Pintura III es una asignatura troncal con una carga de 6 créditos ECTS. Se imparte en el tercer curso del grado de Arte y durante el primer cuatrimestre. Se ocupa principalmente de la práctica y el estudio de la pintura en el contexto del arte y la cultura artística actual.



La asignatura se concibe como el final de un proceso de maduración experimental en relación al conjunto de experiencias y contenidos que define el área de conocimiento de Pintura en el Grado en Arte. De este modo, ahonda en los conceptos previamente explorados en las asignaturas de "Pintura I" y "Pintura II", tanto desde una perspectiva experimental como teórica.



En la asignatura se pretende profundizar en los conocimientos a partir del campo específico de la pintura, considerándola una actividad enraizada a lo largo de toda la historia y que exige ser repensada constantemente. Se concibe la pintura como un medio de creación específico y no como un mero reproductor de imágenes. Se trata de un medio que puede posibilitar modos materiales y de pensamiento, pudiéndose extender hacia o interactuar con otras disciplinas. Se estudia la pintura como una expresión cultural que interactúa de manera constante con el entorno social y humano donde se ubica y no como una actividad aislada.



Finalmente, se espera que el alumnado adquiera una formación que le permita abordar desde su práctica un punto de vista crítico-reflexivo.

Competencias generales:

G002 - Responsabilizarse del acto de creación y de lo realizado en relación a lo exigible socialmente al artista contemporáneo. Capacidad de compromiso.

G004 - Integrar conocimientos y habilidades para plantear y desarrollar proyectos artísticos.

G006 - Manejar diferentes fundamentos provenientes de las disciplinas del Arte que repercuten en los procedimientos de configuración y representación

G009 - Conocer el sistema del arte (galerias, museos, fundaciones, asociaciones, etc.., asi como el espectro de posibilidades de becas, subvenciones y ayudas), sus mecanismos de funcionamiento y sus exigencias para poder integrarse de manera profesional en

el mismo (contrato, aspectos legales, seguros, etc.). Conocer los modos de funcionamiento y la problemática referida a los derechos de autor y la propiedad intelectual (Coyright, Copyleft, etc.)



Competencias específicas:

C1CC04 - Reconocer el potencial de la materia en cuanto que sustrato de la obra de arte.

C1CC05 - Ser capaz de experimentar en el ámbito de lo material y de la imagen produciendo nuevas articulaciones sensibles e intelectivas, teniendo en cuenta la interdisciplinariedad de la práctica artística contemporánea.

C2CC01 - Reconocer en la praxis material el conjunto de nociones que propician el encuentro con el arte.

C2CC02 - Reconocer el aprendizaje técnico como conjunción, determinada desde una necesidad y un compromiso subjetivos, de descubrimientos personales y soluciones materiales objetivas asociadas a distintos modos de hacer y ámbitos de trabajo artístico.

C2CC06 - Ser capaz de reconocer a través de la práctica la operación básica de simbolización o investidura de sentido que acompaña a toda experimentación artística y se hace necesaria para que esta concluya en obra de arte.

C3CC01 - Reconocer objetivos personales y delimitación de metodologías de trabajo particulares.

C4CC01 – Adquirir autonomía técnica suficiente para el desarrollo de una práctica artística individual o colectiva.

C4CC02 - Comprender del arte/pintura como saber específico.



Competencias transversales:

G001 - Reconocer el saber del arte como saber técnico.

G007 - Conocer la historia, teorías y nociones significativas del Arte, así como el pensamiento de artistas a través de sus obras y textos.

G008 - Reconocer las relaciones entre los acontecimientos artísticos y los contextos sociales en los que se producen, comprendiendo la importancia de sus funciones y significados para adquirir un punto de vista reflexivo y critico tanto de la historia del arte como de la cultura contemporánea y valores de igualdad, no discriminación y cultura de la paz.

C1CC01 - Descubrir en la observación de la realidad, la posibilidad de repensarla a través de las creaciones visuales y plásticas.

C1CC02 - Distinguir en la observación de la realidad, lo estructural y lo anecdótico y detectar distintos modos de relación entre partes en base a distintos aspectos perceptibles que participan en las configuraciones artísticas.

C1CC03 - Detectar y revisar ideas preconcebidas en torno a la materia, la imagen y el sentido del arte.

C1CC07 - Iniciarse en la comprensión critica de la teoría e historia del arte.



Resultados de aprendizaje:

Durante el curso, los estudiantes adquirirán una serie de resultados de aprendizaje:

- Desarrollarán la capacidad de criterio para abordar los desafíos inherentes a la práctica pictórica, sumergiéndose tanto en la teoría como en la práctica de manera intensa y desarrollando así su formación hacia la maduración artística.

- Aprenderán a establecer prioridades para desarrollar progresivamente un proyecto personal de trabajo.

- Conocerán el trabajo práctico en el taller, lugar desde el que emerge el pensamiento artístico.

- Se espera que sostengan la motivación e implicación necesarias para establecer un compromiso personal con su formación como artistas.

- Fortalecerán su discurso oral, reconociendo la importancia de la comunicación verbal en la práctica pictórica.

- Profundizarán en los componentes esenciales de la imagen, incluyendo la figura-fondo, el trazo, la mancha, la línea, los planos, las tensiones y direcciones, los ritmos, así como otros componentes fundamentales como el claroscuro y el color.

- Superarán sus conocimientos iniciales integrándose en un debate sobre lo pictórico, lecturas analíticas sobre la pintura y el arte, tanto en términos puramente formales como estéticos.

- Enmarcarán el proceso de producción pictórica en un proceso complejo y riguroso de investigación y de conocimiento.

- Desarrollarán la capacidad de integrar conocimientos de distintas disciplinas en la producción de una metodología pictórica propia.

- Potenciarán la capacidad de análisis y de reflexión crítica sobre el proceso de trabajo realizado y la metodología desarrollada.

- Gestionarán la producción artística personal adecuando los procedimientos técnicos y métodos pictóricos a las ideas de partida, para iniciar un discurso pictórico

En el contexto de la asignatura se reconocen tres marcos esenciales que desempeñan funciones complementarias. Estos marcos son el ideológico (conjunto de ideas que subyace), el funcional (organización de los contenidos en unidades didácticas) y el operativo (implementación y adaptación a realidad). Cada uno de ellos cumple una función específica en relación a los objetivos de la asignatura.



El marco ideológico establece el sistema de ideas que fundamenta la práctica artística, permitiendo que la obra se presente a través de o a partir de nuestras relaciones con la realidad y con el propio lenguaje pictórico. Se entiende que la práctica pictórica no se limita a la mera producción de objetos, siendo una actividad que implica una forma específica de pensamiento y una posición particular respecto a elementos como los signos, el espacio, el tiempo, lo real, la acción o la subjetividad, entre otros. Este marco tiene como objetivo proporcionar los fundamentos necesarios para que los estudiantes puedan desarrollar su propia reflexión.



El marco funcional organiza la programación de contenidos y dispone su secuenciación en unidades didácticas interdependientes, proponiendo a los alumnos a responder a cada interrogante con sus propias soluciones.



El marco operativo adapta la programación del marco funcional a la realidad específica del grupo y de cada alumno.



El primer día de clase se expondrán estos aspectos y sus contenidos específicos de manera que el alumnado pueda comprender el motivo y la finalidad de los mismos, facilitando así los intercambios de ideas necesarios para que éstos puedan asumirlos como propios. A través de este sistema abierto de transmisión y producción de conocimientos, se trata de fomentar la participación activa del estudiante.



Son varios los profesores que están a cargo de impartir la asignatura Pintura III. Esta situación implica que los contenidos específicos varíen en cada caso, ya que cada docente ha desarrollado su propio enfoque para la asignatura. Por lo tanto, los contenidos específicos los compartirá con el alumnado el docente encargado de la asignatura en cada caso. A pesar de estas diferencias, todos los grupos deben compartir competencias, objetivos y resultados de aprendizaje.

Los procesos de aprendizaje en esta asignatura se estructuran en sesiones de trabajo en las que predomina la práctica reflexiva, a través de la cual se experimentan y valoran en primera persona, de manera individual y grupal, los conceptos y nociones del programa. Esta modalidad de enseñanza implica que no haya un límite preciso entre teoría y práctica como desarrollo e implementación de metodologías activas que fomentan la iniciativa formativa del alumnado en las modalidades docentes de seminarios y talleres. Si bien las bases conceptuales fundamentales se presentan y discuten en sesiones expositivas teóricas, como guía y apoyo a los trabajos prácticos, estas no serán facilitadas sistemáticamente con antelación a las prácticas de taller, sino que deben ser identificadas por la/el estudiante a lo largo del desarrollo práctico con la asesoría y seguimiento docente.



La práctica experimental en el taller constituirá la parte central de la asignatura, donde cada estudiante habrá de desarrollar su trabajo práctico a partir de pautas establecidas. Estas sesiones de taller serán guiadas por el docente, quien mantendrá una interacción personalizada con cada alumno para garantizar el adecuado desarrollo de los ejercicios, ofreciendo orientación para superar cualquier dificultad o incertidumbre que surja en el proceso. Además, se promoverán debates durante la ejecución de las tareas para estimular el intercambio de ideas entre los estudiantes y fomentar un ambiente de exigencia intelectual en el grupo. El docente también clarificará las responsabilidades y compromisos de los estudiantes con respecto a su trabajo, así como expondrá detalladamente los objetivos del curso. Además, recopilará información para evaluar el progreso de cada estudiante y utilizará estos resultados para planificar futuras sesiones que se ajusten al desarrollo de cada uno.



Los seminarios se nutrirán principalmente de la lectura conjunta de textos y de debates grupales, proporcionando un marco para la comprensión colectiva de los conceptos abordados a través de los ejercicios. El contenido de los textos estará relacionado con el ámbito del arte en general, de la pintura de forma específica, así como del ámbito de la estética, siempre en relación a la práctica experimental. Este marco teórico tendrá la función de facilitar la reflexión acerca de la práctica y, se espera que la práctica, a su vez, pueda generar nuevos temas o interrogantes a ser tratados en forma discursiva. Durante estas sesiones también se trabajará la puesta en común de los resultados de los trabajos y se debatirán diversas problemáticas surgidas en la dinámica del curso.

Las clases magistrales se emplearán para introducir los conocimientos teóricos indispensables para el desarrollo de la asignatura y se impartirán al comienzo de cada bloque. En estas clases magistrales se emplearán presentaciones power point y otros materiales que quedarán disponibles en la plataforma eGela.



Las tutorías ofrecerán también apoyo y asesoramiento personalizado para consultar y contrastar las tareas no presen¬ciales, el estado de los ejercicios u otras dudas relacionadas con la asignatura.



La carga no presencial que los estudiantes deben completar fuera del horario de clase se distribuye en 22,5 horas relacionadas con el seminario o cuestiones teóricas, y 67,5 horas dedicadas al desarrollo de la parte práctica. Las actividades adicionales que se propondrán para ser realizadas de forma no presencial tienen como objetivo dar continuidad de manera autónoma al trabajo que se esté desarrollando en las horas presenciales, reforzar la comprensión de los temas tratados en la asignatura y promover la participación de los estudiantes en el ámbito artístico y cultural.

• Sistema de Evaluación Continua
• Sistema de Evaluación Final
• Herramientas y porcentajes de calificación:
  • Trabajos individuales (%): 65
  • Trabajos en equipo (resolución de problemas, diseño de proyectos) (%): 5
  • Exposición de trabajos, lecturas… (%): 20
  • Portfolio (%): 10

Al tratarse de una asignatura fundamentalmente experimental, se considera imprescindible que el alumnado asista regularmente a clase, de manera que se pueda aplicar el sistema de evaluación continua.



La evaluación continua implica una asistencia regular a clase. Este tipo de evaluación permite establecer parámetros que indican no solo al profesorado, sino también a los/as estudiantes, cómo está siendo su evolución. El alumnado con asistencia intermitente o un trabajo claramente insuficiente durante el proceso del curso, quedará calificado únicamente con la nota obtenida en la evaluación continua.



El alumnado tendrá derecho a ser evaluado mediante el sistema de evaluación final. Para ello, deberá presentar por escrito la renuncia al sistema de evaluación continua y dispondrá para hacerlo de un plazo de 9 semanas, a contar desde el comienzo del cuatrimestre.

Para renunciar a la convocatoria el alumnado tendrá que presentar la renuncia por escrito a la/el docente responsable de la asignatura un mes antes de la fecha oficial de examen de la asignatura.

Materiales propios de la disciplina pictórica: soportes en tela, tabla o papel, pintura al óleo, pintura acrílica, témpera, lápices, pinceles, paleta, espátulas... y/u otros necesarios en cada caso.

Bibliografía básica

Bell, J., ¿Qué es la pintura? Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2001

Berger, J., Modos de ver. Editorial GG, Barcelona, 2016

Berger, J., Algunos pasos hacia una pequeña teoría de lo visible. Ardora Express, Madrid, 1998

Deleuze, G., La pintura. Concepto de diagrama. Editorial Cactus, Buenos Aires, 2007

Dewey, J., El arte como experiencia. Edic. Paidós, Barcelona, 2008

Foucault, M., La pintura de Manet. Fondo de cultura económica. Madrid, 2016

Hockney, D., Así lo veo yo. Siruela, Madrid, 1994

Kaprow, Allan,. La educación del desartista. Ardora Ediciones, Madrid, 2007

Klee, P., Teoría del arte moderno. Editorial Cactus, Buenos Aires, 2007

Lhote, A., Tratado del paisaje. Poseidon, Barcelona, 1985

Moraza, J. L., El deseo del artista. En: Deseo. Textos y Conferencias, Madrid, Colegio de Psicoanáli¬sis, 2011

Moraza, J. L., Indifférance. Comunicación pronunciada dentro del ci¬clo: EN TIEMPO REAL. EL arte mientras sucede. Fundación Seoane, La Co¬ruña, 2000

Sylvester, D., Entrevista con Francis Bacon.Ed. Mondadori, Barcelona, 2003

Tarkovsky, A., Esculpir en el tiempo. Ed. Rialp, Madrid 1996

Trías, Eugenio, Lo Bello y lo Siniestro. Ariel, Barcelona, 1992

Valery, P., Piezas de arte. A. Machado Libros, la Balsa de la Medusa, Madrid, 1999

Bibliografía de profundización

Bourdieu, P., El sentido social del gusto: Elementos para una sociología de la cultura. Clave intelectual, Madrid, 2022Deleuze, Gilles. LA PINTURA. CONCEPTO DE DIAGRAMA
Bourdieu, P., Las reglas del arte. Génesis y estructura del campo literario. Anagrama, Barcelona, 2002
Cixous, H., Poetas en pintura. Escritos de arte: de Rembrandt a Nancy Spero. Ellago Ediciones, Castellón, 2010
Deleuze, G., Guattari, F., ¿Qué es la filosofía? Anagrama, Barcelona, 1993
Garcés, M., Ilustración radical. Anagrama, Barcelona, 2017
Gasquet, J., Cézanne, lo que vi y lo que me dijo. Gadir Editorial, S. L. Madrid, 2005
Heidegger, M., Arte y poesía, el origen de la obra de arte. Fondo de cultura económica, Mexico D.F., 2005
Koons, J., Phrases and Philosophies by Jeff Koons. En The Hand Book, Thamen and Hudson, 1992
Marina, J.A., Teoría de la inteligencia creadora.Edit. Anagrama, Barcelona, 2006
Merleau-Ponty, M., Sentido y Sinsentido. Ediciones Península, Barcelona, 2000
Motherwell, R., The collected writings of Robert Motherwell. University of California Press, Ltd., California, 1992
Nietzsche, F., Sobre verdad y mentira en sentido extramoral y otros fragmentos de filosofía del conocimiento. Tecnos, Madrid, 2010
Reindhart, A., Art as Art. The selected writings of Ad Reinhardt. California Press, Los Ángeles, 1991
Reindhart, A., How to Look. Editor David Zwirner. Hatze Kantz Verlag, 2013
Ulrich Obrist, H., Conversaciones con artistas contemporáneos. Ediciones Universidad
Unamuno, M. de, Amor y Pedagogía. Editorial Verbum, Barcelona, 2021
Moraza, J.L.,. Arte y saber+, Arte y Saber. Arteleku, Donostia, 2004 http://es.scribd.com/doc/129727604/Arte-y-Saber-Moraza
Pardo, J. L., Sobre los espacios, pintar, escribir, pensar. Ediciones Serbal, Barcelona, 1991
Oteiza, J., Quousque Tandem…! Ensayo de interpretación estética del alma vasca. Pamiela Argitaletxea, Pamplona-Iruña, 1994
Rubert de Ventos, X., Teoría de la sensibilidad. Península, Barcelona, 1969

Revistas

Revistas que se encuentran en la biblioteca de la facultad:
- ARTFORUM
- ARTNEWS
- ARTE E INDIVIDUO Y SOCIEDAD
- ARTE Y PARTE
- BEAUX ARTS
- FLASH ART
- ART JOURNAL
- LÁRT MEME
- ART IN AMERICA
- ART PRESSE
- ART REVIEW
- REVISTA EREMUAK# en papel y online: https://eremuak.eus/es/revista-eremuak/
- Suplementos culturales de periódicos locales, nacionales e internacionales

Direcciones web

http://www.ehu.es/procesosdecreacion
http://www.ehu.es/pintura
http://www.eremuak.net/
Arteleku http://artxibo.arteleku.net/
Instituto de Arte Contemporáneo https://www.iac.org.es/
UBU http://www.ubu.com/
Louisiana Channel

Centros de interés:
https://www.azkunazentroa.eus/es/
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https://www.lataller.com
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https://www.tabakalera.eu/es
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http://www.azala.es/es/
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Crítica, difusión y archivos:
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http://a-desk.org/
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Revistas:
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