Erwin Wurm es un artista austriaco nacido en 1954 en Bruck an der Mur, Estirua. Se formó en la Academia de Artes Aplicadas de Viena y en la Academia de Bellas Artes de Viena entre los años 1979 y 1982. Vive y trabaja en Viena como escultor, fotógrafo y dibujante.

Las obras de Erwin Wurm se encuentran en colecciones de todo el mundo, como el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York), la Colección Peggy Guggenheim (Venecia), el Walker Art Centre (Minnesota, EEUU), el Museum Ludwig, el Kunstmuseum St. Gallen (Suiza), el Museo de Arte Contemporáneo de Lyon, el Museo de Arte Antiguo y Nuevo. y el Centro Pompidou (Francia).

Actualmente su trabajo ha sido exhibido en diferentes capitales europeas, destacamos su presencia en 2016 en Berlin en la Berlinische Galerie con la exposición Bei Mutti, donde se han mostrado dibujos y esculturas y recientemente en el Pabellón de Austria de la Bienal de Venecia de 2017.

Wurm dice: “Me interesa la vida cotidiana. Todos los materiales que me rodearon pueden ser útiles, así como los objetos y temas que intervienen en la sociedad contemporánea. Mi trabajo habla de la entidad completa de un ser humano: lo físico, lo espiritual, lo psicológico y lo político “

 Erwin Wurk desde finales de la década de 1980 ha investigado explorando los límites entre escultura, objeto y performance en un espacio de transversalidad, donde experimenta con el objeto, la escala y la participación del público en sus creaciones. Trabaja con la distorsión de los objetos.

“La casa estrecha” es una obra clave, dado que reconstruye fielmente la casa de sus padres, pero variando su anchura a poco más de un metro. Al introducirse dentro de la casa el público y caminar, se experimentan restricciones metáfora de las restricciones provincianas.

“Esculturas de un minuto” de Erwin Wurm en Bei Mutti, desafía e involucra al espectador con sus obras. Presenta el objeto, a veces modificado con un dibujo descriptivo de instrucciones de uso,  que  invitan a participar al público y tomar posturas inusuales con objetos cotidianos, en algunos casos deformados o distorsionados. Sus obras tienen cierta clave de humor y de reflexión sobre la cotidianidad que nos rodea y denota una crítica a la sociedad occidental, sus costumbres y objetos como son la ropa,  los muebles, las casas, los libros y objetos de uso cotidiano.

En el Pabellón de Austria, Bienal 2017, el artista Erwin Wurm presentaba en el exterior una obra espectacular,  un camión colocado verticalmente; el espectador al subir la gran escalera, ya era en sí un performer: “Stand quiet and look out over the Mediterranean Sea” y durante unos minutos el Mar también adquiría su aspecto físico, mientras en el interior del pabellón, el público podía transformarse por un minuto en una escultura.

http://www.rtve.es/alacarta/videos/metropolis/metropolis-erwin-wurm/1551743/

Indudablemente esta exposición internacional itera sobre la transversalidad del espacio, materiales y procedimientos artísticos y tecnológicos a nivel disciplinar, interdisciplinar y multidisciplinar de desarrollo rizomático. Su puesta en escena activa un diálogo libre entre artistas y público visitante, como lo ha expresado Paolo Baratta, presidente de la Bienal.

“Viva Arte Viva” ha permanecido abierta al público del 10 de mayo a 26 de noviembre. El pasado 13 de mayo fueron otorgados los premios de la 57 Biennale di Venezia, de los que deseamos destacar algunos de ellos:

“León de Oro a la mejor participación nacional” se concedió al pabellón de Alemania, con el trabajo de Anne Imhof, comisariado por ifa (Institut für Auslandsbeziehungen), bajo la curaduría de Susanne Pfeffer. Se trata de una instalación que juega con el espacio interior del pabellón alemán, habiendo colocado un doble plano de cristal, paralelo al suelo a una distancia transitable y que juega con las diferentes direcciones del espacio: la transparencia, el reflejo y la puesta en escena de las acciones performativas realizadas por actores (tres veces mañana y tarde, cada semana), que utilizan el espacio / tiempo / cuerpo / voz / sonido / …. Esta obra ha sido creada expresamente para dicho contenedor bajo el título de “Faust”. Dicha obra interroga al público en distintos aspectos de las relaciones espaciales.

“León de oro al mejor artista de la Exposición “Viva Arte Viva” (Pabellón del espacio común, Arsenal-Corderie), ha sido otorgado al artista alemán Franz Erhard Walther, donde la participación se realiza estrictamente por invitación de la propia curator: Christine Macel y del Comité de la Bienal. Franz Erhard Walther reconoce el cosido como un medio de expresión innovador e indaga sobre la idea artística en que la obra viene definida y completada por la presencia física del cuerpo. Ha presentado tres obras de la serie “Wallformation” (1983-1986) y una selección de “Walking Pedestals” de 1975.

“León de oro a toda una carrera” ha sido otorgado a una gran pionera de la performance, Carolee Schneemann, nacida en Pensilvania en 1939. Carolee Schneeman es una pioniera de la performance feminista a comienzos de los años 60. Schneemann ha utilizado el cuerpo desnudo como fuerza primitiva y arcaica capaz de unificar las energías. Usó su cuerpo como tema principal de su arte. De este modo, la artista concibe a la mujer tanto como creadora, como parte activa de la creación misma. Su estilo es directo, sexual, liberador y autobiográfico. La artista promueve la importancia del placer femenino sensual y explora las posibilidades de emancipación política y personal de las convenciones sociales y estéticas predominantes. Para ello experimenta una amplia gama de medios como la pintura, el cine, el videoarte y la performance. Sin duda este premio reconoce no solamente la espectacular labor visual y performativa de la artista estadounidense, sino también al reconocimiento a la Performance, al Body art, como medio de expresión en sí. Schneemann, es sin duda la verdadera antecesora o precursora de la performance, algunas de sus acciones fueron verdaderas provocaciones y fuente de inspiración para tantos/as artistas, como: Hannah Wilke, Trisha Brown, Marina Abramovic, Gina Pane, entre otras.

“León de Plata al mejor Artista joven” en la exposición Viva Arte Viva, como promesa del arte, ha sido para Hassan Khan (artista egipcio nacido en 1975 en El Cairo, pero que vive y trabaja en Estados Unidos).

Debemos de evidenciar que Christine Macel, curator de la 57 Biennale di Venezia, directora del Centre Pompidou de París es una gran admiradora de la Performance y según sus palabras,

la Exposición Internacional la propone como cita obligada del Arte Contemporáneo junto a otros dos acontecimientos europeos organizados por Alemania: La 14ª Documenta de Kassel, que en esta edición se celebra también en Atenas y Skulptur Projekte Münster 2017. Esta edición de la Biennale di Venezia pone frente al mundo de hoy sus conflictos y sus temblores; es testigo de la parte más ambiciosa de la humanidad en un momento en el cual el humanismo está en peligro; por eso se necesita una reflexión y una expresión individualista de la libertad, así como los interrogantes fundamentales: sueños y utopías, relaciones con el otro y con los demás, sentirse unidos con la Naturaleza y con el Cosmos, además de una dimensión espiritual que puedan encontrar un espacio y un equilibrio. Y el arte no es ni debe ser el último eslabón, sino que ha de ser un jardín donde broten nuevas ideas, más allá de las modas, y de los intereses personales, por eso debe promover representando una representación que ponga una alternancia a la indiferencia. Dado que más que nunca, el rol, la voz y la responsabilidad del artista aparecen por lo tanto cruciales en su conjunto, con debates, y precisamente gracias a la individualidad que se nos esboza en un mundo lleno de incertidumbres, un mundo de un mañana inquieto lleno de dudas; más que nunca necesitamos al Arte, dado que precisamente los artistas más que ningún otro intuyen la dirección: ¿Qué hacer? Y así “VIVA ARTE VIVA” es un grito, un dicho y una expresión de la pasión por el Arte y para el Arte, es una Bienal por el arte.

“Este año como en las pasadas ediciones, el Pabellón Central, situado en Giardini tiene una exposición, bajo el título “VIVA ARTE VIVA”, curada por Christine Macel. En esta ocasión se desarrolla alrededor de nueve capítulos, que proponen un recorrido: Pabellón de los artistas y de los libros; Pabellón de las alegrías y del miedo; Pabellón del espacio común; Pabellón de la Tierra; Pabellón de las Tradiciones; Pabellón de los chamanes; Pabellón de lo dionisiaco; Pabellón de los colores; y Pabellón del tiempo y del infinito. Luego siguen los respectivos 87 Pabellones Nacionales y en el Arsenale y Le Corderie.

Por primera vez participan: Antigua & Barbuda: (Islas del Mar del Caribe), el Pabellón está ubicado en el Centro Cultural Don Orione Artigianelli. Fondamenta Nani en (Dorsoduro); Nigeria tiene su Pabellón en la Iglesia de San Stae, en el Canal Grande; y Kiribati (se pronuncia Kiribas), forma parte de una de las Islas del Océano Pacífico de Australia, su Pabellón está ubicado en el Palacio Mora, en Strada Nuova, Cannaregio.

Fig. 1 . PHYLLIDA BARLOW. “Locura”. Instalación. Técnica mixta. Pabellón de Gran Bretaña. Giardini.

Fig. 2. MARK BRADFORD. “Mañana es otro día”. Escultura. Técnica mixta. Pabellón de EEUU. Giardini

De los Pabellones que más nos ha llamado la atención han sido: el Pabellón de Canadá, Geoffrey Farmer presenta un juego con el agua como protagonista en el espacio/tiempo, chorros intermitentes que sorprendían al público; el Pabellón de Gran Bretaña con la escultora Phyllida Barlow que con el título “Folly” presenta una instalación compuesta por esculturas monumentales, que invaden y llenan enteramente el espacio recreando una escenografía arquitectónica, donde la escultura es la protagonista (fig. 1); el Pabellón de Estados Unidos con la presencia del artista norteamericano Mark Bradford presenta “Tomorrow Is Another Day” (fig. 2), utilizando materiales de uso cotidiano y social donde quizás por eso, el mañana, es una historia dentro de tantas otras historias. La acción colectiva define el empeño social de Bradford, en Venecia con la colaboración local de Río Terrá dei Pensieri, ha fundado un Proceso Colectivo para los reclusos con la finalidad de ayudarlos en su camino hacia la autosuficiencia. Una reflexión sobre la marginación social y una respuesta de frente a este problema social, donde el arte otra vez da soluciones. Otro Pabellón muy poético fue el de Japón, con el artista Takahiro Iwasaki con“Turned upside down, It’s a forest” (fig. 3). Utiliza materiales de uso cotidiano, como toallas, y objetos de plástico y reconstruye una ciudad; la visión de este pabellón es doble: primeramente hay que ponerse a la cola, subir una escalera y meter la cabeza en un agujero para encontrarnos como protagonistas de un bosque, bajo la mirada atenta del público. Al volver arriba, seremos nosotros espectadores, en vez de parte integrante de la idea. El Pabellón de Alemania representado por Anne Imhof, “Faust”, una espectacular instalación de acero y cristal, que dividía el espacio cubico del contenedor en diferentes niveles. Los performers actuaban por toda la instalación, por encima del suelo acristalado y por debajo; con su propio perro la artista se movía. El Pabellón de Brasil con Cinthia Marcelle, “Chäo de caça”, premiada con el León de plata, como mención emergente y por su novedoso mensaje, de estar dentro-fuera, interior-exterior. En el Pabellón de Austria, el artista Erwin Wurm con un espectacular camión colocado verticalmente en el exterior; obra que invita al público a subir la gran escalera, que en sí se convertía en un performer: “Stand quiet and look out over the Mediterranean Sea” y durante unos minutos el Mar también adquiría su aspecto físico, mientras en el interior del pabellón, todo espectador podía transformarse por un minuto en una escultura. El Pabellón de Egipto, ha sido una sorpresa con “The Mountain” del artista Moataz Nasr, sin duda uno de los vídeos más espectaculares de toda esta Bienal de Venecia. Un fotografía impecable, un color sorprendente, una puesta en escena y un mensaje donde el miedo es tema de discusión y de reflexión. El miedo, probablemente es el menos reconocido y valorado entre nuestros instintos primordiales. Sin embargo también él surge, forja y nos ayuda a crear el mundo donde hoy vivimos….En el Arsenale quizá el Pabellón de Irlanda con Jesse Jones que presenta “Tremble Tremble”, donde la performer, una actriz de teatro, Olwen Fouéré acciona el aborto practicado durante el siglo XVII por la brujería, donde una bailarinas movían un telón negro en el entreacto. El pabellón Italia representado por Cuoghi, Andreotta y Husni-Bey que nos ha propuesto un montaje espectacular e impactante sobre la muerte, el transito chamánico de la vida/muerte, bajo el título de “Libro Mágico” (fig. 4). El final fue mejor, que el comienzo, me refiero al evento colateral del Museo Correr con Shirin Neshat con “The Home Of My Eyes”, fotografía de personas de su país (Irán), retratos inspirados en el Greco. Los rostros, cuellos, brazos y manos estaban con grafía árabe, la poesía del poeta de Azerbaiyán, Nizami Ganjavi. Y desde San Giorgio contemplamos una espectacular puesta de sol al visitar una exposición retrospectiva de Pistoletto.

Fig. 3. TAKAHIRO IWASAKI. “Girando al revés, se ve el bosque”. Instalación. Técnica mixta. Pabellón de Japón. Giardini.

Fig. 4. ROBERTO CUOGHIA. “Imitación de Cristo”. Arsenale, Pabellón Italia: “El mundo mágico”.