siempre capaces de abrir nuevas sugerencias para el uso de los sueños en particular, como recurso narrativo en la literatura.

Entre la luz de la razón y la tradición popular, el siglo XVIII se presenta como un período histórico sin precedentes. Los bulevares y las ferias se erigen como la piedra angular de la identidad urbana y literaria parisina, constituyendo lugares de encuentro social, intercambio cultural y comercial, así como de expresión artística. En este panorama de efervescencia artística de las ferias y bulevares parisinos, emerge una figura autorial de gran singularidad: Toussaint-Gaspard Taconet. Tras años de investigación en diversos archivos y fuentes primarias, uno de nuestros objetivos principales ha sido el de la elaboración de un catálogo razonado y exhaustivo de su obra para contribuir a su resignificación autorial. Este trabajo de catalogación propone una taxonomía genérica y un análisis profundo de las piezas, así como una exploración de la recepción de su obra, que, tras un primer atisbo de reconocimiento en las décadas que siguieron a su muerte, poco a poco fue relegada al ostracismo. Por último, la traducción y el estudio traductológico han sido herramientas esenciales para analizar la obra taconetiana desde un punto de vista lingüístico.

Este proyecto interdisciplinar estudia los personajes femeninos de cuatro novelas norteamericanas de los años veinte: My Ántonia (1918), The Great Gatsby (1925), Gentlemen Prefer Blondes (1925) y Twilight Sleep (1927). Uno de los principales objetivos es reevaluar la representación tradicional de la mujer estadounidense del período de entreguerras, así como reconocer y dar voz a las perspectivas femeninas presentes en la literatura de la época. El estudio cuestiona la suposición arraigada de que las mujeres del Este de Estados Unidos disfrutaban de mayor libertad en comparación con las mujeres del Oeste, percepción moldeada por las concepciones territoriales históricas y populares. Para abordar esta cuestión, se lleva a cabo un análisis comparativo entre los personajes femeninos presentes en las obras anteriores considerando aspectos cruciales como la expresión personal, el poder sexual, la domesticidad, la maternidad, el matrimonio y el divorcio, la religión y el espacio. Además, se busca comprender como el puritanismo y el patriarcado influenciaron la experiencia de las ¿mujeres libres¿ de los años veinte. Asimismo, se explora la imagen de la ¿jaula dorada¿ como un símbolo de las limitaciones impuestas por el control patriarcal, a pesar de la aparente libertad y comodidad de las mujeres, sobre todo en el Este.

El presente trabajo tiene como objeto las declinaciones narrativas de la animalidad en la producción de Anna Maria Ortese, Miguel Delibes y Dino Buzzati. El objetivo inicial de la investigación fue demostrar cómo, al irrumpir frecuentemente en el tejido diegético, el animal, en la práctica de resignificación literaria de los autores antes mencionados, a veces se vuelve indistinguible del hombre, una consumación humana, un endémico distinto de sí mismo, a veces una presencia inquietante, que intenta enviar al hombre una imagen distorsionada de sí mismo, obligándole a repensar su relación con el animal. En el abordaje del texto, frente a la amplia fenomenología de las presencias animales en los tres autores, se prefirió el criterio selectivo relativo a la función del animal, para lo cual el objeto de estudio del análisis temático fue mayoritariamente el animal salvador y/o o con función compensatoria-sustituta. Los resultados de la comparación temática entre las obras de los autores fueron esbozados en las conclusiones, cuyo objetivo fue resaltar las afinidades y divergencias estructurales y conceptuales en torno al macrotema de la animalidad. Ha surgido una importante comunidad de perspectivas ideológicas con respecto a la urgencia del discurso ecológico, entrelazada en varios hilos con la necesidad de proteger a los oprimidos y contener la agresión de la posmodernidad. Los nuestros ¿ cada uno de los cuales difiere en el enfoque de la arquitectura diegética, en la presentación del texto y sus tramas estilísticas, así como en la elección de códigos expresivos ¿ llegan a reconocer la paradoja epistemológica crucial de la contemporaneidad que conduce a un verdadero impasse: en la explotación de la naturaleza y del animal, aparentemente satisfactoria, el hombre descubre que le espera una pérdida kármica de su yo, mientras que, al esperar la revelación, en la paciente auscultación de la diversidad, en el aplazamiento del goce repentino, podría, con suerte, rastrear fragmentos de un yo originalmente indivisible, pero ahora casi irremediablemente dividida. El artista alfabetizado, el mundo infantil y el universo de los inferiores comparten la mirada alienante que suspende la adquisición de la realidad según los dictados de la mera racionalidad para acoger la gracia de la inutilidad y la magia de lo inalcanzable. El análisis temático y la comparación relativa esbozados hasta ahora parecieron útiles para esbozar, en las narrativas de los tres autores examinados, un hilo conductor común sobre el tema de la animalidad, dentro de las teorías ecocríticas modernas y con miras a la aplicación concreta del producto artístico-literario, de modo que, lejos de aparecer como un mero divertissement, el animal literario pueda ofrecerse, detrás del tranquilizador filtro distanciador de la página de papel, como un instrumento de iniciación a un descubrimiento vivificante, un verdadero remedio de un antropocentrismo particularmente egocéntrico, que ya en el siglo XX lanzó sus aterradoras advertencias.

Les Lumières françaises sont l'une des périodes historiques qui suscitent le plus d'intérêt chez différents spécialistes et chercheurs universitaires du monde entier, principalement en raison de leur pertinence dans la réécriture sociopolitique et morale de la modernité. Cependant, l'énorme quantité d'études, fermement délimitées dans des disciplines considérées comme étanches, manquent pour la plupart de la transversalité nécessaire pour permettre de nouvelles problématisations, dont le besoin est actuellement urgent. Une révision épistémologique de l'histoire sous une approche pluridisciplinaire et, surtout, sexualisée, est essentielle non seulement pour comprendre la véritable complexité des Lumières, car ces nouvelles conclusions sont indispensables aux études de genre actuelles. Pour sa part, ce domaine, initialement transversal, nécessite un nouveau regard critique qui rassemble les perspectives socio-historiques et philosophiques ainsi que la critique littéraire et artistique, et ce dans une dynamique comparative qui transcende les frontières disciplinaires, chronologiques mais aussi spatiales. Dans ce scénario, le libertinage et le roman érotique français fournissent un élément fondamental de l¿étude du genre : ils révèlent la crise de la subjectivité sexuelle, d'une part située au sein de la relation individu-État, d'autre part ancrée dans la relation entre les sexes. Dans les deux cas, le sexe nous rapproche de la pensée française des Lumières, du germe de l'individualité moderne, et peut être donc considéré comme un atout politique qui se prolonge activement jusqu'à nos jours. Le dénominateur commun de ces deux liens réside dans l'imaginaire érotique du XVIIIe siècle, un paradigme fictionnel qui capte la volonté sociale de liberté à travers des ressources littéraires, créant avec elles un idéal de tendance libertine, et « libertaire », contraire à une organisation socio-politique qui restreint et conditionne l'identité des individus. L'exercice littéraire, inspiré par la nouvelle philosophie, se concentrera sur la construction d'un discours performatif, basé sur le désir et le corps comme principes de subjectivité. Sur la base de ces critères, on présente un corpus suffisamment large pour tirer des conclusions représentant le lien entre la philosophie, la littérature et l'imaginaire performatif des Lumières, conçu dès La Mettrie, Rousseau ou Diderot, jusqu'à Marivaux, Crébillon, Boyer d'Argens, Laclos, Constant ou Cleland, laissant une place particulière réservée aux écrits féminins tels que Madeleine de Scudéry, Suzanne G. de Morency, Manon Roland ou Mary Wollstonecraft. L'analyse de cette résolution littéraire de l'angoisse libidinale révèle comme résultat une dynamique érotique masculine construite à son tour sur la configuration d'un idéal du féminin, créé selon les besoins d'une logique hétéropatriarcale. Le féminin devient l¿étendard de la libération sexuelle, mais le fait à travers un phénomène d'objectivation sexualisée, générant intrinsèquement une seconde performativité sur le corps et la sexualité des femmes qui, loin d'être libératrice, engendre une dynamique génératrice de soumission. Cependant, le processus performatif fictionnel favorisera, à son tour, le début d'un état de rematérialisation féminine, dans lequel les femmes transmettent leurs sentiments d'aliénation et tentent de s'engager sur un chemin de libération basé sur les normes assignées, c'est-à-dire sur la base de l'action corporelle et du désir masculin. Lors d¿un processus de revalorisation positive du corps et de la réécriture de l'éthique sexuelle comme nous le vivons à présent, il est urgent de comprendre et d'établir une généalogie du féminin qui considère les conséquences de l'objectivation et de l'effacement subis par les femmes au cours des Lumières, de leur asservissement indispensable à la libération de l'homme moderne ; ainsi que les premières dispositions féminines visant à dessiner une logique du consentement sexuel sous le seul recours de leur corps, toute reconnaissance juridique leur étant refusée. Une critique intégrale du genre savère indispensable pour prétendre résoudre les inégalités du rapport de force entre les deux sexes.

A través del estudio obra de Annie Ernaux, de los diferentes pasajes que se narran en ella, y desde una perspectiva de los gender y ageing studies, pretendemos llevar a cabo una reflexión que nos permita fijar y distinguir las diferentes edades de la vida de una mujer con la declinación de sus diversas tipologías. Pretendemos por tanto agrupar a las diferentes Annie Ernaux y a las mujeres que retrata: la niña de Y., la adolescente que aborta, la mujer que mantiene relaciones fuera de su matrimonio, la autora, la luchadora comprometida, la mujer enferma... De esta manera, la presente investigación se propone como objetivo plasmar los diferentes tipos de vivencias que acompañan a la escritora a lo largo de su vida, pasando por cada etapa o edad, analizando cómo esos momentos esbozan unos determinados perfiles de mujer, y conseguiremos de tal manera plantear lo que determina y alimenta dichas representaciones (¿es algo físico, ligado al cuerpo? ¿es marcadamente sexual, o parte de una base cultural?), e incluso sus vínculos con el discurso médico, literario y artístico del momento.