Tesis defendidas

El artista multidisciplinar Robert Lepage es considerado en la actualidad como uno de los grandes creadores escénicos de nuestro tiempo. Sus espectáculos han contribuido a la ampliación de los límites teatrales, siendo pionero en la incorporación de las nuevas tecnologías con las que ha situado su teatro en la vanguardia de la escena internacional. Paradójicamente, la esencia de su proceso creativo se basa en un elemento tan primigenio como es el juego de la improvisación, llevado a cabo fundamentalmente con los actores, pero también, y de manera simultánea, con todo su equipo técnico. Sus obras son un work in progress permanente que se transforman y evolucionan en cada representación. Esta tesis pretende analizar, comprender y también dar a conocer en nuestro país, el innovador proceso de creación escénica seguido por el director quebequense para desarrollar dramaturgias originales. Nuestra hipótesis sostiene la existencia de una relación directa y complementaria entre la formación recibida por Robert Lepage, basada en el concepto del ¿actor-creador¿, la metodología heredera de los Ciclos Repère y, finalmente, el uso dramatúrgico de la alta tecnología. Su particular proceso creativo, en el que se combina tradición y modernidad, ha conseguido renovar el pensamiento y la escritura dramática, abriendo una nueva vía para el teatro del siglo XXI.

El concepto de identidad de un ecosistema sonoro indaga el de paisaje sonoro. El problema de investigación gira alrededor de cómo identificar los elementos que constituyen la identidad sonora de un ecosistema desde el marco conceptual de la complejidad. Implica definir los conceptos de identidad sonora y ecosistema sonoro y comprender los desafíos de carácter metodológico y técnico que la perspectiva compleja plantea para la exploración de los ecosistemas sonoros en 4 etapas: (1) registro; (2) análisis y edición (3) almacenaje y (4) uso en la creación. En torno a este desafío construyo las siguientes preguntas: ¿Qué es la identidad sonora? ¿Qué elementos temporales, espaciales, geográficos, sociales y perceptivos intervienen en la construcción de un ecosistema sonoro? ¿Qué factores tomar en consideración durante su registro? ¿Cómo puede el registro de un sonido de un ecosistema indicarnos algo sobre la identidad de este ecosistema? Sugiero la hipótesis de que la identidad sonora de un ecosistema se manifiesta de modo complejo, en constante transformación, respondiendo en cada momento a distintos fenómenos que emergen en cada lugar. Los objetivos de la tesis son conceptuales y artísticos: (a) identificar los elementos del un ecosistema sonoro; (b) definir el concepto de identidad sonora de un ecosistema; (c) crear una tipología de ecosistemas sonoros; (d) identificar y crear una tipología de los tipos de actitud artística en relación con ecosistemas sonoros; (e) registrar ecosistemas sonoros y (f) usar los registros para crear identidades sonoras. La tesis pretende contribuir tanto al campo del arte sonoro como al de las artes plásticas ofreciendo reflexiones metodológicas sobre el registro un ecosistema sonoro, una tipología de las actitudes artísticas en relación con el ecosistema sonoro, un repertorio de grabaciones que puede ser empleado tanto en la docencia como en la práctica artística y un conjunto de obras sonoras propias.

La cultura se ofrece como alternativa para las ciudades cuya economía se encuentra en declive. Sobreentender el ámbito cultural como un recurso para la regeneración económica y urbana conlleva la importación de una serie de formatos previamente definidos por las políticas culturales anglosajonas que incentivan la instrumentalización del contexto cultural local. La investigación revisa la reproducción de los esquemas economicistas que han facilitado el establecimiento de un ¿monocultivo cultural¿ que agota los nutrientes necesarios para la supervivencia del tejido cultural local. Para restablecer el equilibrio del ecosistema cultural de la Comunidad Autónoma Vasca (CAV), resulta necesario emprender la búsqueda de prácticas contemporáneas relacionadas con una producción artística y cultural más sostenible, mitigando al mismo tiempo la situación de precariedad que experimentan sus agentes.

Esta tesis doctoral investiga el animal como recurso y proceso de creación en el Arte Contemporáneo. El interés personal por el tema de investigación comenzó en el año 2013 con la realización del Trabajo de Fin de Máster titulado La huella como relato de ser(es). El objetivo de dicha investigación es configurar un marco operativo teórico desde el que discutir, analizar y proponer el quehacer artístico personal, dialogado y contextualizado sobre la imagen del animal muerto desde 1960. Recopilando y clasificando algunos de los modelos artísticos hasta la presente actualidad. En dicho proceso de estudio, se establecen nueve capítulos discursivos (inclusive la creación personal) donde la imagen del animal es fundamento por excelencia, tanto en el discurso de los artistas como también en la propia obra artística. En ellos se otorga especial interés a aspectos como: la idea del animal como símbolo y significación social, el uso que se hace del animal como metáfora y desarrollo antropomórfico, la caza, el trofeo, los derechos de los animales, la imagen del animal como icono y símbolo, su representación y su presentación en la Historia del Arte que desencadena en la desterritorialización del animal tanto vivo como muerto en prácticas artísticas contemporáneas. No obstante, da lugar a la imagen del animal muerto y sus tres vertientes a la hora de realizar dicha práctica artística, mediante la muerte en directo, la muerte registrada en vídeo o film y la representación del animal muerto en la galería. Haciendo uso de técnicas como la taxidermia y la taxidermia chapucera convirtiendo así el cuerpo del animal en algo envilecido, en el despojo. Ante lo dicho se desarrolla la nueva retórica del animal muerto en el Arte Contemporáneo. Aproximándonos al concepto de la muerte como negación del ser humano y su reacción ante la misma en el espacio artístico. Dando lugar a un nuevo repensar en el proceso creador de dicha imagen del animal muerto dentro de un discurso plástico donde el animal es transformado. Asimismo, se desarrolla una metodología que está vinculada a la ¿creación como investigación¿. Lo que fomenta una reflexión constructiva que se apoya tanto desde la práctica artística como desde lo conceptual. Generando así, un discurso investigador en el que refleje un proceso exhaustivo de lecturas y reflexiones argumentativas que se concretan en un marco de referencias bibliográficas utilizadas que se ordenan tanto específicamente como capitularmente. Comprobando finalmente la hipótesis de salida acreditada y llegando a unas conclusiones más significativas.

Investigación contextual y prospectiva sobre el diseño estructural de envases vitivinícolas desde la perspectiva de la antropología del diseño objetual. Situada en el contexto académico del diseño de producto en La Rioja (2012-2022), pretende demostrar, desde el estudio de casos, la observación participante, el conocimiento situado y la práctica docente en contextos de descubrimiento, que el packaging vitivinícola es un sistema altamente especializado en el que el diseño estructural es fundamental, no sólo para la creación de recipientes técnicos sino para representar y comunicar el vino. Partiendo de la consideración del packaging integral vitivinícola como el mismo producto, aún se observa cierta inercia cultural a entender que las funciones de información, seducción y representación del vino son exclusivas del diseño gráfico de su etiquetado. Sin embargo, desde esta investigación se defiende que desde el diseño estructural y formal se pueden generar envases identificadores tipológicos, iconos del producto, transmisores de sus valores y de su promesa experiencial, a través de códigos culturales y el lenguaje objetual. En definitiva, se trata de trascender la percepción de la etiqueta de vino como elemento central del packaging vitivinícola, para hacer evolucionar el concepto de etiquetado y representación a través del diseño de sus sistemas de envases, pues estos objetos son capaces, por sí mismos, de hacer conectar e identificar el producto con las personas, aportando valor y funciones ampliadas: experiencias sensoriales, emocionales y culturales.

En esta tesis defiendo la hipótesis central que plantea que, a pesar del valor que la sociedad y las intstituciones otorgan al arte, la gran mayoría de las personas que realizan una actividad artística profesional no reciben una compesación justa, ni equilibradas,que les permita llevar una vida digna. Mantengo el foco en dos objetivos fundamentales; 1) la obtención de evidencia empirica cuantificable, para dar cuenta de la situación de precaridad que caracteriza a una mayoría de artistas contemporáneos en España y el País Vasco, y 2) la localización y realización de propuestas artísticas que ofrecen interrogantes y/o respuestas a la problemática planteada.Para ello, me baso tanto en metodologìas cualitativas, como cuantitativas, con una fuerte voluntad interdisciplinar. Esta me hace recurrir a autores de diversos campos de conocimiento como el arte, la sociología, la política, la economía o la filosofía, con el fin de elaborar el marco teórico de la tesis.

A lo largo de esta investigación que parte desde el arte, el materialismo dialéctico y la teoría crítica, se han trabajado cuestiones tanto materiales como estéticas relacionadas con la producción del paisaje urbano bilbaíno. Una de las cuestiones centrales que revela el estudio es como la consolidación de las ciudades marca, va más allá de una transforman física del paisaje, de acuerdo a las necesidades de la acumulación capitalista. Se dirige a la consolidación de una esfera pública burguesa y la difusión de un sentido común dominante al servicio de los valores neoliberales. Siendo el principal objeto de estudio de nuestra investigación el paisaje urbano, hemos constatado la necesidad de romper con las visiones idealistas, románticas e historicistas apostando claramente por un acercamiento dialéctico-materialista. El detonante para asumir este cometido ha sido la experiencia adquirida en la producción plástica personal, así como productor-trabajador que ha desarrollado su práctica en diferentes territorios de la ciudad.

GRAFICAR: Acción mediadora en el habitar, Una mirada fenoménica basada en ocho tipologías, configura un territorio para la observación desde una visión fenoménica de una noción ampliada de lo gráfico -entendido este último como el estadio más complejo de la acción gráfica-. A través de la elaboración de un ecosistema propio, se establece un método de observación y análisis en el que lo gráfico es centro o materia abordada. En este caso, lo gráfico no es observado desde una visión disciplinar, ni desde un lugar aplicado, se trata de comprender el hecho gráfico a través de su potencial y capacidad activadora, o su cualidad de visualizar aquello que se da en lo fenoménico, en lo que acontece como fenómeno manifestado a la percepción. En síntesis, supone comprender lo gráfico como fenómeno o lo fenoménico de lo gráfico. Una mirada que sitúa lo gráfico para comprender el ecosistema que lo produce, y situar así al sujeto y al paisaje como elementos fundamentales del mismo.

RESUMEN DE LA TESIS DOCTORAL ¿BEHARTOKIA: IKUSI-IKASI-SORTU. PROPUESTA SOBRE CÓMO LA EDUCACIÓN PLÁSTICA SE PUEDE ARTICULAR PARA DESPERTAR LA MOTIVACIÓN DEL ALUMNADO DE ESO, Y ASÍ EXPLORAR, SENTIR, TRANSFORMAR, CREAR Y COMPARTIR. DOCTORANDO/A: JULEN ARALUCE HERNANDO Como docente, como investigador y como pintor, tres figuras indisolubles que definen mi postura (en cierta forma, a/r/tográfica) frente a aquello que trato de entender, encuentro que la Educación Plástica (curricularmente, Educación Plástica, Visual y Audiovisual) ofrece un escenario adecuado para abordar algunas de las carencias que sufre el sistema educativo actual. Entiendo que, a este respecto, la motivación del alumnado puede constituir el eje central para la resolución de muchos de los conflictos a los que los docentes nos enfrentamos cada día. Cómo la Educación Plástica se puede articular para despertar la motivación intrínseca de los/las escolares constituye el eje central de esta investigación. La experiencia que la educación artística puede proporcionar, tal y como sostienen muchos estudios (los de Elliot Eisner, Dennis Atkinson, José Luis Brea, Rita Irwin, Fernando Hernández o Fernando Miranda entre otros), plantea diversas alternativas a las necesidades que definen al alumnado de hoy. El desarrollo de la intuición, el diálogo con la emoción, el trabajo colaborativo, el desarrollo del pensamiento crítico y creativo, el encuentro y ejercicio de la imaginación, entre otras, pueden constituir algunas de las aportaciones de la experiencia artística. Behartokia: ikusi-ikasi-sortu, la iniciativa que me propuse desarrollar en el Instituto de Abadiño durantea el curso 2015-2016 y que relato en esta disertación, está enmarcada dentro de este contexto que deriva de la necesidad de ofrecer al alumnado una educación que contemple sus necesidades emocionales, sociales, comunicativas y creativas.

La tesis investiga el impacto de las acciones artísticas en el espacio público, destacando cómo la acción artística colectiva puede transformar y resignificar el entorno urbano. Se diferencia de la performance tradicional al centrarse en el "espectactor", un participante activo en lugar de un espectador pasivo. La investigación se enfoca en definir la identidad de la acción artística en el espacio público, explorando su complejidad, técnicas y procesos, y diferenciándola de la performance tradicional. Se plantea la pregunta principal: ¿Qué es una acción contemporánea en el espacio público y cuáles son sus características intrínsecas? Además, se exploran sub-preguntas sobre cómo estas acciones pueden ser motores de cambio sociocultural. La hipótesis sugiere que estas acciones deben desvincularse de las definiciones tradicionales de performance. La tesis tiene objetivos conceptuales y prácticos. Conceptualmente, busca definir y analizar la acción artística contemporánea en el espacio público. Prácticamente, se desarrollaron acciones artísticas en colaboración con grupos en Milán y Bilbao. La metodología incluyó revisiones bibliográficas, entrevistas en profundidad y trabajo de campo, complementados con acciones artísticas prácticas. La investigación aporta un marco teórico para entender estas acciones como intervenciones transformadoras del entorno urbano y promotoras de cambios socioculturales. Igualmente, contribuye al campo del arte de acción al aportar un instrumento de futuros casos. Los resultados destacan el arte como catalizador de cambio social y cultural, enriqueciendo tanto el análisis académico como práctico de estas intervenciones.

This thesis aims to define the practice of art, which is understood as the creation and appreciation of artworks, in terms of separation. It further attempts to determine how the concept of separation can be used to relate biological and cognitive aspects of human life with the aesthetic experience and understanding of artworks. It accomplishes this by establishing correlations between biological and artistic functionality, while exploring how separation limits a purely biological conception of artistic practice. The theoretical research focuses on important aesthetic theories of the past two centuries, and recent studies into human cognition. The practical research incorporates two social, postconceptual art projects that implicate the theoretical research. The results demonstrate two principal separations that define artworks and people in relation to tradition and society respectively. The first involves an internal division of object and subject, or material and form. The second distinguishes internal from external, integral from relational, or the individual from the group. The oppositions that are generated by these separations play vital roles in the reflexive identification of self¿the foundation of aesthetic theory¿and the recognition of human products as artworks. Nonetheless, this thesis finds that the distinct sources of internal and external meaning during aesthetic experience impede a direct correlation between artistic cause and biological effect, and vice versa. Artworks do reflect human life, but their capacity to produce meaning is influenced by social and conceptual relations that escape biological determinism. The practice of art distinguishes its autonomy and tradition on its own terms. ----- Esta tesis tiene como objetivo definir la práctica del arte, que se entiende entendida como la creación y apreciación de las obras de arte, en términos de separación. Además, intenta determinar cómo se puede usar el concepto de separación para relacionar los aspectos biológicos y cognitivos de la vida humana con la experiencia estética y la comprensión de las obras de arte. Propone establecer correlaciones directas entre la funcionalidad biológica y artística, mientras demuestra cómo la separación inherente en la práctica artística limita una concepción puramente biológica. La investigación teórica se centra en importantes teorías estéticas de los últimos doscientos años y en estudios recientes sobre la cognición humana. La investigación práctica incorpora dos proyectos de arte social postconceptual que implican la investigación teórica. Los resultados muestran dos tipos de separaciones principales que las cuales definen las obras de arte y las personas en relación con la tradición y la sociedad, respectivamente. La primera implica una división interna de objeto y sujeto, o material y forma. La segunda distingue el interior del exterior, lo integral de lo relacional, o lo individual del grupo. Las oposiciones que generan estas divisiones desempeñan papeles vitales en la identificación reflexiva del yo¿la base de la teoría estética¿y el reconocimiento de los productos humanos como obras de arte. No obstante, esta tesis encuentra que las distintas fuentes de significado interno y externo durante la experiencia estética impiden una correlación directa entre la causa artística y el efecto biológico, y viceversa. Las obras de arte reflejan la vida humana, pero su capacidad para producir significado está influenciada por las relaciones sociales y conceptuales que escapan al determinismo biológico. La práctica del arte distingue su autonomía y tradición en sus propios términos.

Esta tesis es una indagación sobre mi propia práctica. Aborda la misma y observa sus tendencias y variables puestas en relación con la obra desprendida. Como se trata de un estudio exploratorio no dispongo una hipótesis, aunque sí me formulo varias preguntas sin necesaria respuesta. Me sirven para seguir pensando en paralelo las sesiones de taller. La exploración está acotada en el tiempo de los diez últimos años de producción artística hasta el presente y ha consistido en el sucesivo acompañamiento de la labor de taller con la escritura. A través de ciertas figuras he tratado de identificar y ordenar pautas en mi metodología de trabajo. Apoyándome en reflexiones procedentes de otras prácticas, en todo momento he intentado no perder de vista mi experiencia. Gran parte de los procesos, aún siendo mecánicos, no han podido ser explicados desde una voz académica con tendencia a plantear un consenso que no existe. Este es el caso de un tercio del total que ha sido reescrito en un formato novelado para provocar la distancia necesaria con la objetividad. El resto, está escrito en primera persona y se asemeja a un diario. El documento se estructura en tres partes narrativas clásicas (comienzo-nudo-desenlace). La primera (Prueba) formula figuras que aparecieron en las primeras fases de observar mis dinámicas. La segunda (Repetición) se ha escrito desde un núcleo afectivo y trata de describir emociones como la alegría, la monotonía de la rutina, el compromiso y la frustración. Y por último, la tercera parte (Obsesión) pretende cerrar un final que plantea en resumen: la incómoda sensación de continuidad, la falta de conclusiones, y sobre todo, la idea del cese del trabajo y la ansiedad que genera dicha idea.

Esta tesis propone la improvisación estructurada como método para implementar la dirección de actores en los procesos creativos de un proyecto cinematográfico, e investiga el método de creación cinematográfica de Mike Leigh como referente para su aplicación. Defiende que la improvisación estructurada se revela como un método flexible y creativo que, independientemente de que se utilice para crear el guion ¿como hace Leigh- o se parta de un guion escrito de antemano, permite adaptar los sistemas de interpretación y dirección de actores para adecuarlos a las especificidades de la interpretación para la pantalla; pudiendo constituir, para actores y directores, un nexo de unión formativo y metodológico trasladable a la práctica cinematográfica. El objeto de investigación de la tesis se concreta en el método de construcción actoral y dirección de escena, en la puesta en escena y la narrativa fílmica de Mike Leigh. La investigación consta de tres fases: investigación del método de Leigh; análisis del largometraje Another Year (Leigh, 2010), siguiendo el modelo actancial de Mieke Bal; y, partiendo de los resultados y las conclusiones obtenidas, realización de una propuesta de aplicación práctica, para planificar la dirección de actores de Another Year.

Estudio sobre la relación entre el fotoperiodismo futbolístico y la pintura occidental de los siglos XV y XVI ha consistido en un proceso de investigación que ha tenido como objetivo establecer la posible existencia de características comunes entre las fotografías periodísticas, en torno al fútbol, y la pintura occidental de los siglos XV y XVI. Para llevar a cabo la búsqueda de posibles características comunes nos hemos basado en la recopilación de fotografías en torno al Athletic Club Bilbao publicadas en el periódico Deia durante la temporada 2020 y 2021. Posteriormente hemos clasificado y catalogado dichas imágenes en base al número de figuras que se pueden observar y en base a los gestos y las expresiones que manifiestan dichas figuras. A continuación, hemos comparado las imágenes pertenecientes a los grupos establecidos con obras plásticas occidentales de los siglos XV y XVI en donde las expresiones y las manifestaciones sentimentales de las figuras son protagonistas. Al mismo tiempo, hemos realizado un cuestionario a Borja Guerrero, fotógrafo del Deia, en donde hemos planteado cuestiones en torno al proceso y en base a los objetivos del fotógrafo. Hemos concluido en que ambas disciplinas, tanto la fotografía periodística en torno al futbol y la pintura occidental de los siglos XV y XVI, tienen como herramienta visual el cuerpo humano y la manera en que manifiesta los sentimientos. Al mismo tiempo hemos visto que, por ejemplo, los objetivos o el proceso de realización empleado en ambas disciplinas son diferentes.

Esta tesis doctoral propone una diale¿ctica y una contextualizacio¿n evidente de los me¿ritos lumi¿nicos audiovisuales a trave¿s del tiempo. De esta manera, nos damos cuenta de que se han alcanzado unos hitos comunicadores representativos, unas realidades de plasmacio¿n, de significacio¿n y de emocio¿n a trave¿s del cuadro representativo en audiovisual, a las que se renuncia, y que no encontramos en el medio televisivo actual. Se reivindica un modelo expresivo y comunicador de la luz a trave¿s del sistema de comunicacio¿n audiovisual, sin contaminar, es decir, sin que las realizaciones finales tengan que ser contaminadas por el recurso constante y entorpecedor de otros sistemas de comunicacio¿n, porque la evidencia del cuadro representativo no cumple la funcio¿n comunicadora inicial. Esta tesis doctoral se centra en la participacio¿n comunicadora de la luz en lo audiovisual. Conceptos como iluminacio¿n, luminosidad y luminancia en movimiento son esencia audiovisual. De esta manera, se ofrecen alternativas para la conceptualizacio¿n de la iluminacio¿n en audiovisual que se ajuste al ¿momento oportuno.¿ Se trata de la construccio¿n de una luz adecuada para el encuadre en el tra¿nsito temporal. So¿lo de esta manera, el feno¿meno comunicador audiovisual puede adquirir un sentido completo. Porque los cinematografistas e iluminadores que comprenden la luz, crean.

La presente investigación se centra en el proyecto colaborativo Download OpenDesign, de diseño de producto sostenible y comprometido con la Agenda 2030, llevado a cabo a lo largo de 6 años entre la School of Art and Design de la Guangdong University of Techonolgy en Guangzhou, China, y la Escuela Superior de Diseño de La Rioja, en Logroño; en nuestro compromiso con la educación como motor de cambio, que contribuya a la creación de un nuevo sistema que considera a las personas sobre los factores económicos: más diverso, intercultural, participativo y equitativo; a través de la formación de profesionales comprometidos de forma ética a nivel social y medioambiental; y en nuestra confianza en que la transformación del modelo productivo y de consumo, a través del diseño, mejorará la situación de crisis medioambiental e hiperconsumista actual. Nuestro proyecto se centra en la optimización de la actividad proyectual de diseño de producto utilizando materiales locales, evitando el uso de plásticos, minimizando los procesos de fabricación, favoreciendo la autonomía, diseñando para las personas, fomentando la colaboración y el compartir el conocimiento como la vía para conseguir una sociedad más justa y un planeta menos sobreexplotado.

La fotografía tiene un gran poder para penetrar cualquier capa cultural, política, económica o social. Lo que la convierte en uno de los dispositivos con mayor alcance para informar a toda una civilización a través de las diversas relaciones de poder que atraviesan su tejido. Por lo que para comprender su función disciplinaria, es necesario activar un sistema de pensamiento capaz de generar un análisis crítico ante los mecanismos intrínsecos del dispositivo fotográfico. En esta línea de pensamiento, la práctica de los artistas conceptuales y postmodernos estableció una nueva relación entre lo simbólico, la fotografía y sus usos; lo que posibilitó nuevas dialécticas y formas de hacer. Con la entrada de lo digital, las teorías y debates suscitados por la retórica fotográfica se han multiplicado, obligándonos a pensar y actuar de manera diferente. Lo que ha provocado una revisión del concepto 'fotografía', así como la gestación del término 'postfotografía'. Sin embargo, aunque esta nueva práctica continúe perpetuando el pensamiento crítico transitado por la fotografía conceptual y postmoderna, el abanico de posibilidades que ofrece supera o discute algunas de las estrategias y retóricas de los movimientos precedentes. Por lo que es necesario revisar toda la práctica discursiva que se ha generado en relación a lo fotográfico.

La investigación plantea que existen diversos grados de influencia del retrato pictórico de la Edad Moderna sobre determinados artistas contemporáneos. Para demostrar este supuesto, por un lado, se han investigado y documentado los antecedentes históricos del retrato y de la pintura de la Edad Moderna, así como sus particularidades. Por otro, se han contrastado con la obra del artista Kepa Garraza (Berango, 1979), para ejemplificar una de las múltiples posibles vías de la influencia propuesta inicialmente.

Esta tesis toma la acusmática como una práctica contemporánea para el extrañamiento. Esta antigua práctica pitagórica para volver el sonido extraño comparte la esencia de la presente virtualidad. En la actualidad, existen cortinas virtuales, las pantallas de los dispositivos comparten rasgos y procesos con la antigua cortina pitagórica, donde transitan voces sin cuerpo y textos sin grafía. Aunque la práctica acusmática evita el aspecto visual, también oculta el funcionamiento interno de la comunicación, se comporta como una caja negra. Los estímulos externos afectan directamente en ella, accionando así los sentimientos y emociones compuestos de sonido-imagen que nos son (des)conocidos. Más que investigar la respuesta, el output, que estos inputs accionan, esta tesis tiene como finalidad analizar las resonancias internas de estas cajas negras. Mediante el concepto ¿cajanegrizar¿ Latour describe un proceso mediante el cual el trabajo científico-técnico se vuelve invisible, por el mismo éxito que cosecha. Cuando los sonidos se extrañan, se vuelven extraños, nos lleva a una situación contraria, es de decir, a ser consciente de los sonidos y convertirlos en propios, a trabajar con lo desconocido. La finalidad de esta tesis es la siguiente: analizar las practicas acusmáticasintermedia en la disciplina sonora, proponer el ciberfeminismo como un ejercicio acusmático contemporáneo, y plasmar las tensiones entre lo desconocido (como una caja negra) y lo conocido (como una caja transparente), enfatizando el peso que ejerce la tecnología en la relación acusmatización-desacusmatización.

La investigación plantea nuevas narrativas a través de las diversas estrategias llevadas a cabo en la evolución que ha experimentado el Ciberfeminismo desde los años 90 hasta su devenir en la práctica artística Hackfeminista en la actualidad. Pone en valor la intersección entre arte, hacktivismo y feminismo, y recoge las aportaciones de una serie de referentes en torno a dicho cruce, en el discurso oficial del arte. El posicionamiento crítico de las prácticas recopiladas plantea nuevas quimeras colectivas en red, cuestionando y subvirtiendo a través del arte y el activismo digital las estructuras sociales predominantes dentro de un mismo orden social. De esta forma, se abordan nuevas prácticas contraculturales que surgen en oposición a la cultura dominante, al margen del mercado, y ubicadas en un contexto de arte político.

La investigación realiza un análisis sobre la resignificación de la idea de paisaje a partir de los procesos de desindustrialización y los diferentes modelos de regeneración urbana de los espacios industriales y fabriles, y su vinculación con las prácticas artísticas contemporáneas. Los rastros, las huellas, o los vestigios de la arqueología postindustrial que aún queda latente en los espacios abandonados, se convierten en material de investigación, intervención y análisis en la obra de diferentes artistas. Enfocamos esta investigación como un archivo donde las propuestas y obras artísticas evidencian, resaltan o denuncian este tipo de transiciones o transformaciones del paisaje, incidiendo en el proceso y en las estrategias del arte como modelos de activación. En el proceso nos encontramos con cuestiones como el vacío, o ese tiempo de espera de los espacios entre la ocupación, posterior desocupación industrial y un uso aún por definir. Ese tiempo indefinido de camino hacia un futuro mejor, convierte el ¿mientras tanto¿ en algo que supera muchas veces la escala de la vida activa de lxs vecinxs del lugar, que buscan en el trabajo colectivo y en la cultura soluciones transitorias aplicadas al día a día. La investigación analiza estas cuestiones y todos los elementos que se entrecruzan en los diversos destinos de estos paisajes que se abandonan, se mantienen, se activan, se regeneran, o se transforman sin dejar rastro de lo que fueron en el pasado.

La pregunta principal de la tesis doctoral se enfoca en la relación entre los métodos para conocer la realidad usados por antropólogos/as y artistas. A partir de esta pregunta nos centramos en los métodos etnográficos empleados en la creación artística. La hipótesis planteada es que hay una relación entre los métodos y técnicas empleados por las dos disciplinas para conocer la realidad, en particular cuando el arte se enfrenta a temas sociales. Los principales objetivos conceptuales son: comparar la relación entre los métodos y técnicas antropológicas y artísticas, y analizar los modos y motivos de empleo de los métodos y técnicas etnográficas por los artistas. Los objetivos secundarios son: analizar la migración desde la perspectiva personal de artistas; crear una tipología de análisis de obras artísticas en relación con temáticas, objetivos y métodos etnográficos utilizados, y, finalmente, analizar el papel social del arte y las consecuencias éticas en relación con el fenómeno migratorio. Los objetivos experimentales son: la exploración artística propia, aplicando algunos de los métodos analizados, y la elaboración de un conjunto de orientaciones para unas buenas prácticas etnográficas en arte. La metodología es teóricopráctica y el marco teórico metodológico se construye en la confluencia entre teorías antropológicas y artísticas. La tesis pretende contribuir al campo artístico, tanto teórico como práctico, y especialmente a provocar una discusión en torno a la ética implicada en prácticas de creación e investigación artística que puede tener consecuencias para la formación artística. Nos invita a profundizar en el conocimiento de las técnicas de creación desde una perspectiva ética y hacer ver la necesidad de incluir aspectos éticos de creación e investigación en la enseñanza artística.

La investigación se sitúa dentro del marco del Light Art y analiza de forma más específica aquellas obras de carácter atmosférico o ambiental, cuyo eje principal es la luz. Se determinan instalaciones atmosféricas, aquellas obras artísticas que condicionan un espacio para configurar un ambiente concreto y además, priorizan la experiencia personal de cada individuo. Con la intención de defender estas creaciones como una disciplina artística independiente, se establece una tipificación de obras basadas en su forma constructiva o estructural. Así, se muestra un abanico de distintos tipos de construcciones que configuran el Arte de Luz Atmosférico y sirve como documento didáctico para su conocimiento.

Relaciones estéticas entre China y Occidente. Influencias recíprocas en las diferentes fases de la historia. Occidentalización de la imagen popular en el siglo XX. Retórica del optimismo social en la china a través del lenguaje publicitario. Influencias de la vanguardia rusa en el cartel cinematográfico y político en China. Desarrollo experimental para la creación de tipologías de combinatorias entre imágenes orientales y occidentales. Aplicaciones de la tecnología digital en las realizaciones pictóricas. El proyecto tridimensional aplicado en la creación de montajes expositivos virtuales.

El objetivo de esta investigación fue constatar hasta qué punto la integración de lo sonoro en la creación artística interdisciplinaria condiciona y determina la percepción de la obra y comprobar si la fusión de lo sonoro puede redimensionarla o resignificarla. Para ello se establece una analogía entre las variables del sonido (sus posibles estructuraciones y las diversas configuraciones que pueden adquirir para construir una lógica discursiva) con las disciplinas artísticas cuando intervienen en una obra multimedia concibiéndolas como parámetros integrantes de una estructura mayor. El procedimiento que se sigue es la observación de la creación artística desde dos perspectivas: la creación artística interdisciplinaria y la creación musical pura. Esta tesis se divide en tres partes. En la primera parte se analizan las conexiones entre música y otras disciplinas artísticas: poesía, artes plásticas, vídeo creación, danza, cine, etc. Se observa cómo se interconectan adquiriendo diferentes cualidades expresivas. Verificamos a través del análisis pragmático y gestáltico que la integración de lo sonoro puede condicionar la percepción de la obra, redimensionarla o resignificarla. En la segunda parte presento mi forma de estructurar el discurso musical a partir de la organización fractal de las variables del sonido, desde un aspecto fenomenológico y gestáltico. La tercera parte analizo una ópera de mi autoría, en la cual aplico y verifico las conclusiones obtenidas en esta investigación. A través del análisis de obras de diferentes creadores y épocas, y de mi propia creación artística puedo corroborar que el sonido y la música, cuando se configuran con el mismo grado de fusión que lo hacen las variables del sonido cuando se configuran en discurso musical, conseguirán resignificar la obra.

La investigación que se presenta pretende abordar las problemáticas derivadas de las tensiones con las que hemos alterado y reconstruido nuestro paisaje para convertirlo en una construcción colectiva de identidad. Planteamiento que, en cualquier caso, necesita de una articulación que cuestione su respectiva naturaleza desde una apertura y experimentación no normalizante, cuya lógica se presenta oportunamente como el elemento cardinal de nuestro destino disciplinar (desde nuestra responsabilidad artística como generadores de sentido). Asimismo, mediante el détournement de la Internacional Situacionista, se pretende indagar en las actitudes reactivas del pensamiento, teniendo presente el horizonte imaginario de la noción ¿Rive Gauche¿ con referentes que ex-ponen, o ponen sobre su borde algunos modos de exilio operados por el artista como persona desplazada en una tradición alterna que, desde Villon y pasando por Mallarmé, Baudelaire o Rimbaud, consienten guiarse por el principio de Flaubert ¿Yvetot vale tanto como Constantinopla¿, cuya discrepancia con la idea de un modelo único amplía las posibilidades que ofrece la conjunción ¿y¿ en su correspondencia con la cuestión del entre como configuración de la distancia siempre interpuesta en torno al lenguaje, el signo y las representaciones sociales.

La tesis reflexiona sobre el habitar contemporáneo considerando la pintura como una estrategia de intervención que transforma tanto el espacio ar¬quitectónico como las ciudades. El interés por la pintura y su relación con el espacio arquitectónico nos lleva a reflexionar sobre los conceptos de pintura expandida y obra de arte total. El propósito de esta tesis es abordar estos conceptos desde la perspectiva que ofrece la investigación y la creación en arte contemporáneo. Para ello nos hemos inspirado en los principios de las primeras vanguardias resaltando la importancia de la pintura como medio que va más allá del plano del cuadro. Esta investigación estudia el espacio, por su relación con el ser humano, lo cual con¬lleva el habitar y la necesidad humana de marcar, significar o pintar tanto su cuerpo como su vestimenta y su cobijo para satisfacer sus necesidades de comunicación, estética, personalización, narración de historias y narración de sí mismo. La teoría de las "Cinco pieles" del artista y arquitecto austríaco Friedensreich Hundertwasser nos sirve para ordenar los modelos de intervención, en ella el artista como persona se representa a sí mismo envuelto en cinco pieles o capas interrelacionadas: epidermis-piel, ropa, casa-hogar, identidad social del yo y planeta tierra. La investigación incide sobre todo en, la que hace referencia al interior de la vivienda y lo que ocurre dentro de la casa, que denominamos pintura habitable, y la capa que está situada fuera, es decir, aquella que recubre las fachadas de los edificios y que hemos denominado pintura envolvente. La expansión de la pintura hacia el espacio urbano, cons¬tituye otra piel, la ciudad, que hemos definido como pintura transitable, ya que la pintura crea espacio y señala direcciones en el contexto urbano; como última piel, la comunidad, el espectro social nos abre un nuevo campo de investigación y, a la vez, cierra el círculo, volviendo a poner en el centro el indi¬viduo. Por último, ligando la teoría a la práctica, hemos recopilado ejemplos de intervenciones pictóricas en el espacio arquitectónico y urbano internacional y hemos analizado una serie de proyectos propios realizados por encargo a lo largo de los últimos veinte años, así como la experimentación pictórica desarrollada en paralelo al trabajo de investigación. La tesis pretende demostrar que la materia pictórica no es el único medio para ¿pintar¿ y que la pintura como disciplina está presente no solo en la superficie de los lienzos, sino en los espacios de la vida cotidiana por medio de diferentes materiales y revestimientos, tanto de arquitecturas interiores como exteriores, proporcionándonos nuevas experiencias artísticas en el día a día, cuyo objetivo último es humanizar la vida.

El encuentro como hallazgo o descubrimiento confiere oportunidad de confluencia a la heterogeneidad. Esta comparecencia de la diferencia, no solo posibilita la creación, sino que además la impulsa. Es precisamente en el encuentro con la diferencia, con lo diferente a mí, que se produce algo inesperado, no preexistente y transformador. En este sentido, entendemos el arte como la puesta en riesgo de la singularidad, y como experiencia de la que se puede salir renovado/a. Este trabajo de investigación consta de dos partes que van intercaladas, la investigación realizada a partir de mi práctica artística y la reflexión posterior a esta.

EXTRACTO/RESUMEN La tesis se centra en la idea de que la práctica del yoga y de la meditación pueden mejorar la actividad artística en sus diversos aspectos. Para corroborar la hipótesis se han investigado los efectos del yoga y de la meditación, desde los derivados de experimentos científicos relevantes, pasando por las consideraciones de disciplinas como la psicología y la pedagogía, hasta las percepciones de un cierto número de reconocidos artistas contemporáneos españoles, que fueron entrevistados a lo largo del año 2018. Se plantearon las preguntas de las entrevistas agrupando los datos obtenidos en las investigaciones, bajo el criterio de que pudieran producir beneficios en torno a los siguientes aspectos del arte: belleza, mímesis o copia de la realidad, creatividad, expresión del artista, experiencia estética, arte como choque, arte-terapia, arte soberano y arte desde el punto de vista del yoga clásico. En lo referente al yoga y a la meditación, se ha elaborado un análisis en el que se muestran en su totalidad, tanto su vertiente más teórica, como la más práctica o de las técnicas. Este análisis incluye una compilación de reflexiones desarrolladas por distintos autores, acerca del punto de vista del yoga clásico sobre el arte y los artistas. A partir de dichas reflexiones, se han propuesto varias premisas filosóficas, cuya finalidad es la de servir como fundamento de algunas de las preguntas que se les han planteado a los artistas. Por último, se han añadido algunas observaciones y propuestas con respecto al yoga y la meditación, resultantes de la combinación de mi formación, por una parte en yoga clásico y meditación y por la otra en bellas artes.

El objetivo perseguido por esta tesis doctoral es el estudio de la relación de Vizcaya con su patrimonio arquitectónico, y su lento proceso de toma de conciencia de la existencia de una riqueza artística y monumental digna de ser estudiada y conservada. Para comprender con la debida profundidad este desarrollo, se ha establecido un amplio período cronológico que se inicia en el año 1844, fecha de la creación de las comisiones de monumentos, y concluye en 1936, con el estallido de la Guerra Civil. Dividida en tres grandes bloques, se analiza el desarrollo de la historiografía artística, así como su papel en la visibilización del patrimonio; se estudian los principales organismos obligados a la conservación del patrimonio arquitectónico en Vizcaya, desde la Comisión de Monumentos hasta la aparición de la Junta de Cultura Vasca; y se determinan los principales proyectos de restauración financiados o supervisados por organismos oficiales, deteniéndonos en su grado de conocimiento de las principales teorías y prácticas restauradoras imperantes en España y Europa. Este análisis ha permitido advertir la existencia de lecturas doctrinales en la aproximación al patrimonio arquitectónico y la formación de conceptos particularistas, estableciéndose así una evolución de las interpretaciones ideológicas surgidas en torno a la materia. Asimismo, la investigación ha hecho posible comprender cuáles fueron los principales acontecimientos y quiénes los nombres propios que contribuyeron a la formación de una sensibilidad artística en la provincia. Un tiempo de inercia y apatía, de conciencia y despertar, en el que hunde sus raíces nuestra actual mirada y percepción de la riqueza patrimonial de Vizcaya.

Esta tesis doctoral plantea un análisis de tipo personal sobre la trayectoria creativa desarrollada por Tony Cragg, en especial en el campo de la escultura en Europa. El objetivo principal es estudiar la obra del artista en el tramo fundamental de su trabajo, desde principios de los años setenta hasta finales de los noventa del siglo XX, década esta última en la que su propuesta artística alcanza su clímax. El estudio, estructurado en dos partes, incluye una introducción que sitúa al escultor en contexto, analizando su relación con la llamada Nueva Escultura Británica de los años ochenta y con la escultura de hoy día. La Primera Parte, dividida en dos capítulos, aborda en el primero sus ensayos iniciales de los años setenta y en el segundo, relativo a los años ochenta, explora la ampliación de su campo de experiencia y la apertura a nuevas propuestas tridimensionales. La Segunda, se centra en la década de los años noventa y profundiza en la consolidación de sus manifestaciones. Pese al desarrollo cronológico del trabajo, los aspectos centrales de su estética se han introducido en los momentos en que se inicia cada una de sus vías de experimentación y, en cuanto a sus obras, se han elegido aquellas que son claves en su producción sin llevar a cabo una catalogación. La investigación analiza como Cragg se plantea cambiar la sociedad a través del arte, construyendo para ello una ambiciosa interpretación del mundo ligada a la experiencia y la cultura. En su discurrir elabora a nivel teórico unos modelos, sus ¿Thinking Models¿, fruto de una relación completa con el entorno, los fenómenos científicos y las teorías filosóficas. Los cuales, le permiten encontrar respuestas emocionales desde la naturaleza, origen y fuente de su arte. Su vocabulario se desarrolla siguiendo un proceder combinatorio del que surgen grandes series de obras como las esculturas pictoricistas y otros grupos de trabajo como las Early Forms y los Rational Beings. Sus trabajos y modelos, que pretenden aprehender y transformar la vida, cuestionan desde el Arte las limitadas y equivocadas concepciones que asumimos habitualmente acerca de nuestra visión del mundo.

El fragmento exento es un fenómeno que vivimos en la conciencia, cuando miramos a ciertas obras, sobre el cual no tenemos tiempo para reflexionar. Esta situación nos ha llevado a investigar los fenómenos que vivimos en la conciencia cuando miramos a otras obras. Se trata de cuatro fenómenos de duración y cuatro de retención, que llamamos «ahí», «hasta ahí», «a partir de ahí» y «fuera de ahí», sobre los cuales podemos reflexionar, volver sobre el curso de lo vivido. Con estos fenómenos hemos compuesto un marco fenomenológico y mediante este marco hemos formulado el fragmento exento por sus cuatro tipos ¿corporal, incitante, temporal y psíquico¿ y lo hemos definido genéricamente como un fenómeno dado en el acto de mirar, que cursan ciertas obras y que no cae propiamente ni en una duración ni en una retención. Investigando el fragmento exento nos es posible explicar que cuando miramos a ciertas obras, hay un tiempo, en la vivencia de este acto, que se da a la experiencia como vínculo entre autor y espectador. Nuestra hipótesis es que las causas de este tiempo están en las obras pero no se manifiestan por lo que pensamos de ellas, sino en la vivencia de ver que tenemos cuando miramos hacia ellas. El objetivo de la investigación es, pues, conocer esta vivencia de ver y sobre la base de este conocimiento exponer la teoría del tiempo dado a la experiencia como vínculo entre autor y espectador. Nuestra conclusión es que cualquiera que mire a las obras que cursan el fragmento exento tendrá la misma experiencia temporal porque el tiempo, en la vivencia de este acto, no cambia, no para, sigue igual, una y otra vez.

Arte garaikideak, bere ulertze eta ezagutza moduetatik abiatuz, espazializatze prozesuak azaleratzeko duen gaitasuna aztertu nahi da. Artean bada bere irudikapen prozesuen bitartez inguratzen gaituen guzti hau era kritiko batean aztertzeko garaikidetasunezko joera nabarmen bat; baina era berean, zein da geure inguruari zentzua hartu eta emateko arte garaikideak duen epistemologia? Nola kontu hartu era kritiko batean geure biziak baldintzatzen dituen errealitate konplexu horri, eta, aldi berean, bestelako subjektibotasunak eta imaginarioak sortu? Posible al da arrazonamendu teknozientifikoak eta merkatuaren liberalizazioak ezarritako ordena totalizatzailetik ihes egin eta bestelako ordena menderatzailerik ezarri gabe sortzen jarraitzea? Galdera horiei hartu nahi diegu kontu Ibon Aranberri, Asier Mendizabal eta Gorka Eizagirreren zenbait lanetatik abiatuta.

Mi proyecto de investigación ¿LA CREACIÓN DE UN NUEVO OBSERVADOR. Experimentación de metodologías de observación¿ surge de la posibilidad de aplicar y experimentar en primera persona diferentes modos de percepción de la realidad que implican asimismo un ejercicio de memoria e imaginación. Este es pues un estudio que plantea la hipótesis, basada en argumentos empíricos, que sostiene que el observador y la realidad son inseparables. Pretende entre otras cosas, valorar los métodos de observación como métodos de creación e investigación, romper el papel pasivo atribuido al observador hasta ahora, valorar la percepción como una acción y la realidad como una construcción que puede ser compartida. Con la puesta en marcha de un método de observación del espacio y lo que éste contiene,-- desarrollado por el escritor parisino George Perec-, se da significado a lo observado. se describe lo que pasa cuando no pasa nada, lo que se ve y lo que está oculto, lo imaginado y lo recordado, y también se trata de integrar parámetros autoimpuestos, azarosos y auto-poiéticos que dan rigor a la praxis investigadora. Un estudio fundamentado asimismo en argumentos sólidos, comprensibles y aplicables a otros campos que no remiten sólo a lo puramente artístico, pero que si plantean un problema de método (desde su vertiente histórica y más conceptual) que reside en el acercamiento a la realidad, en la formulación del problema, y en la búsqueda de un lugar fundamental de observación. En suma, se me ha permitido elaborar una serie de conclusiones generales que avalan la Teoría expuesta: La creación de un nuevo observador que entiende la percepción como acción, que extrae conocimiento de su propia experiencia y que utiliza esa experiencia --memoria, lenguaje, imaginación¿como un método de investigación para describir una realidad encarnada y múltiple.

Esta Tesis Doctoral se ha conformado para dar a conocer e intentar revitalizar, el amplísimo repertorio de culturas que han manejado la representación a través del barro y la cerámica, en los territorios de América Latina. Por lo tanto, se muestran en este trabajo aquellas culturas que demostraron o demuestran vínculos artísticos con el material, por un lado, y por otro, concentrándonos en la representación del barro en el arte (escultórico). Este estudio aborda un extenso recorrido por épocas pasadas y su evolución, hasta llegar a la cerámica escultórica producida en la actualidad, tanto en referencia a la representación que originan los artistas contemporáneos de hoy, adscritos a la tradición occidental, como del arte popular e indígena de estos territorios (sometidos, en mayor o menor grado, a patrones artísticos foráneos, en los últimos cinco siglos de su historia, modificando, y en cierta medida infravalorando, su carácter distintivo). Tratando de dar a conocer estas cuestiones, en las que se entremezclan otras muchas que aún están en discusión, inmersas en el desarrollo del arte contemporáneo, teniendo en cuenta a su vez, los avances de los estudios científicos y los cambios que se generan en nuestros días, ampliando nuestra mirada hacia la multiculturalidad.

Los años setenta se configuraron como un momento crucial para el arte contemporáneo vasco debido a las múltiples transformaciones producidas tanto en la creación plástica y en sus autores, como en su misma consideración, función y recepción. La presente tesis doctoral desentraña el complejo entramado que se fue generando a lo largo de toda esta década de transición, con el objetivo de comprobar las consecuencias y relaciones entre todos los agentes implicados en los diferentes ámbitos de promoción, difusión y desarrollo de la creación artística en el País Vasco. Por medio del análisis de los condicionantes políticos, sociales y culturales que afectaron al comportamiento del artista y su trabajo, unido al descubrimiento de los desarrollos de las diversas promotoras artísticas públicas y privadas, encargadas de la difusión de la plástica vasca en estos momentos, junto con el conocimiento de la situación de la crítica y la educación artística, hemos dado a conocer un sistema del arte que esclarece el desarrollo creativo de la década de los setenta y sus posibles consecuencias en los posteriores desarrollos del arte vasco contemporáneo.

En la primera parte de este trabajo hemos querido completar una antigua contribución bibliográfica de la doctoranda desde la que han pasado casi 20 años y que trata sobre el cine de animación experimental en el País Vasco. Durante estos años se han sucedido muchísimos cambios y muy importantes en el ámbito del procesamiento de la imagen en movimiento, que tienen que ver con la democratización del medio, el advenimiento de los soportes digitales y todas las consecuencias que ello ha tenido en la producción de autor. Además han aparecido nuevos realizadores en nuestro panorama y por ello, el primer capítulo consiste en una ampliación que acompaña a aquella primera publicación con estos nuevos datos que sin duda resultarán relevantes a la hora de comprender cómo va a discurrir el futuro de este medio. La situación privilegiada como realizadora de la investigadora, a menudo colega y en algunas ocasiones profesora de los y las realizadores que engrosan esta lista de experimentalistas, ha permitido recabar la información de primera mano e incluso a veces vivirla en primera persona a la vez que sucedía. Por este motivo, algunas de las contribuciones, en forma de entrevista, que se añaden en esta tesis doctoral son el resultado de la relación mantenida con algunos de estos realizadores y el resto de los muchos contenidos también son fruto de esta relación personal y profesional. Por otra parte, la redacción del final de esta investigación, en el último semestre de 2016, prácticamente coincide con el estreno del último proyecto de la doctoranda, Jane: Tarzán no era tan guay (2016), que se adjunta como aportación a esta investigación en el último capítulo. En dicho capítulo explicamos de una forma detallada todos y cada uno de los procesos que fueron llevados a cabo por la realizadora para la consecución de la película, el origen de la misma y su vinculación con la película de Rafael Ruiz Balerdi. Como se explica en las páginas dedicadas al proceso de realización del cortometraje, éste nació de una deuda que adquirió la investigadora la primera vez que pudo ver Homenaje a Tarzán (1969), de Rafael Ruiz Balerdi y que termina con la palabra ¿continuará¿¿ escrita con tinta sobre el celuloide de la propia mano del artista. Para entonces él ya había fallecido y el hecho de que al menos él no pudiese llevar a cabo esa continuación fue el comienzo del reto que ha supuesto darle una respuesta en el tiempo. En esta tesis buscamos también arrojar luz sobre el contexto en el que Balerdi hizo su película a través de otros trabajos de campo realizados y publicados como la vasta entrevista personal a José Antonio Sistiaga, coetáneo, compañero y amigo personal de Balerdi. Además, se ha llevado a cabo una investigación en profundidad de la documentación, tanto fílmica como bibliográfica que existe sobre el film, habiendo podido incluso observar directamente el negativo de la película. Gracias a la colaboración de varias personas que trabajaron junto a Balerdi, también hemos podido añadir luz sobre el perfil de este admirado autor y las circunstancias de la producción de Homenaje a Tarzán.

Las obras de arte de la Colección Propia del Mueso Guggenheim Bilbao, como el edificio de esta institución, llevan la conciencia del espectador a la realidad de las condiciones del contexto en el que se sitúan. Sabiendo que esta Galería ha sido el eje vertebral de la regeneración económica, urbanística, estética y social tras el declive de la vieja industria con la que se identificaba la ciudad de Bilbao y su entorno, se ha analizado cómo tanto de su arquitectura como de su compilación, emanan resonancias industriales que prevalecen como huellas de un pasado inmediato evocándolo continuamente. Es este estudio se responde a la hipótesis formulada que propone que el Museo Guggenheim Bilbao con su Colección Propia puede entenderse como una sustitución simbólica o una metáfora de la vieja industria.

El arte occidental ha producido una gran cantidad de obras que representan a mujeres desnudas, si bien están proliferado de forma destacada en el contexto contemporánea. En este tipo de representaciones podemos ver reflejado un imaginario compartido saturado de estereotipos sexistas; produciendo, de forma constante y reiterada una pasivización e idiotización del sujeto mujer. Reflejan la imposición del privilegio del Varón, una estrategia de poder que radica en la opresión simbólica, al amparo de la legitimidad del campo y de la ideología neoliberal, según la cual todo es susceptible de ser comprado. Dada las características del medio visual, esta forma de dominación es impuesta por la vía de lo sensible, instalándose directamente en lo emocional. Por el contrario, el análisis crítico de los contenidos narrativos, que muestran un imaginario sexista, patriarcal y heteronormativo, es postergado o mirado con suspicacia desde las corrientes dominantes. En este trabajo proponemos un análisis comparativo de una selección de obras de pintura contemporánea que representan a mujeres desnudas o en actitudes sexuales, con el objetivo de estudiar cómo se representan las mujeres y los estereotipos que se les asocian. Queremos desenmascarar el halo de naturalismo que les recubre, dejando al descubierto una intrincada red de relaciones de poder sobre la que se asienta el sistema representativo.

La tesis Doctoral, Tres cuerpos de ensayo: deseo, amor y goce. El cómo sobre el qué, aborda la investigación de tres estrategias performativas como metodología productiva de arte contemporáneo. El trabajo de investigación articula un análisis de teorías, de corte psicoanalítico, filosófico y de teoría del arte con el estudio de ejemplos ilustrativos de otros creadores, con el trabajo de praxis personal de la artista. El primer cuerpo de ensayo, articula la estrategia performativa como sistema de producción de imágenes, el segundo cuerpo de ensayo, habilita la performatividad como estrategia retroactiva de relectura del significante y el tercer cuerpo de ensayo analiza la posibilidad de una performatividad como potencial futurible irrealizado.

En esta investigación de tesis se presenta un plan de conservación integral de la colección del artista vasco Nestor Basterretxea, siendo la catalogación la clave para garantizar su salvaguarda. Nestor Basterretxea Arzadun (Bermeo-Bizkaia-1924; Hondarribia-Gipuzkoa-2014) ha formado parte de los más importantes episodios que el arte vasco desarrolló en la segunda mitad del siglo XX. Fue un artista transversal, abarcando prácticamente todas las disciplinas artísticas, además de muy prolífico, presentando una trayectoria de más de 70 años de producción. En el proyecto de la implantación del plan de conservación transcurren diferentes etapas; empezando por el estudio del espacio de almacenamiento de las obras, identificando los factores de deterioro y rescatando las obras del estado de emergencia. Las obras del artista se encuentran guardadas de en su caserío, que carece de controles climáticos, y que se sitúa en una zona con un alto índice de humedad relativa y cambios de temperatura. Al inicio del proyecto, muchas de las obras se encontraban en un estado crítico de conservación. Se realiza un planteamiento general abarcando varias etapas de intervención definidas por prioridades de actuación. Para poder dar un orden de ubicación a las obras y establecer un criterio de almacenaje para la prevención y preservación del estado adecuado de las mismas, es necesaria su clasificación, inventariando y catalogando las obras que se van descubriendo en ese proceso de recuperación. Una vez organizadas las obras, se establecen las necesidades de la colección y se crean las medidas adecuadas a los requisitos y sensibilidades de cada material. Se lleva a cabo una propuesta de almacenaje basado en el principio de salas dentro de salas, una solución al control climático en espacios sin posibilidad de aislamiento. Durante los seis años de implantación de la propuesta de almacenaje en la colección del artista, se suceden diferentes necesidades sobre las obras marcados sobre todo por las exposiciones en museos y galerías. El conocimiento de las obras permite saber el estado de conservación en el que se encuentran, para valorar la necesidad o no de intervenciones de conservación curativa o tratamientos de restauración. Distintos niveles de intervención son necesarios en las obras antes de su préstamo. Se realizan desde limpiezas superficiales hasta tratamientos de restauración completos. Algunas evidentes, otras, susceptibles de discusión. Se reflexiona sobre el estado de la cuestión de los criterios de restauración en el arte contemporáneo. Una vez asegurado el correcto almacenamiento y obtenida la información de todas las obras encontradas, se continua con la creación de un sistema digital de base de datos. Esta base de datos se alimenta con toda la información necesaria de manera individualizada. Esta será la herramienta clave y esencial para asegurar tanto la existencia de la obra como su estado de conservación y posibilitará generar investigaciones acerca del artista y su colección.

La tesis aborda la degradación estética del paisaje natural y urbano de la comarca de Lea-Artibai (Bizkaia). Más allá de los datos más objetivables de carácter histórico, político, económico, social y cultural y tratando de buscar las claves que subyacen y sustentan las inercias productivo-especulativas generadoras de un paisaje estéticamente mermado, y en ciertos ámbitos caótico, se hace necesario ahondar en la relación del hombre con la Naturaleza (cosmovisión), en el concepto de paisaje, la belleza, la experiencia estética y el arte. Un paisaje espejo que refleja la neurosis humana y que muestra una relación dicotómica concretada por multitud de iniciativas de carácter social, institucional o individual de signo contrario orientadas a la explotación y a la especulación o a la conservación y restauración de la Naturaleza. Con el propósito de colaborar en la necesaria toma de conciencia y de compensar los mencionados desequilibrios, en la tesis propongo hacer una relectura del territorio de la comarca en clave estética desde una sensibilidad artística que se inspira en disciplinas como la pintura, la escultura y la restauración, mediante proyectos y propuestas concretas de intervención en el territorio que atienden más al entorno natural que al urbano, dado que este último está más permanentemente configurado con implicaciones sociales y económicas de más difícil resolución.

Cartografiar es siempre el primer requisito para poder aproximarse conscientemente a un territorio desconocido. En un contexto de cambio de época asociado a una crisis multidimensional desestabilizadora de todos los valores y creencias que constituyen el entramado social, el proyecto reivindica un nuevo imaginario instituyente. Desde una antropología filosófica de urgencia y desde el pensamiento estético, cuestiona el tecnocapitalismo, vinculado a la ingeniería de la vida y la inteligencia artificial, en un intento de habitar y comprender los nuevos marcos de existencia que prefigura el paradigma posthumano. Se trataría de activar el potencial trasformador de la imaginación creadora en la sociedad contemporánea. La disputa política viene dada porque para poder imaginar un futuro tenemos que recuperar el presente. Lo estético es una dimensión imprescindible para configurar lo ético y lo político en un nuevo orden social.

Baserriaren problematikan murgiltzen den ikerketa-lana da, hura teorikoki aztertu eta artistikoki esperimentatzeko saiakera. Bere balio sinbolikoa eraiki duten ekarpen, konnotazio eta iruditerietatik haratago, identitatea eta kultura artikulatzeko zentrotzat hartzen da baserria, orotariko eraginak ahalbidetzen dituen ardatz hedatu baten gisan. Esleitutako jarduteak gainditzeko xedez, ikerketa kulturalen eta arte garaikidearen eremuak diziplinarteko ezagutza-hurrenkera baterako tresna bilakatzen dira ikerketan, baserria bera eztabaidagunetzat hartu eta bere esanahiaren ekoizpena berrasmatzeko bidean. Printzipio simetriko, hibrido, dinamiko eta eraikitzaileetatik, instituzioaren erreferentzia sistemari ontologia berri bat eskaintzen zaio, bere eta gure nortasunaren eraikuntza-prozesua logika eta artekaritza aktiboetara zabaltzeko xedez.

Un proceso de diseño conlleva un modelo completo de acciones: analíticas, creativas y ejecutivas, que abarcan tanto la ideación como la materialización del diseño. Estas acciones pueden interrelacionarse, haciendo avanzar los procesos experimentales, tal y como planteamos en este trabajo. Así, se aplica el aprender haciendo y la investigación- acción. Se estudian varias vías de exploración especulativa, para su ejecución empírica. Se sigue este modo de trabajo para conseguir la creación de artefactos que incorporan un elemento cultural y simbólico. Específicamente, se parte de la música, por su capacidad de crear vínculos emocionales en los individuos contemporáneos y se llega a imágenes casuales y táctiles, texturas que activan lo sensible al tacto y que transmitirán el elemento simbólico (la música). La clave que sustenta nuestros procesos de diseño es la transducción. Una transducción física, en su sentido de automatismo, y una transducción cultural, en los términos planteados por Gilbert Simondon (2008) como fenómeno inherente a los procesos humanos de creatividad, artística y técnica. Esta tesis doctoral muestra la validez de la transducción como base para un proceso de diseño que crea objetos repetibles que incorporan un elemento cultural. A su vez, ofrece un modelo, un conjunto teóricopráctico con amplio potencial para su desarrollo en prácticas artísticas y de diseño.

El trabajo de tesis Pérdidas de Generación: de la historización del videoarte en el Estado español a la arqueología videográfica en Euskal Herria, se ha fundamentado en la siguiente idea: a día de hoy, resulta mucho más sencillo compilar y comparar el aparato discursivo (cuerpo teórico, historiográfico, crítico) elaborado en relación a la práctica artística del videoarte español, que acceder al visionado de la mayoría de obras producidas a lo largo de la vida útil del medio. Estas últimas, al permanecer contenidas en dispositivos de almacenamiento de carácter frágil y efímero (como son los soportes de tipo electromagnético), corren un alto riesgo de perderse. De esta manera, el factor de la obsolescencia tecnológica, unido a la ausencia de unas políticas de archivo y preservación para este tipo de materiales, ha contribuido a la generación de una especie de limbo de la obsolescencia: imágenes y sonidos que, al permanecer sepultadas en cintas de video irreproducibles y en proceso de degradación constante, se encuentran en estado de fuga. Así, mientras que la historia escrita sigue siendo consultada y es susceptible de ser reformulada, la historia electrónica tiende a difuminarse y/o evaporarse.

Cuerpo Influido dirige la mirada hacia aspectos vitales, emociones y afectos que influyen, condicionan y dejan su marca en las obras de arte. En esta tesis se concibe que estos aspectos vitales deben ser gestionados, y por tanto, explorados y desvelados durante la producción artística, resultando el arte una práctica de construcción del yo, de autoconocimiento que requerirá un cuidado de sí. He tomado como objeto de estudio mis propios procesos artísticos para reconocer y dar cuenta de cómo es o puede ser el camino de la creación, con sus desvíos y derivas, con el ánimo de señalar momentos de revelación, así como características y lugares habituales o recurrentes. A partir de la identificación de estas características, valorándolas como ¿pequeñas verdades¿ sobre la relación entre la implicación personal del/a artista y su saber técnico del arte, he podido construir un relato ficcional que cumple con el ensayo en sentido y profundización. El proceso de escritura, entendido como actividad análoga a la construcción material de una pieza, ha permitido ampliar y articular las distintas cualidades y peculiaridades del hecho artístico. He recurrido a la creación de un léxico propio y a la transformación de las cuestiones tratadas en imperativos y proposiciones, con el objetivo de hacer localizables los hallazgos de la investigación y representar del modo más fiel la experiencia del proceso de creación (su saber abierto, intuitivo, singular). La cuestión de la influencia viene a indicar la relación con otras creaciones y artistas, con los ya nombrados aspectos vitales, y la afectación entre distintos elementos y niveles de percepción que surgen de la presencia material. Esta consciencia de afectación entre partes ha dado lugar a una estructura de tesis en la que existen dos Bloques que proponen un paralelismo entre lo personal (A) y lo técnico (B), con tres Secciones cada uno que agrupan y recogen epígrafes con preocupaciones particulares. Además, 12 Situaciones vertebran longitudinalmente la investigación, destacando momentos de inflexión y orientando el desarrollo de la tesis de principio a fin. En cada sección se incluye un Texto AB, en el que abordo piezas concretas propias, abordando nociones que he ido reconociendo y nombrando mediante un proceso de recuerdo y autoconsciencia. Todo este orden estructural se basa en el montaje, aportando temporalidad a la ubicación y aparición de elementos, favoreciendo una proliferación de ecos, ampliaciones y densidades en el contenido de la tesis, y usando la edición como generadora de plasticidad y corporalidad. En esta tesis doctoral anida un posicionamiento ideológico: las obras de arte son capaces de expresar una vivencia siempre que exista una transmisión corporal. En favor de esta transmisión el cuerpo que las produce se somete a un proceso en el que la subjetividad se hace extraña, canalizando y enfrentando sus deseos a la influencia de la mirada externa, además de asumirse como un ser múltiple destinado a construir un orden propio que le permita objetivar y compartir su experiencia, pudiendo finalmente comunicar con otros cuerpos desde una posición vital comprometida y honesta.

La presente tesis doctoral se centra en los procesos de ¿transducción¿ entendidos como ¿cambios de estado¿ y en su ¿adopción¿ en el ámbito artístico. Para ello se analizarán obras de diferentes épocas sobre las que poder reflexionar, de manera particular o a través de diferentes entrevistas, y, además, se mostrará a modo de bitácora el proceso creativo que seguirá la doctoranda para llegar a realizar las diferentes transducciones presentes en piezas como ¿cosidos¿ o ¿aplausos¿. Uno de los objetivos principales que investigaremos es que, a través del análisis, la síntesis y la evaluación de diferentes datos podemos construir procesos de creación artísticos en los que se realicen cambios de estado ¿de un posible en otro posible¿, sin olvidarnos de ver si el arte puede contribuir en procesos de sanación. De hecho, la propia doctoranda lo afronta de esta manera tras sufrir una baja médica de dos años debido a una mala praxis sufrida durante el parto de su primer hijo.

La tesis se enmarca en el ámbito híbrido entre la arteterapia y los estudios superiores artísticos en la que se desarrolla una metodología, fundamentada en la teórica arteterapéutica, aplicable en las aulas de Bellas Artes (y no solo en estudios superiores artísticos) para que el mundo emocional del alumnado tenga más cabida. El objetivo es aportar conocimiento de la arteterapia y que las diferentes intervenciones en la educación superior permitan mejorar las relaciones intereducativas y priorizar la salud mental y emocional de las personas involucradas. Por lo tanto, esta tesis tiene carácter multidisciplinar y entrelaza ámbitos de la arteterapia, bellas artes, educación y psicología.

El objetivo de esta investigación es constatar hasta qué punto el arte es capaz de influir en la gestión del patrimonio industrial, socializar la problemática de su obsolescencia, sensibilizar a la sociedad y a las instituciones respecto a su fragilidad y valor y contribuir a revitalizar la memoria colectiva de la industrialización. Para ello se emplea una metodología teórico-práctica propia basada en un profundo análisis documental, un extenso trabajo de campo y una prolífica experimentación artística multidisciplinar para desentrañar las problemáticas que afectan al patrimonio construido, ayudar en la búsqueda de diagnósticos certeros sobre esas problemáticas y facilitar, a través de la intervención artística del patrimonio, su revitalización, tanto física como de memoria. Esta metodología se estructura en base a 5 conceptos, siendo éstos: obsolescencia, gestión, transformación, reutilización y revitalización; conceptos que actúan como columna vertebral y secuencial de los acontecimientos que han afectado al patrimonio industrial construido en el Bilbao Metropolitano. De estos conceptos, los cuatro primeros dan diferentes perspectivas sobre el devenir del patrimonio construido, mientras el último, el de revitalización, da cuenta de los proyectos artísticos creados ad hoc para esta investigación con el objetivo de intervenir y revitalizar el patrimonio material obsolescente. Gracias a la conjunción del análisis teórico y a mi propia creación artística puedo afirmar que esta investigación doctoral ayuda a crear dinámicas positivas y afectos de las instituciones y la sociedad hacia el patrimonio industrial y que su intervención artística lo revitaliza.

El smartphone es una herramienta de conexión y también de adicción, sobreexposición y control visual, mediante el cual producimos y consumimos gran cantidad de selfis. Dentro de este contexto se plantea la necesidad de buscar estrategias didácticas que permitan formar personas prosumidoras conscientes mediante el selfie y mindfulness. Nuestro principal objetivo ha sido desarrollar competencias visuales creativas y críticas para trasladar a la formación del profesorado de primaria. La presente investigación cualitativa abarca micro acciones artísticas, entrevistas y prácticas docentes a través de la investigación basada en las artes donde intervienen diferentes agentes. El antiselfi, entendido como mindfulness visual, es una herramienta didáctica valiosa para la educación artística desde donde pensar, sentir y actuar frente a las diversas adicciones a las pantallas e imágenes. Diferentes enfoques metodológicos visuales nos han acercado a estrategias para la comprensión individual y colectiva de imágenes relacionadas con sistemas de reconocimiento facial o los cuerpos hipersexualizados de las mujeres, entre otros temas.

Si queremos usar o estudiar las interfaces tecnológicas, las metáforas son necesarias para poder acercarnos a ellas, pues su definición es tan esquiva que no hay otra manera de aprehenderlas. Además, es necesaria una aproximación crítica que atienda a lo que realmente so las interfaces , procesos llenos de significado que afectan a la realidad y a las personas, y no meras herramientas como apuntan las metáforas actuales. Por lo tanto, es necesaria una renovación de las metáforas que usamos con las interfaces. A partir de esta necesidad y teniendo en cuenta la profunda relación entra la magia y la tecnología, una equiparación que la mayoría de las veces coge forma de metáfora, nos preguntamos si la magia puede ser una metáfora válida para acercarnos a las interfaces tecnológicas. Mediante el análisis de la relación magia-tecnología, el estudio de las problemáticas concretas de las interfaces y sus metáforas y un análisis comparativo entre magia e interfaces, concluimos que la magia es una metáfora válida que, además, utilizada desde el ámbito artístico, cumple con las necesidades de la renovación de las metáforas de las interfaces.

Tesi hau arte praktikan oinarritutako ikerketa bat da. Pintatzeak eragindako pentsamendua da gaia, pintura barrutik esperimentatzearen hausnarketa da. Nola garatu pintorearen esperientzian oinarritzen den ezagutza? Nola egituratu pentsamendu hau? Autoreak, problematika zabal honen aurrean, bere pintura praktika propioa abiapuntu moduan hartzen du eta bere lan pertsonala komentatzeari ekiten dio. 2014tik 2019ra bitartean egindako lanaren aukeraketa batean oinarrituko dira komentarioak. Funts nagusia da, ardatz baten moduan, pintura praktika propioaren inguruan ematen den dimentsio teoriko eta praktikoaren artean lotura organiko bat dagoela. Tesi honen ikerketa lerro zehatzak Sorkuntza, ikerketa modura/ Ikerketa, sorkuntza modura izena du. Honetan, sormena edo arte praktika bera ikerketa moduan defendatzen da. Autoreak bere lan pertsonalaren barne ardatza arakatzeko topatu duen metodoa, beste pintoreentzat baliagarri izatea nahi du. Emaitza pertsonalak diziplina ezberdinetatik etorriak dira, baina autoreak hauek emaitza piktorikoak balira bezala hartzen ditu kontutan. Hipotesia da: autore baten pinturaren baitan emandako praktika eta teoriak lotura organiko bat dutela. Carl Gustav Jungek esan zuen: ¿En todo desorden hay un orden secreto¿ eta hau hipotesitzat hartu du tesiaren autoreak. Susmatzen dena da autoreak gorpuztutako praktika eta teoriaren artean badela ordena bat, ardatz bat, lotura organiko bat. Bi komentario mota ezberdinetaz baliatzen da. Lehenik emaitza piktoriko pertsonalak komentatzen ditu, hau da koadroak. Bigarrenez prozesuan bertan izandako pentsamendua egituratu nahi du. Honetarako bere lan piktorikoaren prozesuan bertan idatzitako albo komentarioetaz baliatzen da.

A piece of art is just the tip of the iceberg of conscious and unconscious processes, thoughtful and casual, known and unknown, which coexist with the piece itself. In this sense, one of the aims of artistic research is to make visible the artistic process to act through it, without relying on external research fields. The theoretical framework of this thesis follows the line of research established by dOCUMENTA(13) which is committed to artistic research in relation to ¿the Real¿. Basically, ¿the Real¿ is conceived as nature and reality, as our perception of it. For Cristoph Menke, art is in transit and divergence between capacity and strength. In the force of art, our strength is at stake. Thus, the challenge of this thesis is to visualize the transition between one another. Consequently, the specific proposal is focused on the study and the use of repetition in the artistic process. Jacques Derrida claims that the number for repetition is three (Derrida, 1967). Gilles Deleuze distinguishes three levels of repetition, which main field is art: external repetition or reproduction, internal repetition or event, and the repetition which connects the prior two levels (Deleuze, 1968). This study finds correlation between these types of repetition and the notion of ¿intraction¿ by Karen Barad (Barad, 2012), based on the foundation that beings exist within phenomena by a permanent ¿intractive¿ and iterative reconfiguration. Therefore, the research expected outcome is not a piece of art but putting into practice new agency possibilities through the artistic process. The hypothesis is based on the idea that the transit between repetition and difference in the artistic process can be extrapolated to the relationship between strength and capability, enabling the movement/shift of the artistic process towards ¿the Real¿.

TRANSARTE es una investigación sobre proyectos artísticos relacionales creados a través de procesos participativos y colaborativos, y sobre su capacidad para generar transformaciones e intercambios en el contexto en el que suceden. Es una investigación desde la práctica artística y desde la reflexión discursiva, en el cruce entre la crítica de arte y teorías de las ciencias sociales. La investigación TRANSARTE presupone a toda obra artística una agencia, y plantea la agencia de los proyectos colaborativos como un intercambio multidireccional entre agentes (artista, ciudadanía, mediadores, instituciones, obra, entornos¿) en vez de como una transformación unidireccional del artista hacia el público a través de la obra. Es por eso que ahonda en la idea de transacción y para ello se apoya en la teoría del análisis transaccional de la psicología social, así en como en el ensayo sobre el don de la sociología. Así mismo presta especial atención a las relaciones dentro de grupos y cómo se dan los procesos de transformación dentro de ellos como los referidos por la teoría del campo. Para testear estos presupuestos se realizan distintos proyectos artísticos, así como procesos de experimentación grupal. Finalmente se elabora una compilación de dinámicas y dispositivos de tecnología relacional usados en dichos proyectos, con vistas a poder ser usada como caja de herramientas para enriquecer los modos colaborativos y participativos de hacer en arte y procesos colectivos transicionales en general.

Este trabajo de investigación es una aproximación desde la teoría y la práctica al porqué de las interacciones entre marca y arte después del último cambio de siglo. Si bien se tiene en cuenta la naturaleza recíproca de estas interacciones, el objetivo se ha centrado prácticamente de manera unidireccional en la utilización de la marca como recurso en la obra de arte. La tesis plantea la ¿Teoría del re-ad¿ como práctica artística a partir de la remezcla de la marca como artefacto global, el análisis de su naturaleza republicitadora y las consecuencias de un desdoblamiento final de este tipo de obra fruto del remanente de la propia marca. El término re-ad, acuñado específicamente para el contexto de esta investigación (apócope de re-advertising, lo que sería republicidad en inglés) pretende definir las obras que utilizan la marca como recurso ejerciendo una republicidad (in)voluntaria y subliminal. El re-ad también se presenta como una de las respuestas visuales al fenómeno hiperconsumista como una figura basada en el uso de las marcas desde una perspectiva ¿apocalíptica¿ (crítica) e ¿integrada¿ (la simple representación del paisaje hiperconsumista), pero a través de la cual la obra ejerce una republicidad que responde a la naturaleza promocional de la propia marca. Ante la particular exigencia de profanar las formas de la sociedad de hiperconsumo con intenciones ambiguas y más o menos críticas, y la necesidad de seducir al espectador, nos encontramos con una figura que se fundamenta en los procesos de creación del pasado atendiendo a las problemáticas de la contemporaneidad. La marca es única e irrepetible y su aura queda por tanto definida como un discurso metafísico que el consumidor legitima, donde el valor exclusivo que esta difunde convierte en «único» también al consumidor. Este concepto de aura de marca que surge de la emancipación del objeto, resulta equiparable a la nueva aura que surge de la mercantilización de la obra de arte y del consiguiente abandono del consumo de la obra por el consumo del artista como marca. Por consecuencia, siguiendo la «lógica del balón-botella de lejía» que profana la cultura de la histeria colectiva por la seguridad ¿como dice Fernández Mallo¿, en el re-ad se genera una doble dimensión aurática que se debe: primero, al nuevo significado que aporta la remezcla como obra autónoma y su nueva aura como mercancía; y segundo, al residuo de la marca en su función original como dispositivo publicitario. La investigación concluye con una práctica experimental que indaga la manera de utilizar la marca como recurso pero con el objetivo de neutralizar el significado que lo relaciona con esta, basándose en la lógica de la música dub, que consiste en la creación de nuevas piezas musicales autónomas a partir de otras ya dadas, remezclándolas de manera exhaustiva a través, principalmente, de la manipulación de las voces o su directa omisión. Un intento de «bajar la voz» de la marca, para conseguir paradójicamente un resultado autónomo que a su vez mantiene la referencia a esta aparentemente intacta. Es decir, la ejecución de una remezcla plástica intensiva, aun manteniendo referencias al original nos puede llevar al éxito de la deconstrucción industrial.

Bajo el título Ante un nuevo funcionamiento de la Imagen, esta Tesis doctoral propone un proceso de reflexión crítica fundamentado en la experiencia proporcionada por el saber específico gestado desde la práctica artística propia, al sentir la hipotética pérdida de autonomía del arte causada por la total saturación del espacio de percepción, la desaparición de distancia crítica intersubjetiva y la indiferencia para devenir en una temporalidad propia. Este nuevo funcionamiento de la Imagen provocado por la urgencia mediática de las nuevas tecnologías de la comunicación, implica un régimen de la visualidad descarnado, de regreso hacia modelos de identificación fundamentados en la lógica de la diferencia y que, paradójicamente, sucede en una gran indeterminación referencial, implantando una nueva crisis de representación, que alcanza al sujeto contemporáneo y al acto artístico. Consecuentemente, ambos se someten a una posición acrítica cuyo único acto consiste en consumir el presente a través de la experiencia contemporánea de ver fluir una ingente continuidad de imágenes tecnológicas, despojadas de la materialidad y la espacialidad del objeto específico. El aparato metodológico se estructura en base a una interlocución técnicamente profesional con las artistas Anthea Hamilton y June Crespo, ya que se les reconoce un conocimiento tácito ¿siempre parcial, variable, complejo y contingente¿ adquirido en el territorio de una práctica transdisciplinar entre escultura, imagen tecnológica y acción performativa; articulación presente, también, en la obra propia. Las preguntas de la investigación conllevan una revisión situada ¿no objetiva¿ propia del hacer en arte y, por lo tanto, de sus casos específicos para el funcionamiento de la Imagen. Se trata de establecer un espacio material de transición entre la multitud de experiencias, procesos y percepciones, que hacen posible las singularidades, correlaciones o dispersiones del trabajo de un artista. Hacerlo es concebir lo contrario a una producción conductual interpasiva, entendida como una de las acciones de reciprocidad de los sujetos en la actual mediación de las redes digitales. Por esta razón el uso estructural de las conversaciones desarrolla una exploración reflexiva y de reconocimiento del ¿tener lugar¿ como artista/sujeto, junto al examen de los modos de hacer situados entre lo procesual y la representación sistemática de las condiciones de formas de visibilidad, con lo que poder plegar/desplegar, interna/externamente, influencias/afectos, para emanciparme(nos) de la inmovilidad mental y material que vivo(mos). El recorrido de la investigación recupera la confianza en la operación técnica del hacer en arte y en la subjetividad contemporánea, ya que la permanente (re)construcción/contestación de sus condiciones presentes sobrepasa cualquier automatismo provocado por los dispositivos de comunicación y/o información, acentuando la naturaleza transformadora de la Imagen. Así, identificamos tres nuevos desplazamientos basados en: la autonomía del objeto o del sujeto por rechazo de su alteridad como negación, reivindicándose a sí mismo y revelando la correspondencia corporal y neuronal de su posición en proximidad y duración; la intersubjetividad, que rompe con una segregación en alza en el pensamiento occidental actual, que permitirá conectar y aceptar la pluralidad; y el señalamiento de nuevas presencias, ya que la singularidad está supeditada a multitud de variables. Tres desplazamientos desde los que operar para posibilitar volver a ser en relación.

Azken hamarkadetan lanaren munduan aldaketa esanguratsuak jazo dira. Mendebaldeko herrialdeetan, hegemonikoa izan den lan-eredu industrialaren gainbeheraren ostean, paradigma produktibo berri baten aurrean aurkitzen gara. Kapitalismo immateriala omen da gaur egungoa; informazioarena, komunikazioarena, kulturarena. Lanaren aldeko etika berria, autonomia, sorkuntza eta autorrealizazioa promestuz datorkigu. Horregatik, artistak eta artearen esparruak testuinguru postindustrialean protagonismo berezia hartu dute. Ekintzailearen figurak artista bohemioaren mitoarekin bat egitean, eta artearen eta kulturaren esparruko lanak bereizgarri zituen hainbat ezaugarri bere egin dituenean ekonomiak, lana erakargarri bihurtu da. Kapitalismoaren produkzio-moduak, orduan, aurpegi seduktore, atsegin eta gizatiarra erakusten du, nahiz eta bere efektuei erreparatuta bestelakorik ondorioztatu daitekeen.

Investigación sobre el recurso al tópico bélico en la obra de mujeres creadoras como herramienta autorreflexiva, auto-autorizante e impugnadora de la construcción androcéntrica y belicista de la excelencia en el entorno occidental. Estos objetivos se persiguen a través de la comparación de la obra de dos artistas muy dispares: Susan Sontag (NY, 1933NY,2004) y Clara Peeters (Amberes, c. 1594). En concreto, la comparación se articula a través del contraste del pensamiento autorial reticente que observamos en los textos sobre guerra de Susan Sontag, en particular, en Ante el dolor de los demás ¿un texto que Sontag escribió en 2003 y en el que intentó promover un análisis que contribuyera a desactivar lo que ella designó como la ¿perenne seducción de la guerra¿- con el recurso intencionadamente encriptado al topos retórico de la imago clipeata que creemos advertir en la pintura de género de la pintora flamenca del siglo XVII. Fenómeno pictórico inusual, promovido por una mujer particularmente interesada en reflexionar sobre el ascendiente profesional y social de las mujeres, al que llegamos de manera indirecta gracias a las reflexiones sobre las obras de arte visual de temática bélica recogidas en Ante el dolor de los demás.

Esta tesis doctoral está enmarcada dentro del ámbito de investigación en el que el proceso creativo y más en concreto, el pictórico, es la base que pone en marcha la búsqueda. El punto de partida comienza en el cuadro y pasa después al lenguaje escrito. De la misma manera, lo investigado activa el siguiente paso en el acto pictórico; así hasta completar este trabajo. El contenido recopilado en este estudio se basa fundamentalmente en las obras creadas por su autor. Las reflexiones pasan por la visión de su autor que mira posteriormente hacia afuera, buscando en el mundo colectivo referencias y coordenadas de interés que puedan validar o reforzar el trabajo. El título de la tesis doctoral, Viaje al cuadro. Una metaficción en la pintura, recoge dos pilares fundamentales para entender el proceso que se ha construido. La primera parte, Viaje al cuadro¿, muestra una clara intención de entender, recopilar y plasmar en la máxima totalidad posible, todos los pasos y procesos que lleva a cabo un artista, pintor, como el autor, para llegar hasta conectar con el objeto cuadro y concretarlo. El viaje al cuadro no solo es un viaje a un cuadro, sino que también es un viaje a la idea primaria de la identidad del pintor, que alberga la entidad cuadro, y al mismo tiempo, es también una representación pictórica de cómo el artista construye su propio proyecto pictórico. Viajar al cuadro supone también viajar hasta uno mismo, por lo que, a lo largo de la tesis doctoral, se remarca la idea de que construir una obra es construirse a uno mismo como artista y como persona. La segunda parte del título, Una metaficción en la pintura, pone de manifiesto el valor del mecanismo instrumental que supone el concepto de metaficción para conseguir el objetivo de construir la obra pictórica. Queremos dejar claro que no es esta una investigación sobre la noción de metaficción, sino que se ha creado una particular visión del mundo a través del visor del cuadro, en la que el instrumento de la metaficción es la herramienta que mejor se adapta a la manera de trabajar del autor. De hecho, el encuentro con el concepto, enmarcado dentro del trabajo de investigación, vino a reafirmar el trabajo que ya se estaba realizando en las obras pictóricas. Dicho de otra manera, las representaciones que aparecen en las obras, y que se ubican dentro de una forma de hacer narrativa y con cierta carga literaria, venían a hablar sobre el propio lenguaje de la pintura como elemento a narrar. Por ello, al metalenguaje como concepto que ya operaba en el quehacer del autor se sumó la metaficción como mirada que englobaba el trabajo que se estaba haciendo. El viaje al cuadro es un viaje a una isla que responde a la idea simbólica del cuadro como objeto. El tránsito que realiza el viajero representado en la obra, que no deja de ser un autorretrato del pintor, es el desplazamiento que realiza este personaje hasta obtener la experiencia necesaria para alcanzar su meta. A lo largo de todo el viaje, el viajero realiza continuamente ejercicios de reflexión para comprender lo vivido y obtener de estas experiencias una mirada más completa y compleja que le permita seguir avanzando. El viaje está lleno de trabas y errores al igual que de aciertos, y de todo ello se obtiene la materia prima para construir el proceso. Finalmente, al entrar en la isla, el sujeto creador reflexiona una vez más sobre la idea del viaje y la idea del lugar de deseo para decidir qué hacer con todo ello. Este proyecto es un proyecto de construcción personal que prepara al autor para seguir avanzando tanto en la creación pictórica como en la formación del perfil investigador.

La investigación analiza la situación de los murales cerámicos artísticos de la segunda mitad del s. XX, especialmente aquellos ubicados en lugares públicos de tránsito, como aeropuertos, autopistas o estaciones de metro. Los casos analizados se encuentran principalmente en el Estado español y el estudio se centra en el conjunto mural de la AP-2, la autopista de Zaragoza a Barcelona, ya que en este conjunto se dan circunstancias comunes con otras obras coetáneas de naturaleza similar. Las doce obras del caso de estudio de la investigación, fueron seleccionadas por medio de un concurso en el que participaron más de 250 personas, algunas de las cuales son figuras de referencia en el panorama artístico: Enric Mestre, Elena Colmeiro, Rosa Amorós o José Luis Zumeta, por ejemplo. Las obras fueron realizadas mediante gran variedad de técnicas y lenguajes que dotan al conjunto de gran calidad artística y puede considerarse un caso único por sus características. Sin embargo, con el paso del tiempo, algunas de estas obras presentan irregularidades en cuanto a su conservación, por lo que la investigación se ha centrado en detectar las alteraciones que les afectan de forma específica y cómo regularlas a partir de protocolos aplicables también a obras de similares características.

Jorge Oteiza alude al arte jondo en dos de sus libros en los que ensaya una interpretación estética: ¿Goya mañana. El Realismo Inmóvil. El Greco. Goya. Picasso¿ (1946-1997) e ¿Interpretación estética de la estatuaria megalítica americana¿ (1952). La extrañeza que a priori puede generar la inclusión de esta expresión en repetidas ocasiones ¿hasta 20¿ lleva a preguntarse por los motivos que propician su interés y el sentido con el que la utiliza en su pensamiento estético. Las experiencias vinculadas a lo jondo se constatan a lo largo de la vida del escultor. Sin embargo, es en 1946, en Bogotá, durante su estancia de trece años en Suramérica (1935-1948), cuando algunos sucesos vinculados al flamenco y la tauromaquia, paralelos al estudio que sobre Francisco de Goya realiza con motivo del bicentenario del nacimiento del pintor, desencadenan las primeras referencias al arte jondo. Este interés se inscribe a la necesidad y propósito de creación de un arte nuevo universal en América en un momento histórico y cultural que concibe de crisis mundial. Un arte configurado a partir de una doble raíz: la raíz americana, basada en la cultura megalítica localizada en San Agustín, en el macizo central de los Andes, en Colombia, que defiende frente a las teorías arqueológicas como fundacional y creadora de los primeros resultados estéticos y mitos de salvación en América, junto con los resultados contemporáneos del muralismo mexicano; y la raíz europea, basada en la pintura de la tradición española conservada en el Museo Del Prado, donde destaca las obras de El Greco y Francisco de Goya, retrayendo estos resultados estéticos del denominado `realismo español¿ al arte prehistórico parietal en las pinturas paleolíticas de las cuevas de Altamira o Lascaux y avanzándolo hasta su contemporáneo Pablo Picasso. La correspondencia entre estas dos ¿líneas rojas del realismo metafísico¿ ¿según las refiere¿ es la originalidad de sus resultados creadores, por inventar un fundamento plástico, como cultura inaugural sin antecedentes en el caso del megalitismo andino o contra la tradición agotada en el de la pintura española, al que denomina plástica pura o arte abstracto y que concibe ineludible para la definición del ser estético, que también enuncia como estatua, resultado de la operación creadora. Se enmarca en sus estudios coetáneos sobre una Estética Objetiva, con la que busca dotar al arte de herramientas operativas que permitan dar cuenta de una configuración ontológica como estructura constitutiva interna de sus resultados. Lo formula mediante una Ecuación existencial o Ecuación estética molecular a la que posteriormente suma una Ley de los cambios para los procesos artísticos. El arte jondo es enunciado por Jorge Oteiza como un momento ineludible que surge en la fase de expresión del proceso creador de todas las culturas. Su relevancia se sostiene en la producción, tras un tiempo de necesaria elaboración naturalista o aestética con el paisaje, de los primeros fundamentos plásticos y definiciones estéticas, como invención, suponiendo resultados de originalidad creadora que configuran los mitos salvadores. Este tiempo de creación lo denomina superrealismo, por corresponderse con resultados cuya completud estructural alcanza a producir un acontecimiento estético que concibe de realismo superior o superrealidad. La urgencia creadora, determinada por el sentimiento trágico, y la angustia existencial, condicionada por el límite ineludible que impone la muerte, obliga a operar en este momento con desesperación por encontrar la solución definitiva a través del arte. Los resultados son los inéditos del arte jondo, enunciados también como Disparate creador en deferencia a ¿Los Disparates¿ de Francisco de Goya y ¿Don Quijote de la Mancha¿, productores de máscara estética en tanto que fusionan el rostro del creador y los rostros sagrados del paisaje: artefacto del que se sirve en débito con el arte indígena primitivo y por su relevancia en movimientos de vanguardia de comienzos del siglo XX como el cubismo. Su cualidad es de Realismo Inmóvil por la inmovilización obligada de sus elementos constituyentes y de carácter popular por definir el fundamento abstracto común de un tiempo histórico y la cosmovisión de un pueblo. El arte jondo se extiende a lo largo de la vida de Jorge Oteiza a otros intereses como la cultura minoica, la mitología de Creta con la leyenda del Laberinto y el Minotauro, la pintura en cuevas de la cornisa cantábrica como Altamira, Ekain, Lascaux, Mas d¿Azil o Trois Frères, el megalitismo europeo con el crómlech microlítico pirenaico y el crómlech compuesto de menhires y trilitos de Stonehenge, o la mentalidad original del vasco en el preindoeuropeo y su creación de los primeros mitos de Europa a partir del estudio que realiza sobre las raíces somáticas del euskera. En todos los casos Jorge Oteiza trata las claves de la configuración estética y los procesos creadores, como actividad que transforma al artista y de la que deviene sujeto político y emancipado del arte para la actividad en la vida: todo lo cual se pone en relación con su propio proceso creador y conclusión de la escultura como expresión a través de su Laboratorio experimental (1948-1958) y evolución de una estatua inicial, como masa cerrada, a una conclusiva, como transestatua con desocupación del espacio o creación de vacío, donde lo definido en los momentos de lo jondo se mantiene como resonancia en los resultados finales del proceso experimental. La Tesis doctoral desarrolla estas claves del pensamiento estético de Jorge Oteiza apoyándose en material del archivo personal del escultor conservado en la Fundación Museo Jorge Oteiza (Alzuza, Navarra), incluyendo documentación inédita que se trata y difunde mediante el estudio, la transcripción y/o la reproducción facsimilar.

Esta Tesis Doctoral constituye el primer estudio exhaustivo sobre la Historia y relevancia de la cassette en España, estructurándose en dos partes: una dedicada a su Historia y otra a su ¿Pre-historia¿ (término acuñado por la autora). La primera sección analiza la emergencia de artistas, sellos y movimientos relacionados con la música industrial, destacando figuras como Andrés Noarbe, Francisco López y Rosa Aurruti, entre otros. La segunda parte explora los antecedentes experimentales, vinculados a la Red Internacional Fluxus, y a otros artistas como Jorge Oteiza, José Val del Omar o Isidoro Valcárcel Medina. Además, se examinan las particularidades técnicas de la cassette y su uso en la autoedición. Se incluye un análisis del sello Crystal Mine, dirigido por la autora, así como estudios de proyectos colaborativos, finalizando con una reflexión personal sobre la práctica artística en torno a la cassette en nuestro territorio.

La presente investigación parte del uso del road trip como medio/manera de realizar fotografías para ser publicadas en ensayo fotográfico como una doble experiencia, una primera de lugar entre el autor y el territorio y una segunda de creación entre el autor, las fotografías y el formato, entendido este como un lenguaje narrativo propio dentro del arte, autónomo, no solo independiente del sistema expositivo sino incluso del origen de las fotografías que lo conforma, considerándolo como un medio de relacionarse con el territorio y como forma de expresión. Explicar el origen de este medio/manera, que obliga a tratar una variedad de materias que incluyen otras disciplinas diferentes a las del arte, ha estado guiado por un análisis intertextual determinado por los ensayos fotográficos a los que se hace referencia en la tesis y, a su vez, por las conexiones que se generan con las dos acciones integradas en el marco conceptual: el road trip y la fotografía.

El paisaje es un concepto moderno relacionado con la manera de relacionarnos con el mundo a través de la tecnología. El paisaje se ha ido modelando a lo largo de los siglos a partir de las teorías humanistas y ha servido para construir los imaginarios colectivos sobre los que se han construido las sociedades modernas. Se trata de un concepto muy vinculado a lo tecnológico que evoluciona constantemente. Desde su origen en el campo de la pintura, el concepto del paisaje ha ido transformándose y en la actualidad han ido apareciendo paisajes en campos como la genética, la biología o la acústica. Sin embargo, carecemos de herramientas conceptuales apropiadas para analizar estos paisajes contemporáneos. Esta tesis trata de suplir esta carencia proponiendo un modelo de análisis desde la complejidad basado en el planteamiento del dispositivo de Foucault y el de membrana osmótica de Paul Virilio.

El presente trabajo de investigación aborda el estudio y documentación de más de cuatrocientos carteles pertenecientes a la colección del Museo de Bellas Artes de Bilbao, piezas creadas e impresas entre 1886 y 1975. Dicho fondo se comenzó a configurar en los años ochenta y a lo largo de cuatro décadas fue creciendo y tomando forma, hasta su conversión en una variada y heterogénea sección, donde la obra de artistas y diseñadores gráficos del País Vasco convive con la de otros muchos creadores y creadoras de renombre, tanto nacionales como internacionales. Así, grandes pintores vascos de preguerra como Aurelio Arteta, Antonio de Guezala o los hermanos Arrúe, comparten protagonismo en esta colección con relevantes artistas como Jules Chéret, Eugène Grasset, Picasso, Dalí, Miró, Chillida, y grafistas de la talla de Jean Carlu, Charles Loupot, Paul Colin, Gino Boccasile o Milton Glaser, entre otros. Aunque en esencia ha sido concebida como una investigación pormenorizada de los carteles que conforman el fondo objeto de estudio y, por añadidura, de los eventos, empresas y acontecimientos históricos para los que fueron concebidos, esta tesis doctoral también incluye varios epígrafes que versan sobre los creadores y creadoras de los carteles, así como sobre las empresas de artes gráficas en las que estos se materializaron.

Desde el interés por el lenguaje artístico como posibilidad de ir más allá de los límites que establece la secuencialidad de pensamiento lineal, esta investigación ha tenido como objetivo mostrar las relaciones entre las experiencias psicodélicas y algunos procesos artísticos. Así, tras examinar la experiencia psicodélica, las alteraciones de la percepción y los contextos en los que se dan manifestaciones artísticas ligadas a este tipo de vivencia visionaria, se analizan los procesos de creación y estructuras de carácter psicodélico en relación a esas alteraciones, y se ofrece un catálogo de juegos, estrategias y valores. De este modo se ha tratado de discernir cuáles son los recursos visuales, formales y temáticos que dan lugar a expresiones artísticas de carácter psicodélico, principalmente desde la pintura. También hemos querido aportar una visión local desde nuestro contexto cultural, siendo el santoral de Remelluri de Ameztoy el ejemplo que mejor ha englobado esta verificación. Finalmente se abren futuras líneas de investigación aportando varios artistas actuales de este entorno próximo en cuya obra subyace una componente psicodélica.

Dentro de un marco posmoderno, lo Punk transformó por completo la escena musical, influenciando a otras expresiones como el cine, las artes o el diseño. La actitud subversiva de lo Punk fue trasladada a todos los campos de las artes en una constante afirmación de explosividad. En conexión con estos contextos de emergencia expresiva surgirá la propia pintura de lo Punk. Podríamos decir que la pintura que hemos investigado destaca por una expresividad que recupera todo su espíritu ¿anti¿ y lo vierte en el proceso. Un posicionamiento antivirtuoso que ofrece obras rápidas, de poca resolución formal y estética decadente, en donde el autor se vuelca en la experiencia con una actitud intensamente ¿pasional¿. Su pensamiento se prolonga a su expresividad, resolviéndose en una propuesta plástica entrópica, cimentada en una táctica de ruptura radical que hemos investigado como referencia expresiva de determinada Pintura Contemporánea Occidental.

La presente investigación estudia y correlaciona el álbum multisensorial contemporáneo, sus artistas y la primera infancia desde los ámbitos de las artes visuales, la cultura y la pedagogía, estableciendo, como punto de partida y canal de conexión entre los mismos, la pluralidad de interacciones sensibles y creativas que las niñas y los niños experimentan con el mundo y sus objetos, definidas en este estudio como lecturas multisensoriales. Las últimas décadas representan un periodo dorado para la creación del álbum multisensorial, el cual ha venido consolidándose a lo largo del siglo XX a través de una serie de transformaciones sociales, culturales y tecnológicas que lo convierten en el tipo de edición que hoy podemos leer y explorar. Considerándolo como un objeto cultural destinado a la infancia, su naturaleza lúdica y sensorial parece encajar con el espíritu científico que tan bien caracteriza a las niñas y los niños de la primera infancia. Desde las investigaciones en pedagogía de la experiencia se constata que los niños y las niñas, como sujetos de pleno derecho, con un valioso potencial y una compleja red de capacidades, realizan un aprendizaje de carácter holístico, construyendo su percepción del mundo de forma multisensorial y multidisciplinar. A lo largo del pasado siglo, la transformación del álbum multisensorial ha acompañado de forma análoga la evolución del concepto de infancia, la cual se desarrolla profundamente gracias a los progresos sociales que abogan por una mayor tutela y protección de este grupo de personas con pleno derecho a la libre expresión, al juego y a la participación de la vida cultural y artística. Tales avances se han visto reflejados en el gradual interés por el universo que envuelve a la infancia y su cultura, el cual se constituye de ciertos rituales y objetos, entre los que hallamos específicamente los libros y álbumes destinados a esta etapa. Desde esta perspectiva, en la época presente se estima que tal medio de creación se consolida entre los autores y las autoras contemporáneos como un canal de expresión y creación visual fundamental para hablar con los niños y las niñas, un grupo lector que ha ganado en términos generales notorio interés en las últimas décadas. En este cruce de ideas, la presente investigación pretende contribuir a un conocimiento más específico de los procesos de lectura multisensoriales en la primera infancia, fundamentándose en prácticas relacionadas con la experimentación sensorial y creativa de las niñas y los niños, y el uso y exploración del tipo de libros mencionados.

Con el título MATERIA Y TRASCENDENCIA EN LA PINTURA. UNA APROXIMACIÓN PERSONAL A EXPERIENCIAS RADICALES CONTEMPORÁNEAS, presentamos este trabajo de investigación en forma de tesis. Para nosotros, trascendencia y materia son los ejes donde centramos nuestros intereses, siendo en sí mismas, partes de una misma paradoja. El hecho de identificar en un mismo trabajo lo tangible y lo intangible conlleva sus riesgos, pero a su vez su poética y su aventura. Lo trascendente es ese lugar que nos seduce y nos da una idea de lo desconocido en el mundo. Y la materia es ese espacio afín que nos permite la experimentación plástica de un modo perceptible, aunque exprese connotaciones de temas imposibles. Ambas se verán enraizadas en este trabajo bajo el halo especial de lo que hemos venido a llamar las experiencias radicales, unos acontecimientos.

Teatralidad y vida cotidiana La idea de lo ¿teatral,¿ como efecto perceptible, parece estar asumida hoy en día de manera tácita por la comunidad social. La sobreactuación, el engaño o la afectación, así como el actual marco de las ¿fake news¿, son elementos contemplados como cotidianos y parecen disputar el terreno al oficio de la creación de ficción. Efectivamente, las presentaciones públicas de las personas son a menudo asociadas recurrentemente con elementos propios del teatro. Por ello, resulta muy sugerente acercarse a los mecanismos que se reproducen en los entornos y situaciones de las presentaciones comunicativas humanas comunes y que parecen apuntar hacia un concepto muy próximo a lo teatral en muchas ocasiones. Por otro lado, lo presencial y lo no presencial en la comunicación humana va tomando nuevos derroteros con el devenir de los tiempos. El acto público y la escenificación, como hechos presenciales, adquieren un peso diferente en medio de un mundo de imágenes, de situaciones y de actos virtuales. Paralelamente, la línea que separa la presentación como proyección pública fundamentada en la credibilidad y la representación como ficción y como arte, se muestra más tenue que nunca. Más allá de las prácticas escénicas experimentales directas en sus diversas variantes y de algunas vías abiertas por las artes performativas, desde el propio mundo del arte dramático parece evitarse un camino específicamente científico que recoja siquiera las ideas fundamentales que se están desarrollando acerca de estos temas desde hace décadas en la investigación de otras disciplinas. Esas ideas y teorías provenientes de diversas áreas del conocimiento, pueden brindar importantes herramientas que muestran la concomitancia y la estrecha relación entre la vida cotidiana y el arte actoral y escénico. En este sentido, la noción de la teatralización discurre muy próxima a la capacidad natural humana de imaginar, fabular y de poner en práctica de forma cotidiana, tanto una dramatización involuntaria a partir de los roles sociales y de los deseos propios o compartidos, así como una cierta dosis de cálculo consciente en las actuaciones personales o grupales en base a ciertos intereses propios o compartidos. Las comunicaciones presenciales de las personas se convierten así en un permanente espejo de imágenes y de mensajes que combinan, tanto la recepción y asimilación de lo ajeno, como la propia emisión de la exposición personal en la que la imagen física y el lenguaje no verbal juegan un papel trascendental a través de las emociones. El presente trabajo aborda estas ideas mediante un acercamiento a la noción de ¿análisis situacional¿ que W.I. Thomas comenzó a fraguar de forma pionera y que, con el paso del tiempo, ha tenido un importante desarrollo del que este estudio quiere dar cuenta con una pequeña aproximación. Tal noción parece emerger como idea esencial con presencia hegemónica en cualquier tipo de proceso acerca de la idea dramatización social y, como consecuencia, naturalmente, en el arte dramático, como elemento trascendental quizá obviado, al parecer, en el entresijo de los términos escénicos. El punto de partida para desarrollar estas cuestiones toma como referente inicial el acto de escenificación presencial como estructura comunicativa y recala de forma específica en el conjunto de características de sus componentes visuales. En el centro de ellas, surge el factor instrumental imprescindible, el del espacio dado como encuentro con el público a quien va dirigida tal comunicación. El análisis del acto escénico desde su epicentro espacial permite también una aproximación a abordar las diferencias y concomitancias entre actos de presentación y representación. La figura humana, desde su capacidad presencial expresiva, mediante la creación de movimiento, de imágenes y de sonido a partir de las emociones, se vislumbra como protagonista esencial del acto de escenificación pública en su relación con el espacio físico. La emisión y la recepción de la expresión en la comunicación humana, y con ella su interpretación puntual, aparecen como herramientas vitales para la vida cotidiana, para la consolidación de la construcción y la autoestima de las personas, para la valoración de actos y hábitos propios y ajenos y para la consolidación o no de cada rol social. De este modo, las trascendentales aportaciones teóricas de algunos importantes estudios de carácter sociológico cuyo sentido y coherencia es significativamente deudor al arte escénico como su esencial metáfora instrumental, son reveladoras ya que hunden sus raíces en el mundo de la escenificación y el teatro.

La investigación llevada a cabo se basa en analizar los objetos artísticos a los que se ha llegado, como parte de la investigación misma, en el periodo al que se refiere la tesis. La aproximación que se lleva a cabo a estos objetos es por lo tanto poiética, queriendo atender al valor de las decisiones y el momento en que estas se toman. Plantea que el motivo de llegar a esos objetos, y no a otros, está directamente ligado con la posición respecto del arte y respecto del mundo, que tiene el autor, la autora. Como consecuencia de este planteamiento se afirmará que, en la práctica, a lo que llamamos resultados son casi siempre consecuencias divergentes de lo que se deseaba. Que lo que es proceso resiste, persiste en el objeto o, dicho de otra manera, que lo que resiste durante el proceso, se convierte en objeto. Y que el camino que ha llevado a ese objeto no depende tanto de una técnica procedimental como de una técnica personal basada en lo amoroso. A lo que llamaremos distancia técnica. Para plantear estas cuestiones la investigación se divide en tres partes. La primera parte posiciona el lugar desde el que estos trabajos se han llevado a cabo, valorando a través de distintos autores y autoras la posibilidad de una voz singular. La segunda parte se trata de una descripción y análisis de los distintos trabajos llevados a cabo en el periodo de estudio (2005 ¿ 2015). Y por último, la tercera parte recoge, a modo de conclusiones, las cuestiones que puedan señalar esa posición desde la que ha sucedido todo lo demás que aquí se recoge.

Esta tesis examina el desarrollo de la fotografía en Argentina entre 1965 y 1972, un periodo crucial debido a la intensa experimentación que se dio en el medio. La investigación se basa en la hipótesis de que la convergencia de dos aproximaciones distintas a la disciplina fue fundamental para su reformulación: por un lado, el uso de la fotografía de los creadores de las vanguardias argentinas vinculados al pop art y movimientos conceptuales, y por otro, las creaciones de los artistas de grupos experimentales de fotografía incluyendo el Grupo Beta, Centro de Experimentación Visual, Grupo Experimental de Buenos Aires, Grupo Imago, Grupo Imagen y Grupo Uno. En el ámbito de las vanguardias, la investigación se centra en la producción artística alrededor del Instituto Torcuato Di Tella y el CAyC (Centro de Arte y Comunicación), dos instituciones que se perfilaron como espacios clave desde los que se estimuló la innovación, incluyendo la creación de obras con componentes fotográficos. Por otro lado, la tesis analiza la actitud radical contra los formatos tradicionales y las estructuras establecidas que mantuvieron los grupos experimentales de fotografía. La parte final del proyecto se centra en la exposición Fotografía Tridimensional (1972) como un hito crucial en la historia de la fotografía argentina en la que participaron tanto artistas pertenecientes a las vanguardias, como los miembros de los grupos.

La presente tesis, invita a pensar el sentido de una investigación en arte desde el arte, y la posible problemática entre el método científico y la propia experiencia de hacer en arte. Desde esta perspectiva, se plantea la necesidad de crear un desplazamiento, por un lado en las lógicas establecidas e inherentes a una tesis y por otro la de reflexionar sobre las propias lógicas de hacer en arte, con el fin de hallar el lugar común que pueden compartir. Para este fin se ha cogido como referencia la dOCUMENTA(13), tomando prestadas las nociones de No tesis, No metodología, y la estructura como resultado de un sistema de relaciones que la propia documenta instaura, para tratar de dar cuenta de esos espacios abiertos en cuanto a la noción del comisariado y sus prácticas y que consideramos podrían abrir igualmente en la noción de investigación en arte y sus prácticas. Al cuestionar las formas de investigación en arte, inevitablemente entran en movimiento las nociones de conocimiento (relativo al verbo adquirir), sujeto de conocimiento (que adquiere) y el objeto de conocimiento (como medio de adquisición), que suponen el conocimiento como algo estático. Desde este lugar, veremos cuánto de esta manera de objetualizar el conocimiento ha podido tener que ver en la manera en la que hoy en día se entiende el arte y la exposición. Para finalizar, traemos a la presente tesis dos proyectos prácticos, dos maneras de enfrentar la acción de traer una investigación de estudio a la academia, dos proyectos, cada uno de ellos respondiendo a una presentación relativa a su propia naturaleza de desarrollo. Vaciar el estudio, da título a la tesis en referencia al trabajo de Bruce Nauman, una manera de nombrar esa necesaria tarea de vaciar el estudio, vaciar la tesis, para una vez vaciado de lo que debiera ser, dejar que quepa todo lo posible; dejando así que, los proyectos, los ensayos y los experimentos se deban a sí mismos y yo a ellos, es decir, a su propia cadena de sentido abierto a la posibilidad de no sentido.

Zentzua eta Sentsua (Sentido lógicoy Sentido Sensorial) es una investigación que trata de diseñar espacios artísticos dirigidos a las exposiciones culturales sensitivas, en la que grupos en riesgo de exclusión museística nutren a la investigadora para crear a través de la sensorialidad un espacio adaptable a cada visitante-espectador. Es un proyecto en la que a través de diversas exposiciones colectivas de 8 artistas e investigadores de la UPV/EHU, de distintas áreas de conocimiento han participado haciendo hincapié en la accesibilidad para aquellos colectivos en riesgo de exclusión en el mundo del arte contemporáneo como son personas ciegas, sordas y niños, intentando fomentar que sus obras de arte puedan ser estimuladas a través de otros sentidos más allá de los habituales (vista y oído). En esta exposición interdisciplinar se ha querido visibilizar a estos colectivos, por lo que ha sido ampliamente meditada y es el resultado de una serie de entrevistas a personas que tuvieron lugar en 2018 con personas de estos colectivos. En ellas, dieron sus valoraciones personales acerca de la accesibilidad en el arte y detallaron experiencias personales que les habían llevado a tener diferentes opiniones sobre la accesibilidad en la práctica museística. A lo largo de esta investigación los artistas muestran sus obras, en busca de soluciones para que su propia obra sea accesible intentando dar una visión transversal de la idea de museo, en donde las obras podrán ser percibidas a través de una experiencia sensorial y en la que el desarrollo de un espacio adaptable (adaptabilidad) ayuda a dar otra perspectiva artística. Cada visitante va con los ojos caminando por la sala expositiva y guiándose por el espacio artístico a base d

El trabajo propone un recorrido por la historia para mostrar cómo el Arte, en especial la pintura, fue determinante para convertir la expresión y dramatización del dolor en una experiencia cultural sobre la que se fundamentó en buena medida la estructuración social. La búsqueda de respuestas a los grandes interrogantes de la existencia ¿quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos y, en este caso, porqué sufrimos tanto¿constituyen la base del desarrollo de la humanidad. Quienes (chamanes, magos, brujos, sacerdotes y similares) ofrecieron explicaciones sobre esos asuntos trascendentales, por muy fantasiosas o absurdas que parezcan, se erigieron como líderes de las tribus primitivas. Las religiones, junto con la fuerza de las armas, toman el poder, Es el punto de arranque de casi todas las civilizaciones. Cuando la conexión entre comunidades primarias conforma una sociedad más compleja, y la comunicación oral directa no alcanza a todos, los regidores espirituales y políticos descubren el poder de la representación gráfica como potenciador de sus discursos. Los artesanos y artistas adquieren protagonismo. Esta tesis doctoral limita su campo de estudio a la llamada Civilización (Arte) Occidental, marcada en su esencia por el cristianismo. Con su monoteísmo y la figura y el mensaje de Jesucristo, hijo de Dios hecho hombre para redimirnos con su muerte del pecado original, revolucionó todas las teorías sobre el dolor y comienza una nueva era. El castigo divino del sufrimiento se convierte en vía de salvación eterna si se cumplen los mandamientos y se toma a Jesús y su crucifixión como referente supremo. Como ya apuntamos, la jerarquía eclesiástica se percató muy pronto de la eficacia de las imágenes para que las masas de fieles analfabetos entendiesen estos conceptos tan abstractos y acatasen sus mandatos, por convencimiento o por temor, La iconografía generada en torno a estas representaciones religiosas constituyen uno de los pilares básicos del arte occidental. Se trata de comprobar la forma en la que los artistas, al dictado de la Iglesia al principio y posteriormente sin condicionantes, trataron (manipularon) el tema del dolor; como acomodaron el lenguaje estético en función de los objetivos doctrinales e ideológicos. Tras señalar las grandes causas y pretextos que justifican la preeminencia de la imagen en el discurso sobre el sufrimiento (la Pasión de Cristo, los martirios, los episodios bíblicos, las guerras, las enfermedades, las ejecuciones penales, las catástrofes, ¿); mostramos los distintos tipos de dolor y el diferente tratamiento artístico según las épocas. El paso de simbolismo de los primeros siglos, al esquematismo medieval y a las nuevas formas narrativas del final del gótico, que anuncian la explosión de dramatismo y calidad pictórica insuperable del Renacimiento y el Barroco. Analizamos algunas de las obras más destacadas de cada una de estas etapas. Tras la pérdida de poder de las instituciones religiosas, con la llegada de la Ilustración, las revoluciones industrial y francesa, los grandes descubrimientos científicos y los revolucionarios movimientos sociopolíticos, se afronta desde perspectivas radicalmente distintas el tema del sufrimiento; pero este sigue como centro de la preocupación mundial. Los pintores buscan fórmulas expresivas que les permitan mostrar todo el horror provocado por las continuas confrontaciones bélicas que suman decenas de millones de muertos y el lamentable estado psicológico de depresión general. El romanticismo, el realismo y las vanguardias encadenadas tienden progresivamente hacia un expresionismo feroz; que --más allá de la representación documental, que queda en manos de la fotografía, el cine y la televisión-- culmina en el dislocamiento formal absoluto, en el grito desgarrador como única manera de mostrar la desesperanza absoluta de la sociedad moderna. Las nuevas tecnologías, con Internet y las redes sociales, nos introducen en un futuro no menos estremecedor. Pero eso es otra historia.

Esta tesis tiene el objetivo fundamental de cuestionar la performatividad de las máquinas de óptica hasta las máquinas inteligentes y los seres humanos: lo que pueden crear y ver. Por lo tanto, también está cuestionando el pensamiento plástico de las personas los hombres. Somos capaces de transformarnos a través de nuestros artefactos y convertirnos en: Deep Learning, robots de reconocimiento facial, cámaras de vigilancia, robots utilizados en hospitales, Artificial Intelligence for Art, Deep Reinforcement learning. El conocimiento, el cuerpo cambia el estado y la inteligencia cambia los marcos. La performatividad de la interfaz hombre /máquina sin duda permite sacudir y crear cuerpos artísticos híbridos. La investigación teórica se ha centrado en importantes teorías científicas y estéticas desde el siglo XX hasta la actualidad sobre la relación máquina/hombre y la evolución cognitiva. Como segundo objetivo, se trata de estudiar las consecuencias de la desaparición de las pantallas. El medio de la imagen encuentra otros soportes: realidad virtual, teléfono inteligente. La producción de la imagen debería ser revisada ya que el ``acto de hacer¿¿ imágenes se reinventa. Las máquinas también lo hacen, por lo que también debemos mirar la política de las imágenes. La investigación práctica incluye un grupo de investigación creado y un proyecto de estética neurológica que implica una investigación teórica. Los resultados muestran que la evolución de las máquinas transforma la definición de arte. Desde el simple automatismo de la visión, las máquinas inteligentes se encargan de cosas que antes no hacían. Comienzan a crear formas, representaciones del mundo físico. La enunciación de la desaparición de las pantallas es de hecho un problema que esconde otro. La minituarización y la versatilidad de los dispositivos significa que las máquinas inteligentes son cada vez menos visibles para el ojo humano. Las consecuencias de estos estados hacen que el artista cambie su práctica por una práctica artística de hacking de formas. La práctica del arte ya no es una práctica creativa individual, es un acto social. Crear significa incluir la máquina, el artista, el ecosistema de fabricación.

BioVanitas. Reflexiones en torno a la materialización del Tiempo, aborda los dilemas que suponen las BioVanitas en un entorno de colección. A partir de un breve recorrido, plantemos la importancia que el Tiempo ha tenido en el arte y las distintas formas de representarlo, haciendo especial hincapié en las vanitas y en su evolución hasta llegar a lo que hemos denominado BioVanitas. Definimos BioVanitas como psico-instalaciones efímeras, con intencionalidad reflexiva, realizadas con materiales biológicos en los que el Tiempo actúa como materia y material. Obras en constante metamorfosis que consideran su proceso biológico natural como parte de su proceso creativo. Proponemos la clasificación, y definición, de los tres tipos de BioVanitas principales, y de sus subclasificaciones, y exponemos los principales dilemas que éstas suponen en un entorno de colección. Para ello, reconsideramos desde el enfoque BioVanital la exposición, los criterios de intervención, el almacenamiento, la documentación y la ruina, tomando como casos de estudio obras reales pertenecientes a colecciones. Esta revisión propone posibles soluciones desde la nueva perspectiva, así como reflexionar sobre las distintas maneras de entender el concepto efímero de las BioVanitas, y el significado de la palabra colección.

Ikerketa honetan dramatizazioak hezkuntzan eta, bereziki, Lehen Hezkuntza mailako lehen zikloan duen lekua aztertuko dugu, helburu bakarrera bideratuta: 236/2015 Dekretuaren bigarren eranskina osatzen duen Oinarrizko Hezkuntza Curriculumean zehazten diren diziplina barruko oinarrizko konpetentzietan biltzen diren edukiak, propio sorturiko obra dramatiko batean txertatzea, dramatizazioaren bitartez horien lanketa sustatzeko. Horretarako, ikuspegi teorikoen kontzeptualizaziotik hasiko gara, ondoren hiru alderdi aztertzeko: nire ibilbide propioa, berrikuspen bibliografiko konkretua eta Lehen Hezkuntzako Graduko laugarren mailako ikasleei egindako inkesta jakin baten emaitzak. Horien inguruko hausnarketa hirukoitzetik ateratako ondorioak aintzat hartuta, jatorrizko obra dramatiko bat sortuko da hirugarren atalean. Obra dramatiko horren azterketa egingo da azkenik, bertan biltzen diren Lehen Hezkuntzako lehen zikloko eduki konkretuak identifikatzeko.

La presente tesis doctoral se adentra en la relación entre la pintura abstracta de posguerra, en su vertiente gestual y matérica, y el tagging, práctica del graffiti dedicada a la escritura de firmas en el entorno urbano. El principal vínculo radica en el empleo de la grafía gestual en un tipo de escritura pictórica que deriva al campo de lo ilegible y, siendo desarticulada como portadora de significado, desprovista de código, opera en el campo de lo visual como imagen. A su vez destaca un interés común por el muro, como soporte de creación en el campo del graffiti y elemento evocador desde la pintura matérica en el Informalismo, donde la inscripción sobre el muro se despliega tanto en la práctica, de forma real o simbólica, así como en el imaginario de los artistas pertenecientes a estos movimientos. También la voluntad colectiva de retorno simbólico a los orígenes más primigenios de la creación gráfico-plástica, como forma de arte genuina, dirige a ambas prácticas a adentrarse en la línea de creación del primitivismo como terreno donde hallar la esencia de sus respectivas búsquedas en el campo de la creación y la imagen. Por otro lado, se adentra en una línea paralela de investigación a través de la cual, los nexos de unión planteados se concretan y despliegan a través del discurso o poética de los medios de creación y producción extendidos hacia nuevas referencias y asociaciones que permiten proponer una lectura abierta de los mismos. Se plantea una (re)lectura paralela desde aspectos comunes a los movimientos citados, que se adentran en o parten de lo que hemos denominado ¿lo gráfico¿ . Este término conjuga lo relativo a la escritura, el dibujo y el grabado situándose en un terreno ambiguo desde el cual plantear nuevas lecturas basadas en los desplazamientos desde/hacia la pintura.

Las transformaciones conceptuales acontecidas sobre el monumento, desde el siglo XIX y más específicamente en el siglo XX, han contribuido junto con cambios artísticos, sociales y culturales, en estrecha interrelación entre todas estas trnsformaciones, a que el arte público urbano que apela al concepto escultórico-monumental se tenga que examinar con mayor frecuencia debido a la rapidez con que se suceden las innovaciones. Nuevas categorías como Site/Nonsite surgirán para entender estos procesos, otras provenientes de diferentes campos del conocimiento como entropía se tomarán para explicar los nuevos monumentos, sin olvidar que conceptos tradicionalmente utilizados se replantearán y redefinirán dándoles un sentido más acorde con las realidades propuestas. De esta manera, la percepción de tiempo, espacio, forma, estructura, escala, entre otros elementos variarán y modificarán, a su vez, la interpretación de los objetos artísticos. Dirigimos nuestra investigación a partir de la traída a colación y estudio de cuatro obras las cuales, cada una con sus características, han aportado significativamente a esta evolución de los monumentos: Conjunto Monumental de Târgu Jiu, de Constantin Brancusi, Memorial de los Veteranos de Vietnam en Washington, de Maya Lin, Cementerio de Finisterre, de César Portela y el Memorial a los Judíos Asesinados de Europa en Berlin, de Peter Eisenmann. Consideramos otras formas de monumentos que han aportado al debate ideas, conceptos y valores, que han ayudado al desarrollo de la escultura y el monumento en el espacio público urbano: los antimonumentos, contra-monumentos, non-U-mento, no-monumento, así como otras propuestas vinculadas a reinvindicaciones feministas en Sudamérica o del Apartheid surafricano. Todos ellos fruto del deseo de buscar la esencia del monumento que permita contener el dolor de vivir y restañar las fracturas sociales creando un bloque de sensaciones que no deja de significar y producir afectos.

Esta tesis trata sobre cerámica contemporánea y ceramistas en el contexto vasco. Su objetivo es llenar un vacío existente en este campo, debido a la infravaloración a la que se ha visto sometida la disciplina, estrechamente ligada a su consideración de artesanía y artes aplicadas o decorativas. Para ello, primeramente estudia sus antecedentes, evolución y características desde una mirada histórica internacional, para seguidamente centrarse en el lugar y objeto de estudio. La perspectiva feminista está presente en la investigación, pues se parte de la premisa de que las desigualdades de género siguen patentes en la sociedad y también en la esfera del arte. Esta mirada también ayuda a explicar los motivos de que la cerámica haya sido infravalorada, así como su relación con el género femenino. Finalmente se exponen las conclusiones obtenidas.

El escrito pretende rodear con una serie de conceptos el núcleo de publicaciones presentado, resultante de un trabajo de más de 30 años en el campo de la pintura. Para ello nos basamos en dos conceptos base, que remiten a la construcción de la obra, por una parte, y a su proyección como significación en curso hacia un hipotético espectador por otra. Tales conceptos los denomínamos respectivamente como intracuadro y ultracuadro. Las nociones colaterales a este eje vertebral basculan entre un tipo de conceptos que fluyen durante todo el proceso de la obra, y otros que actúan pendientes de cierta demarcación, filtro o cierre eventual de fuerzas, formas e intensidades dadas en el juego formal. La casuística que enmarca las reflexiones puestas en juego apoya la idea de que lo ausente de la superficie pintada define en cierta manera lo presente, generando tensiones y amoldamientos que son parte y fundamento de la obra. Bajo esta idea toman una visión y peso diferente algunos aspectos formales ceñidos tradicionalmente a lo procedimental, como son la imprimación, el fondo, la profundidad o el trazo entre otros, presentando una bipolaridad que en todo momento remite al juego de las significaciones. Se asume con ello el mantenimiento de una incertidumbre que acompaña no sólo al decurso de la obra, sino que se confabula como espejo de una totalidad del significado, en continua crisis y renovación. Esta idea, reforzada técnicamente por un determinado uso de ciertas metodologías en el hacer, se concretiza paradójicamente en una obra formalmente muy blindada, amparada en la dialéctica de pares de oposición pictóricos, que encadenan para la obra una serie de problemas plásticos a los cuales se ha de responder. Aquí, y bajo el amparo del campo modulatario, se abren los conceptos de abducción, carne, momento,vital, eje vital, o puntuación. Se considera asimismo la noción de intensidad, como un hilo conductor que atiende a cada momento de la obra más allá de su concreción como parte o zona determinada, intentando ligar su resolución en simultaneidad con la unidad total de la superficie. Esta vivencia de la experimentación ,como fin y proceso a la vez, cuestiona en cierta forma la legitimación de un valor de lo plástico, o al menos lo reduce al lugar de la acción. Aquí entendemos lugar de la acción como el bucle de remisión entre el hacer y la significación, entre intra y ultracuadro, puesto lo que sucede en uno se refleja en otro. Pese a esto, y sin mentarla explicitamente, la referencia a la idea de obra de arte es continua en el escrito, presentándola de alguna forma como hipótesis de cierta garantía de la significación, o al menos del curso de las interpretaciones. Pese a titular el escrito la cosa de la pintura,es decir la pintura que atiende al complejo de relaciones estructurales y técnicas que organizan los elementos en la superficie, en detrimento de todo tema, relato o curso descriptivo, no hemos tratado de decantarnos por este modelo de actuación pictórica. Esto actualmente nos parecería algo reduccionista, pues pensamos que un estricto formato, sea el del modelo-copia, sea el abstraccionista, no tendría posibilidades de ofertarse como creativo si no arremete contra el propio estereotipo que lo circunda. Así se ha comentado que una mímesis sin methésis, es decir una obra que solo pretenda ser copia de un original, eludiendo toda participación sensorial ajena a ese trasvase de datas visuales, sería más un alarde técnico que un logro artístico. Como conclusión se resaltan aspectos como la apuesta por lo incierto, que remarca en parte cierta posición trágica de la creación plástica. Se rescata no obstante el valor inherente a la apuesta por la praxis que, como en cada época y momento histórico, trata de resolver a través de lo procedimental la transformación del objeto pintado en cosa significada. La segunda parte del escrito es una correlación de las publicaciones y una adenda explicativa de cada una de ellas.

La comunicación y el diseño producen cajas negras cuyo funcionamiento y lógicas de producción desconocemos. Esta investigación teórico-práctica aborda el error desde un punto de vista creativo y explora el error intencionado como herramienta para descajanegrizar sistemas y revelar lo oculto tras su superficie. La tesis se apoya en la teoría de la sospecha mediático-ontológica de Boris Groys, entendida a través de los conceptos clave de desconfianza y conjetura. Desde este marco teórico, es posible suponer un espacio submediático por debajo de la pulcritud y perfección de los medios, que resulta accesible gracias al error. El objetivo principal es analizar el error intencionado y su potencial revelador. Asimismo, identificar las estrategias específicas de descajanegrización que permite el error intencional y construir con ello una metodología para su aplicación en el campo de las artes y el diseño. «Hacer mal bien» es una propuesta metodológica que reúne 9 tácticas para producir error descajanegrizante

The advent of the many emerging crises of our time, and of the many emerging technologies that are set to define the short-term future, pose a series of challenges that could heavily disrupt social and economic structures worldwide if they are not addressed in a sensible and timely manner. This research project aims to analyze and expose how the artistic, academic, and cultural disciplines could adapt and evolve in the face of this situation, with the goal of generating a knowledge base that could be utilized to progressively redefine said disciplines in a way that would allow them to help our species overcome the challenges posed by the future in a significant manner. The data for this project was collected through the qualitative study and cross-analysis of hundreds of relevant articles and studies. This study unveils that these emerging challenges are extraordinarily intricate and dangerous in nature, and uncovers that their root cause resides in the continued inability of our species to reconcile its tribal legacy with the ever-evolving nature of technology, concluding that contemporary societies are critically underprepared to handle these challenges sensibly. Possible solutions to this situation determined by this project include the proposal for a redefinition of the artistic, academic, and cultural disciplines conducted in tune with our tribal nature and the nature of technology that makes use of social networking structures based on the patterns that define naturally occurring evolutive emergent systems to reconcile said natures. Other themes analyzed by this study include the relevance of the artistic mindset as a vital aspect of the human being, the necessity of sensibly democratizing the new emerging technologies, and the potential occurrence of an evolutive emergent in the foreseeable future as a consequence of human interaction and organizational complexity reaching a sustained critical mass. These findings indicate the need for the realization of a progressive redefinition of the artistic, academic, and cultural disciplines conducted in tune with our tribal nature and the nature of technology, as well as the need for the immediate recognition and addressing of the many emerging challenges of our time by the international community.

La presente tesis parte de un interés por los afectos que interfieren en las relaciones pedagógicas en la Facultad de Bellas Artes de la UPV/EHU, para entender cómo afectan a nuestro modo de relacionarnos con la práctica artística y su enseñanza-aprendizaje y configurarnos como estudiantes o académicos del arte. Inspirada por líneas de pensamiento post-humanistas y nuevo materialistas, adopta una novedosa metodología post-cualitativa basada en la práctica, que ha ido resituando las agencias y devenires de la investigación, hasta colocar la experiencia del tiempo de la propia investigación en el centro del análisis.

La investigación tiene como objeto el análisis de la aplicabilidad del arte en la construcción de paz y se compone de dos partes, un cuerpo argumental y una propuesta experimental. La parte teórica explica y dimensiona la construcción de paz, identifica sus elementos ¿procesos, agentes y herramientas¿ y establece un triple abordaje desde la dimensión de la persona, la dimensión del grupo y la aportación del arte. Para la persona, procede a un estudio exhaustivo de los conflictos y su gestión; para el grupo, indaga en dos ámbitos cuales son la práctica de la "facilitación" y las "tecnologías sociales". Y, con relación a la aportación del arte, comienza por una aproximación contextual que revisa el papel del arte como instrumento de activismo social, para después, ofrecerse desde una triple dimensión metodológica a modo de herramienta de autoobservación, de gestión grupal y de transformación social. A continuación, el discurso argumental afluye a la propuesta experimental, donde se presenta y sistematiza la metodología ¿Dia-Tekhn¿ o Diálogo a través del Arte¿, con sus dos variables, la ¿Plástica Relacional¿ y la ¿Asamblea Creativa¿ que reúnen diferentes formatos de trabajo colectivo de construcción de paz con una selección de casos por formato comprendidos entre 2006 y 2021 en diferentes lugares de América Latina y Europa

¿Sistema y Modelos¿ (Representación y resignificación de imágenes proyectadas desde los espacios de control)¿, se centra en las estructuras de poder a través de las imágenes que emanan de estas y el papel del arte al resignificarlas. Consideramos que la disposición del espacio es una de las causas más determinantes, tanto en el control de los individuos, como en la clasificación de sus movimientos y sus conductas; este extremo se manifiesta de una forma indiscutible en diversos modelos arquitectónicos, tales como las cárceles y su ordenamiento interno. Este tipo de relación la podríamos extrapolar a la configuración y regulación de las urbes que habitamos, asumiendo que el espacio nunca es neutral puesto que establece parámetros y jerarquías desde su imperceptibilidad. Entendemos, en este sentido, que esta cualidad de funcionamiento oculto dota al espacio de una inmensa capacidad como generador de hábitos e intenciones; las calles, los muros, las celdas o las plazas mismas, no señalizan o arbitran comportamiento, pero ilustran e impulsan modos de proceder y de leer el contexto. La presente tesis indaga la forma de resignificar imágenes que proceden de diversos espacios de poder, a través del arte. Este imaginario del poder tendrá su núcleo en la historia de la arquitectura penitenciaria, entendiendo esta como un espacio de control. Hablar de espacio, control y prisiones nos remitirá inmediatamente al sujeto: pensamiento y cuerpo. En nuestro estudio tendrán notable relevancia diversos prismas que atañen al individuo y a su comportamiento, tales como la clasificación, la disciplina y la subversión. Este trabajo incluye una descripción del discurrir del trabajo plástico del doctorando donde a lo largo de los años han surgido diferentes formas de trabajo y pensamiento que están plasmadas en toda la investigación entrelazándose de una manera orgánica. Dentro de esta organicidad existen cuestiones capitales que se estudian desde múltiples ángulos, tales como el profundo cuestionamiento sobre la necesidad de que algo sea pintado, la traducción de una imagen a pintura, el documento pintado, la pintura como lenguaje, el lugar del archivo o de que forma el arte trabaja con la memoria.

90eko hamarkadako euskal testuinguruan, gorputzari lotutako adierazpen artistikoak areagotu ziren emakume artisten artean. Egun arte, haien sorkuntzaren irakurketa ¿emakume artista¿ kategoriaren inguruan sortu da artearen historiatik, artelanen nolakotasuna alde batera utziz. Egun garatzen ari den artearen historia feministaren ildotik abiatuta, tesi honen bitartez, artista horietako askoren historiaratzea gorputzaren ardatzaren inguruan berrantolatzen da. Bira hori burutzeko, aurrenik, artearen historiako iturriak behatzen dira, antropologiatik egindako ekarpenekin osatuz. Bigarrenez, EAEko erakusketetan joera artistikoak izan duen presentzia zehazten da. Ondoren, garai hartan emakumeen gorputz-arketipo artistikoekin zegoen harremana ikertzen da. Azkenik, sorkuntza artistikoa hiru ibilbide tematikoren bitartez aztertzen da, honako gaien bidez: 1) gorputz sexuatua eta sexualitatea, 2) edertasunaren kanona eta 3) mozorroa eta izaki fantastikoak. Artelanak diskurtsoaren erdigunean jarriz, paradigma aldaketa lortzen da, generoa oraindik ere kontuan hartu arren, gorputza eta horri lotutakoak bihurtzen baitira protagonista. Are gehiago, diziplinartekotasunaren alde egiten da diskurtsoa sortzeko: literaturako, antzerkiko eta musikako adibideak baliatzen baitira gorputzaren inguruko sorkuntza hobeto ulertzearren.

Revisión de los trabajos pictóricos murales de gran formato realizados en la Villa de Bilbao entre los años 2000-2022 Se trata de un acercamiento a esta realidad artística, repasando sus antecedentes mas cercanos, con entrevistas realizadas a muchos de los actores que han participado en la creación del parque muralístico del que gozamos, Gestores, artistas , promotores, políticos... expondrán opiniones en función del papel que han asumido en este actividad.Se mostrarán las ordenanzas y el paraguas legal bajo el cual todas estas intervenciones pueden tener cabida, comparando experiencias y organismos municipales de otras ciudades , que ordenan y legislan esta actividad.La experiencia del autor en el diseño, realización y ejecución de numerosos trabajos murales durante el periodo que marca la Tesis, permitirá exponer procesos de trabajo, desarrollos de diseños inéditos hasta la fecha, mostrando el recorrido que un proyecto de estas características puede tener Además de recorrer la mayoría de los trabajos murales realizados en el espacio público de Bilbao hasta la fecha, se presenta como Anexo, un "hipotético" proyecto de intervención mural global en uno de los barrios mas emblemáticos de la villa-Otxarkoaga.

Gaudí is a representative architect in the Art Nouveau period of Spain and has a very important position in the history of architectural development. His design, which combines nature and touches the human heart, has been passed down for hundreds of years and is not lost today. His style and design philosophy have had a profound influence on later generations. With the rapid development of science and technology, there are a number of outstanding architects and architectural works in China, which show the strength and unstoppable development trend of China's contemporary architectural design. However, this is not the development status quo of Chinese cities and countries as a whole. China's buildings are also unbalanced in value judgment while being constructed at a high speed. Cultural aphasia, neglect of the natural ecological environment, constraints under the background of rapid urbanization and other situations that cannot be ignored need to be solved. Therefore, the main design concepts of Gaudí are extracted from his naturalistic architectural works: architectural aesthetics, regionalism, integration of nature, structural principles and comprehensive disciplines, architectural implications and sustainability. Based on this, the study of Gaudí's influence on Chinese contemporary architects and architectural design and its development is of guiding practical significance. According to the available materials, there are abundant studies on Gaudí and Chinese contemporary architectural design, but there are insufficient materials to link them together for derivation. In view of this, the study of Gaudí's naturalistic architecture on Chinese contemporary architectural design aims to supplement the research gap and has good research value. The paper uses the survey research method, literature review method, image analysis method, empirical research method, case analysis method, comparative analysis method, and summary induction method as the research methods to find the basis for influence. Then, the analysis is carried out from three main parts: First, the analysis of Gaudí's influence on Chinese contemporary architectural designers, the extraction of key words, the analysis of the architect's learning and work experience, design ideas and design works characteristics. Secondly, it analyzes Gaudí's influence on Chinese contemporary architectural design works, extracts key words, and analyzes the project background and scheme design characteristics of architectural works. Finally, it deduces Gaudí's influence and enlightenment on the future development direction of Chinese architectural design. The study found that Gaudí has a direct and indirect impact on contemporary Chinese architecture, and has important implications for the future development of Chinese architectural design. Gaudí has obvious influence on contemporary Chinese architects, such as Ma Yansong's "landscape architecture", which was influenced by Gaudí in terms of naturalism, curves, architectural meaning, etc., and played a guiding role in the development of contemporary Chinese architectural design; Li Xinggang's "Architecture is Man-made Nature" was influenced by naturalism, bionics, the unity of structure and art, light and shadow design, etc., and gave lectures to share Gaudí's design ideas with young scholars; Li Xiaodong's "Local and Sustainable Architecture" combines the influence of sustainability, regionality and architectural meaning with the characteristics of China's local natural environment. There are also Liu Jiakun's "traditional sense of reality", Wang Shu's "regional architecture", Wen Zixian's "architectural fables" and so on. In addition, Gaudí also has a direct and indirect impact on contemporary Chinese architectural design practice, Masfil Headquarters Building, Chihiro's Huaguo Mountain and other architectural projects intuitively pay tribute to Gaudí, Harbin Grand Theater, Meixi Lake International Culture and Art Center, Xi'an Jiaotong-Liverpool University Administrative Information Building, Fuzhou Strait Culture and Art Center, Wenchuan Botanical Garden, Jinzhou Ceramic Museum Park, Suzhou Museum, Pudong International Airport T2 Terminal, Dandelion Vanke, Liyuan Library, etc., combined with the evolution of Chinese cultural connotation under the influence of Gaudí. Finally, through the integration of regional architecture in the natural environment, the expression of traditional cultural connotations in contemporary architectural language, the time cost of architects, and the creation of a sustainable future of architecture, Gaudí's influence and enlightenment role in the future development of Chinese architectural design are deduced. It is expected to provide valuable theoretical significance for the development of current and future architectural designers and architectural design works in China into more connotative, creative, sustainable and integrated regional natural characteristics of Chinese architecture that is more in line with the characteristics of the times and Chinese characteristics.